Etiqueta: los 90

¡Un mes más, una letra menos! Listos para ver, de nuevo, todo lo que nos ha ofrecido el Universo DC. Quizá esperabais que la H fuera una letra tranquila. En ese caso os pasaría como a mí y luego recordaríais todos los personajes que empiezan por H. Y eso sin contar a los que no recordaba. Vamos, lo único que me sorprende es que no haya encontrado ninguna cosa rara de Hellblazer que meter aquí. Porque Lady Constantine irá a la L, claro. Pero, vaya, que os puedo aseguraros que si pensabais que la H sería una letra tranquila es que no conocéis cómo se las gastan en DC…

01) The Hacker Files (1992 – 1993)

La primera en la frente. Es difícil hablar de esta serie porque estoy seguro de que hay una historia detrás -o varias, la verdad- sobre lo que estaba sucediendo aquí. Con Sarge Steel como secundario para que veamos que está en el universo DC, nos encontramos a Jack Marshall, hacker extraordinaire, reconocible por una camiseta con una A dentro de un círculo, todo rojo. En los cuatro primeros números le vemos ejerciendo en una trama sobre un virus informático que era capaz de generar todo tipo de maldades como, por ejemplo…

Vídeos falsos que se pueden usar para mover una desinformación lesiva. ¡Ah, el futurismo!

Pero para la quinta meten un par de números a Oráculo para pasear por allá un rato, y luego ya se dedican a mil cosas distintas, desde los malvados comunistas chinos -que son una muestra de un malvado sistema corrupto- a los malvados capitalistas estadounidenses -que son una muestra de que siempre hay alguna manzana podrida por bueno que sea el sistema- pero, sobre todo, procuran integrarlo más en el universo. De ahí que salga en Justice League Quarterly, en un número guionizado por Mark Waid en el que Guy Gardner le baja los pantalones a un menor, lo esperable a principios de los noventa, vaya. Y, por supuesto, la Liga aparece también en la serie regular:

No sé qué más os puedo contar.

Bueno, sí, que el futurismo es importante, no tenéis más que echar un ojo a los momentos que -para los últimos números de la colección- transcurren en una suerte de universo virtual.

Tecnología punta, vaya. De esa en la que rápidamente están hablando de temas que, por supuesto, están muy lejanos. Como cuando el capitalista corrupto se da cuenta de que…

…meter la IA en todo quizá no haya sido la mejor idea.

Pero bueno, eso con dejar pasar una semana y sacar un croufundin se arregla.

Vamos, que yo diría que es una posibilidad para recuperar en una edición a la altura, pero si sacar Batman es ya un riesgo para sus finanzas no os quiero contar una serie sobre hackers en la que no aparece ningún furro.

02) Hammerlocke (1992 – 1993)

Pues aquí estamos, con un intento de lanzar unos nuevos superhéroes… que se quedó en el intento. Y mira que parecía complicado porque lo que tenemos es, por un lado, a un grupo de luchadores ecologistas decididos a todo y, en el otro, a una empresa que está monopolizando toda una serie de tecnologías que incluyen la explotación del universo, mientras hace y deshace con su personal de seguridad.

Por supuesto los malos son los ecologistas. Solo faltaría.

Lo más sorprendente es que con esa portada, entre He-Man y Warhammer, al final sea una obra de ciencia ficción en la que claramente pusieron superhéroes a ver si vendía más. Creo que la respuesta es autoevidente.

03) Hardcore Station (1998)

Aquí estamos con Starlin y sus cosas. Un poco lo de siempre, un malvado malvadísimo. Muy malo y muy poderoso. Pero vamos, muy malo. ¿Que cómo de malo?

Imagina.

Y luego ya un héroe galáctico, una serie de idas y venidas y la decisión de meter a un grupo conocido para el final:

Además de apretar el puño y decidir que volverán a aparecer los dos personajes principales. Que es cierto. El protagonista, Chief Justice Max, y el villano, Synnar -ya os hemos dicho que era Stalin, no esperaríais sutileza por su parte a estas alturas- reaparecerían, el primero en 2006-2007 en Mystery in Space y los dos, en distintos grados de importancia, en 2009 en Strange Adentures y Rann-Thanagar: Holy War. Después de eso solo volvería a DC para Stormwatch, en 10 números que darían para otro posteo. Pero Max y Synnar no reaparecerían. Así que tendréis que conformaros con estas historias.

04) Hardware (1993 – 1997)/ Hardware: Season One (2021 – 2022)

El Dakotaverso. La última frontera. Bueno, en teoría esto es Milestone, el universo de superhéroes afroamericanos de DC. En la que se podían permitir decir las cosas que no decían en otros sitios. Y lo decían alto y claro hasta un punto en el que lo difícil es no publicar el primer número al completo. Así comienza:

Y a partir de aquí se va a contar su propia historia, que os podéis imaginar:

Por supuesto todo lo que hace le lleva a encontrar que el tipo está hasta arriba de mierda, así que su decisión es destruirle por los medios clásicos: La justicia y los medios de comunicación…

Con los resultados clásicos con la justicia y los medios de comunicación, por supuesto.

Y de ahí a crearse una identidad nueva. Menos por ser un superhéroe que para cargarse a este tipo. Bueno, más o menos, por supuesto no va todo el rato de eso, pero sí que es la línea principal: Por el día empleado sojuzgado, por la noche verdadero justiciero.

Sin olvidar la ironía de que el malvado, como todos los jefes, podría haberse salido con la suya tratándole con un poco de respeto y dándole una paga justa.

Por supuesto la MOLINIDAD NOVENTERA es lo único que podríamos decir que tendría que añadirse a la mezcla.

Y lo hicieron.

McDuffie estuvo unos treinta números -aunque con fill-ins, claro- manteniendo regularmente diferente el statu quo de manera que la idea central fuera la persona y no la situación. Y siempre con su particular sentido del humor.

Para el 34 habría un nuevo equipo… que duraría 4 números. A partir de ahí los equipos creativos durarían bastante menos hasta… que en el 45 decidieron contratar a Chichester como guionista. Como era de esperar eso significó que llegaron al 50 y cerraron. Bueno, de hecho fue peor. En el número cincuenta dejan tramas para cerrar y dicen que habrá un número 51 que significaría el cierre de esta serie.

Pero el 51 no llegó a salir en ningún momento.

Y así quedó la cosa. No volveríamos a saber de él hasta que en 2001 le dieran la oportunidad a McDuffie de recuperar a… Static Shock. Sí, en Static Shock: Rebirth of the Cool reaparecía tras 4 años Hardware. Ahí nos lo encontramos en silla de ruedas y aún con Baraki a su lado, pero con Hardware aún existiendo como robot a control remoto.

La prueba de aguas no dio para mucho, así que hasta 2009 no volvieron a intentar probar algo con Milestone. Esta vez en la Justice League of America, en un ‘evento Milestone’ que guionizaba, claro, McDuffie. Pero del que no llegamos a ver gran cosa. Ese mismo año pasaría por The Brave and The Bold a hacer team up con Blue Beetle –Jaime Reyes, que en aquel entonces solo llevaba 3 años en el cargo- (en un cómic guionizado por Adam Beechen) pero que servía para mantener en mente al personaje mientras aparecía la mini (muy mini, 2 números) Milestone Forever en la que McDuffie -claro que McDuffie– aprovechaba para cerrar los asuntos pendientes, hasta el punto de que parece más ese número 51 que faltaba, hasta el punto de que lo que salía en aquella mini de Static da la sensación de ser posterior a esto y no anterior.

Diez años más tarde -un saludo a los abogados de registros- volvía a parecer para Milestone Returns, un relanzamiento con Reginald Hudlin de entre toda la gente posible guionizando el lanzamiento, que por suerte a Hardware solo le mostraba en imágenes sueltas. Pero lo importante es que servía como el relanzamiento esperable del asunto, incluyendo…

Una nueva realidad con una nueva continuidad. Con deciros que no está ni McDuffie guionizando. Esta versión es bastante más… tibia. Menos política. MUCHO menos política. De entrada, no vemos la discusión con el empresario desde el punto de vista del protagonista sino del empresario, además el protagonista está divorciado o algo, y con un hijo que le han puesto porque a saber. También le han puesto un nuevo interés romántico de un viejo personaje que ahora es bastante más dócil, incluso el empresario parece menos capaz. Así que el dejarlo en el sexto número era casi esperable.

Claro que lo siguiente que hicieron fue darle una mini especial compartida

en la que Hudlin -esta vez sí- se dedica a cosas como darle un dispositivo de viajes en el tiempo, un hermanastro secreto y, bueno, esas cosas.

Aunque, por supuesto, luego fueran sacándolo aquí y allá, en el Milestone 30th Anniversary Special, el New Talent Showcase: The Milestone Initiative y… bueno, de momento nada más.

Pero ya volverán.

Siempre vuelven.

Y, mientras tanto, siempre nos quedará McDuffie.

05) Harley & Ivy: Love on the Lam (2001)

El año 2001 era muy diferente a la actualidad. Con deciros que en Nueva York tenían las dos torres en algo que no eran salas de cine. Pero al final uno sabe cómo comienza el año pero no cómo lo termina.

Con deciros que en esta época Harley e Ivy eran ‘buenas amigas’. Y ella aún estaba dando vueltas con el Joker mientras puddin’ trataba de librarse de ella de una u otra manera.

Y, mientras eso pasaba en los guiones, en los dibujos pasaban…

…otras cosas.

06) Harley & Ivy Meet Betty & Veronica (2017)

Parece una camiseta pero es un cómic, y es que alguien pensó que puestos a mezclar personajes lo mejor era hacerlo con estos. ¿Qué es lo que nos quiere dar a entender? Eso será pregunta para otro día, supongo. O, mejor aún, respuesta. Pero dejemos por escrito que esto existe.

07) Harley Quinn and Her Gang of Harleys (2016)

La última de Harley, lo juro. Pero es que esto TENÍA que aparecer. Porque la popularidad de las películas llevó a buscar todo lo posible y eso incluía… Bueno. Eso incluía.

Total, que una vez reunidos unos Mercs for Money… no, espera, distinto personaje mismo procedimiento de las empresas. Bueno, el caso es que este Gang of Harleys… ¿Cómo es posible que no lo llamaran Poker of Quinns? Bueno, da igual… el caso es que tras debutar en las páginas de la serie del personaje acabaron teniendo su propio cómic que incluía hasta una roll call.

El interior es lo esperable -sobre todo con tanto personaje- y tras el sexto número se acabó. Pero eso no significa que no vayan saliendo -al menos algunos de ellos- aquí y allá como secundarios de la serie.

Quién sabe, lo mismo hasta acaban apareciendo en alguna película. Seguro que Gunn puede lograr algo si le dejan hacer una con Harley.

08) Haven: The Broken City (2002)

Por algún motivo 2002 parecía un buen año para estrenar un cómic en el que unos extraterrestres venían a la tierra huyendo de un tirano en su mundo y buscando la alianza de los Est¡DE LA TIERRA! para derrotarle. No querían ser migrantes interplanetarios sino que las fuerzas de La Tierra inva¡MANDARAN APOYO! para restaurar la paz en su país. Su planeta. Quería decir su planeta. Que a los muy tontos no se les ocurriera decir que tenían petróleo es lo que demuestra la falta de visión. Lo cierto es que después del mini follón este -una mini de 9 más dos especiales con la JLA bien visible como principio y final de la historia. Decisiones, decisiones- y ya con la Mission Accomplished no volvieron a aparecer más allá de una visita al limbo de los personajes de cómic olvidados. Imposible saber qué salió mal con el plan.

09) Hawk and Dove (1968 – 1969) (1988) (1989 – 1991) (1997 – 1998) (2011 – 2012)

Vamos a intentar hacer esto, y hacerlo lo más breve posible. Pero no va a ser fácil. Porque hablamos de una serie tocada por la mano de ROB!

Aparecen por primera vez en 1968 en Showcase, en el número 75, como presentación de personasjes.

Dos hermanos hijos de un juez, sufren un ataque y una fuerza misteriosa les ofrece la posibilidad de esta transformación. Tampoco iban a complicarse demasiado. Así Hank y Don Hall se convierten en Hawk y Dove o Halcón y Paloma. Halcón es impulsivo y fuerte, Paloma … no sé, atrae a los jubilados y se caga en los coches, supongo. Durar no duró mucho y para el 6 lo habían cerrado.

A partir de ahí se juntan con los Teen Titans, y luego desaparecen. Hasta las Crisis Infinitas que aprovechan para matar a Paloma. Y, como todos sabemos, los muertos de las Crisis Infinitas no podían ser resucitados.

[Mira a cámara]

Así que para 1988 deciden que haya una nueva Paloma, Dawn Granger, mujer en este caso, y darle una miniserie para probar.

La miniserie fue un éxito, como no podía ser de otra manera teniendo en cuenta que su dibujante era un más-juvenil-que-de-costumbre ROB! Liefeld.

Al año siguiente tenían ya en movimiento la serie abierta. Aunque con Greg Guler porque no pudieron mantener a ROB! atado.

Kesel & Kesel seguían de guionistas y nos iban contando cómo Halcón cada vez era más impulsivo. De paso ese mismo 1989 montaron un Secret Origins para redefinir ese origen.

Y contar que los que les dieron el poder fueron un Lord del Caos y otro del Orden que…

Ciertamente las implicaciones eran muchas. Teniendo en cuenta que uno – Halcón– representaba al Caos y otro –Paloma– al Orden. Y que daban el poder porque estaban enamorados. Teniendo en cuenta que los originales eran hermanos las implicaciones son dignas de V. C. Andrews.

La serie duraría hasta el 28, hay quien dice que porque tras el follón con la identidad de Monarch a alguien le tocaba ser el enemigo secreto y nada mejor que dárselo a Halcón. Y aparentemente matar a Dove. En realidad todo era un truco de Mordru para hacer sus cosas de Mordru. Y de ahí a Extant. No tengo intención de intentar explicarlo. Pero puedo decir que Extant fue muerto en lucha con la JSA.

Aprovechando lo cual sacaron a unos nuevos Halcón y Paloma (1997 – 1998). Sasha Martens y Wiley Wolverman, sin relación alguna con los Lores del Caos y del Orden. Completamente distintos de los anteriores, vaya.

Duraría poco, de 1997 a 1998 pero solo por 5 números. Bueno, y alguna aparición suelta en algún lado. Pero no mucho.

Sobre todo porque la anterior Paloma no estaba muerta -estaba de parranda- así que en 2005 le buscaron una nueva Halcón, y nada mejor que su hermana Holly. V. C. Andrews y todo eso. Pero no en su propia serie sino en los Titanes, claro. Y sí, Hank y Don habían sido sustituidos por Holly y Dawn. Debe ser cosa de las aliteraciones. Por supuesto esto significó que había que traer a alguien especial para dibujar un par de episodios.

Qué os voy a contar.

Pero no nos despistemos. Durante Blackest Night (2009 – 2010) el antiguo Halcón sería resucitado, asesinando a la nueva Halcón. Que sería resucitada a su vez para que ambos persiguieran a Paloma. ¿Y el viejo Paloma? Dijo que gracias pero no gracias.

En serio, puede que hubiera aparecido como ‘resucitado’ en la Guerra de los Dioses o por el Brother Blood, Pero aquí decidió que pasaba. ¿Porque no estaba realmente muerto? ¿Porque hay una relación entre sus poderes y la Blackest Night? ¿Por algún motivo concreto? Pues ni idea porque para qué. Sobre todo porque la cosa termina con la posibilidad de resucitar a gente, lo que lleva a que vuelva a la vida Halcón.

Pero el antiguo.

Ya, yo tampoco acabo de entender el mecanismo, sobre todo porque esto significa que la segunda -¿tercera?- Halcón, Holly, es la única que jamás ha estado en una cabecera propia.

En realidad todo esto da un poco lo mismo porque rápidamente (en 2011) llegan los New 52. Y eso significa

Más ROB!

Durante 8 números (2011 – 2012) ROB! demostraría lo que daban de sí los personajes con un estilo solo comparable al suyo propio. Una situación que hizo que, lógicamente, no volvieran a tener cabecera propia. Porque a ver cómo superas esto.

Los personajes, eso sí, siguieron. Ahora eran parte de los Titanes o de Aves de Presa -sí, Hank también- o de lo que tocara. En su nueva continuidad Dawn es la segunda Paloma. El hermano de Hank, Don, había muerto en condiciones… condiciones. Y Holly, la hermana de Dawn, ni estaba ni se le esperaba. Bueno, miento. Aparece, sin explicación alguna, en un número de Dark Nights: Death Metal. Esta era la versión rápida y sencilla de su continuidad, ¿recordáis? Así que… ¿Qué os puedo decir?

Son los taquiones, que lo enturbian todo.

10) Hawkgirl (2023 – 2024)

Como decía cuando hablamos de Galaxy hace unos meses, Jadzia Axelrod tuvo la oportunidad de regresar al personaje – con Amancay Nahuelpan a los lápices – cuando le encargaron el segundo volumen de Hawkgirl. Y ella decidió hacerlo con un giro sobre lo que se podría esperar del personaje.

Eso sin contar que es el segundo volumen porque el primero apareció como un cambio de nombre de la etapa más extensa… de Hawkman. Que llegó hasta el 50 para pasar a ser Hawkgirl hasta su cierre en el 66. Así que esta se merecía también su propio título, con sus propios temas y, por supuesto, su propia familia encontrada.

Y como terminó en 2024… Quién sabe si no veremos más de ella en algún momento.

11) Hawkworld (1989) (1990 – 1993) / Hawkman (1993)

Ah, no, no. Después de Halcón y Paloma no tengo intención ni siquiera remota de intentar hablar de Hawkman. Vamos a ir aún más a lo básico:

Para 1989 la nueva continuidad postCrisis estaba lo suficientemente montada como para ir recuperando a los héroes del pasado con un nuevo estilo. O algo. Ya se había hablado de un Hawkman que era un héroe del pasado, y de ahí la idea de poner una serie en el pasado, preparando el relanzamiento y probando a ver lo que se encontraban.

Y fue un exitazo. Enorme. Tanto que decidieron reunirse y ver qué hacían. Y en lugar de sacar una serie de Hawkman en la que hubiera un nuevo Hawkman decidieron seguir con Hawkworld y que la serie ya no transcurriera en nuestro pasado, sino en nuestro presente. Total, ¿a quién le importan un poco más o menos de continuidad?

Así que la serie siguió.

Esta vez con Tim Truman compartiendo la labor como guionista con John Ostrander, y luego, a partir del 10, ya solo con Ostrander. Que duraría como guionista del título hasta su cancelación en el 32. En 1993. Porque había que relanzar a Hawkman pero MÁS NOVENTERO. Es decir:

Sí, esas son tintas metálicas. Pero quizá no ha quedado suficientemente claro, pasemos a la portada del número dos:

Podemos hacer un repaso pero ya os digo yo que Mullet + Garras + Pinchos + Pendiente = Los 90s.

Y sí, el guionista sigue siendo Ostrander. 6 números duró. Luego hubo un par de números de relleno de Paul Kupperberg y la llegada del nuevo guionista fijo: William Messner-Loebs. Ya, bueno, la idea de DC de lo noventero era peculiar, claramente. Pero del 8 al 27 estuvo al pie del cañón. Y luego ya un par de guionistas más hasta su cierre en el número 33 con Christopher Priest al mando.

Y con esto creo que suficiente he dicho sobre el tema.

12) Haywire (1988 – 1989)

La incansable búsqueda de nuevos héroes o nuevas historias o nuevos modos de contar… bueno, os hacéis a la idea… lleva a obras como esta Haywire que es puro decompressive storytelling décadas antes de que eso fuera lo normal. En el primer número casi no sabemos nada, al personaje central le vemos convertirse en su alter ego por primera vez en el cuarto, hay una vaga explicación en el séptimo, a partir del once intentan ponerse a explicarlo y para el trece cierran la historia de una manera que no parece cerrar una historia.

Mientras tanto van dejando estas cosas por el camino:

Porque está claro que si algo está sobrevalorado es tener un guión. ¿Quién necesita algo así cuando puedes estirar la historia de un one shot durante trece números y meter a todas las señoritas ligeras de ropa, orientalismo ful y roboces más-o-menos además de daddy issues que puedas venderle a DC sin que sepan qué es lo que ha sucedido?

13) The Heckler (1992 – 1993)

Lo lógico sería pensar que si Keith Giffen se pone con un héroe con este nombre y estilo tendríamos algo divertido. Y no es que Tom y Mary Bierbaum fueran a hacer nada por impedirlo. Pero alguien decidió que en una serie de estas características las páginas tenían que ser de 3×3 viñetas. No era la mejor de las decisiones posible y a nadie pareció importarle mucho porque, bueno, fue cancelada sin muchos miramientos y el personaje no apareció más que en el fondo de alguna cosa un par de veces. Supongo que hay toda una lección que aprender aquí, pero no seré yo el que la saque.

14) Hercules Unbound (1975—1977)

Parece que siempre hay un hueco para Hércules. En este caso como serie de 12 números en los que se pretendía presentar un futuro apocalíptico – Tercera Guerra Mundial incluida- que llevaría al héroe a vagar por ella para… bueno… para sus cosas. Acompañado de un joven ciego y su perro. Y metiendo a los Atomic Knights o a bichos de Kamandi. Por aquello de que lo mismo colaba. Gerry Conway y Jose Luis García-López con Wally Wood como entintador durarían los primeros seis números. A partir de ahí el dibujante sería Walt Simonson y en los guiones tendríamos a David Michelinie tres números y los otros tres a Cary Bates. Para el noveno número Bob Layton sustituyó a Wood como entintador. Y los dos últimos ya los hizo Simonson por completo. Tanto cambio no es que le sentara muy bien a la serie, especialmente el de guionistas, pero tampoco era como para que años después se dijera que todo había sido una ensoñación del Atomic Knight de nuestra era. De todas formas la explicación oficial pasó a ser que era parte del multiverso, desaparecido con las Crisis y reaparecido tras las Final Crisis. Vamos, que si lo quisieran usar lo usarían, que no lo usan porque no quieren, eh. Nada de abogados, es que no. quieren. ellos.

15) Hero Hotline (1989)

El asunto comienza en Action Comic Weekly, una cabecera semanal -claro- en la que iban apareciendo y rotando múltiples héroes más allá de Superman. Uno de esos héroes… bueno, más bien un grupo… fue estos Hero Hotline que tenían un tono fundamentalmente humorístico y, hasta cierto punto, antiheróico. Parecían héroes con poderes más o menos útiles en los que el único realmente conocido era Mr. America / Ammericomando, ahora bajo el nombre de The Coordinator y, a su vez, el encargado de establecer quién se iba a ocupar de qué. Y, por tanto, actuando como una voz al más puro estilo Charlie antes que como un personaje visible más.

Cinco semanas más tarde sus aventuras dejaron de aparecer en Action Comics Weekly y en cosa de mes y pico aparecen en su propia cabecera en forma de mini de seis y en la que la estructura de las historias permanece.

Por supuesto el orden cronológico no es el orden real. En el propio primer número de la mini lo explican. Cuando los jefes vieron los primeros números pensaron que sería buena idea montar esa aparición en ACW para darle un poco más de publicidad. Así que les tocó improvisar una ‘precuela’ que los lectores verían como un primer contacto.

Lamentablemente ni por esas lograron que la serie continuara. Y es una lástima porque es el tipo de mezcla entre superhéroes y comedia de compañeros de trabajo (juicios incluidos) que demuestra funcionar mejor que… Powerless, por ejemplo. Pero bueno, quizá en algún momento alguien decida acordarse, o recuperarla, y entonces…

… los hijos de Microwabelle la vean como muñeco hinchable en un desfile de Acción de Gracias. Cosas más raras han sucedido. Y la verdad es que se lo merecen. Casi tanto como una edición recopilatoria en condiciones. (Risas)

16) Hitman (1996 – 2001) / Hitman/Lobo: That Stupid Bastich (2000)

Por un lado, creo que la media de edad general facilita que todo el mundo conozca este cómic o sepa, al menos, que tiene ese sentido del humor y conocimiento de los superhéroes de Ennis que creó gags inolvidables como que los supes no llevan bolsillos con dinero en el traje.

Por el otro, supongo que merece la pena mencionar al personaje más exitoso salido de Bloodlines. Más de 60 números de serie propia, un cruce breve con la JLA – en el que tenía lugar ese otro de usar rayos x con Wonder Woman. Ah, que pícaro muchachuelo. – y otro con Lobo

algún spin-off y, bueno, el final esperable para un personaje salido de Bloodlines. No es que tenga intención de dedicarle mucho más tiempo, pero está claro que tenía que aparecer en este listado.

17) Hourman (1999 – 2001)

El primer Hourman fue creado en 1940. Desde entonces hemos tenido a Rex Tyler, Rick Tyler y Matthew Tyler. Pero no Steven Tyler. Ha sido parte, entre otros, del All-Star Squadron, la JSA, los Freedom Fighters y la JLA. Y, sin embargo, no tuvo un título propio hasta 1999. Y no volvió a tenerlo después.

Teniendo en cuenta que esta serie iba del Hourman que era un androide (Matthew Tyler, inexplicablemente no Ratthew Tyler) aprendiendo a comportarse como una persona normal junto a «Snapper» Carr -pero poco- y viviendo aventuras de esas en las que arreglar una cosa es estropear la siguiente, con un tono un tanto humorístico y… ¿cómo decían en los dosmiles? Ah, sí… desenfadado. Lo que, supongo, facilitó que llegara hasta el 25. Aunque no que pasara de allí.

18) Human Bomb (2013)

Jimmy Palmiotti y Justin Gray estaban empeñados en sacar algo más de los Freedom Fighters, así que lograron una mini de cuatro números para varios de ellos, incluido Human Bomb. Un personaje que, en realidad, era alguien distinto.

Distinto al original aparecido en 1941, quiero decir. Ese era Roy Lincoln, creado para Police Comics de Quality, una de esas editoriales que DC compró. En este caso en 1956. Cogieron lo que quisieron y luego ya, con tiempo, fueron recuperando más cosas.

Por eso fue en los ’70s cuando montaron la creación de una Tierra X en la que los Nazis ganaron la guerra. Excepto que ese sería el Roy Lincoln de Tierra 2. Bueno, de Tierra X pero que fue a parar a Tierra 2. Yo qué sé. Por supuesto ese segundo Roy Lincoln acabaría cuando llegaran las Crisis Infinitas.

Siendo sustituido por otro Roy Lincoln que debutaría esta vez en el 60 de All-Star Squadron, en agosto de 1986. De nuevo parte los Freedom Fighters y que acabaría siendo víctima de la Infinite Crisis. Qué os voy a contar. Estas cosas pasan.

¿Y no hubo más Roy Lincoln? Pues claro que sí, que esto es DC. Con deciros que reapareció en Dark Nights: Death Metal (2020 – 2021). Y como esto es DC su primera aparición fue en el 5 y su muerte en el 2. Ah, no, no pienso ni intentar explicarlo.

Por supuesto se ha vuelto a hablar de él porque en 2023 apareció de nuevo, dentro de The New Golden Age, su sidekick Cherry Bomb. Ya, bueno, cosas. El caso es que ahí está en esa JSA que ha visto algún número publicado en 2024. Deberíamos de hablar de los problemas para sacar números de esa gente, la verdad….

¡Pero bueno! Estábamos hablando de Human Bomb. Supongo que os estaréis preguntando cuál es el Roy Lincoln que tuvo serie propia. Teniendo en cuenta que la Infinite Crisis ocurrió en 2005 – 2006 y este cómic es de 2013. La respuesta es obvia: Ninguno de ellos.

El asunto es que ese 2006 vio la aparición durante La Batalla de Blüdhaven de un nuevo Human Bomb: Andrew Franklin. Que se uniría también a los Freedom Fighters. Aunque luego llegara la Final Crisis y… Bueno. Dio igual porque al final volvieron a reunir a la banda. Y ahí estaba, en el aquel último número del segundo volumen de los Freedom Fighters de julio de 2011.

Por supuesto él tampoco sería este Human Bomb.

Como decía al principio, Justin Gray y Jimmy Palmiotti querían más Freedom Fighters. La idea parecía sencilla, montarlo a partir de SHADE, con el Uncle Sam siendo Sam Wilson. ¿Cómo que no os suena Sam Wilson?

Seguro que ya os suena.

El asunto es que intentaron montar unos NUEVOS Freedom Fighters con unos nuevos Lady Phantom, Doll Man, The Ray y, claro, Human Bomb. Unas minis que llevarían a las aventuras de ese nuevo grupo. Y en la que conoceríamos al nuevo Human Bomb: Michael Taylor. Un antiguo sargento de marines que había vuelto a la vida civil trabajando en la construcción hasta que se descubría que había sido usado como experimento por los extraterrestres para convertirle en una… bueno, os lo podéis imaginar. Cuatro números más tardes parecía haber reventado la conspiración extraterrestre, soltadas algunas ideas peculiares sobre la gente que se hace saltar por los aires y los extraterrestres y, finalmente, era presentado a los otros miembros del nuevo equipo. Preparados para una nueva serie…

Que nunca llegó. La siguiente vez que viéramos a los Freedom Fighters sería en 2019, en su tercer volumen, con otros creadores y un nuevo vistazo a Tierra X. De hecho aparecía Roy Lincoln… para ser asesinado de inmediato y ser sustituido por otra persona distinta más: David Mathis.

Qué os puedo decir, está claro que en DC está lleno de bombas. Humanas.

19) Human Defense Corps (2003)

La idea de mezclar un tebeo bélico con un elemento fantástico no es precisamente nueva, pero la forma en la que Ty Templeton decide comenzar mostrando a los soldados como carne de cañón para ir construyendo una pequeña trama durante esta mini que sirve sobre todo para intentar mostrar algún tipo de explicación a de dónde salen todos esos soldados humanos que aparecen en las invasiones de todo tipo que aparecen en la Tierra y que tienden a ser rápidamente barridas con un alto número de bajas.

20) The Human Race (2005)

Atended a esto: Una fraternidad creada para mantener el ADN de la humanidad. La aparición de un virus xenomorfo. Y toda una serie de híbridos salidos de haber olvidado que Giger ya llevaba un tiempo. Vamos, hasta Species llevaba ya un tiempo para entonces. Pero el terror corporal siempre ha estado ahí, y si la nueva carne puede tener origen extraterrestre. Lo que pasa es que no se acaban de decidir y van liando el asunto hasta acabar sacando a la JLA para una de las viñetas más hilarantes que he leído jamás en DC:

Por supuesto ellos probablemente no querían que fuera casi cómico, pero la idea de que Superman de entre toda la gente, con el Detective Marciano ahí al lado, esté dando una rueda de prensa asegurando haber usado rayos x para comprobar el ADN de la gente de un pueblo para evitar parásitos extraterrestres y, por supuesto, asegurar la salvaguarda de la raza humana… Quizá es con el poder de la ironía con el que esperaban derrotarles. Pero bueno, como tampoco es que ninguno de los personajes implicados haya vuelto a aparecer por DC no es como si tuviéramos que dedicarle mucho más rato.

21) Human Target (1991) (1999) (2002) (2003 – 2005) (2010) (2021 – 2022) // Tales of The Human Target (2022)

Estas cosas pasan. Un día eres Christopher Chance, un personaje creado por Len Wein y Carmine Infantino para un número de Action Comics (El 419 de 1972, concretamente) -al menos si no consideramos al personaje de mismo nombre pero distinto comportamiento y personalidad secreta creada en un número de Detective Comics (el 201 de 1953, concretamente) por Edmond Hamilton y Sheldon Moldoff–

y casi veinte años más tarde, en 1991, la editorial ha vendido tus derechos a televisión y decide darte un cómic especial. El primero con tu nombre. A la espera de ver qué tal lo hacía el tebeo, y cómo salía la serie.

Que tardaran casi una década, 1999 esta vez, en intentarlo de nuevo supongo que es lo suficientemente elocuente.

Esta vez con Peter Milligan a los guiones y Edvin Biukovi´c dibujando. Una mini de cuatro y para Vértigo, nada menos. Pero con suficiente éxito como para repetir, primero como historia única en 2002 ,

después en 2003 como serie abierta.

En ambas ocasiones volvía Milligan pero esta vez el acompañamiento lo hacía Javier Pulido.

Y sí, volvía a ser el Christopher Chance que había aparecido en Action Cómics. No el Fred Venable de Detective Comics, ni aquel Detective Perry de un número de Gang Busters. No. Christopher Chance, que apareció en esa serie pero luego salía también de cuando en cuando en Detective Comics o Batman. Da igual que la primera serie presentara a un teórico continuador de Chance en Tom McFadden. Ya parecía claro que Human Target era Christopher Chance.

Pulido haría los 5 primeros números, los 5 siguientes serían de Cliff Chiang, a partir de ahí irían contrapeándose: Pulido los 3 siguientes, Chiang los 3 de detrás. El 17, eso sí, sería para Cameron Stewart. Pero detrás vendría Pulido para el 18. Y Chiang para ocuparse del 19 al 21. El último número que salió. Ya en 2005.

Y la cosa podía haber quedado ahí. O podía haber regresado en algún momento. PERO.

En 2010 volvió a pasar otra vez lo mismo. Otra vez la tele.

Y, por supuesto, ese mismo año volvió a pasar otra vez lo mismo.

Aunque esta vez como miniserie de seis números. El éxito de la serie se puede medir en que en 2011 tuvo lugar el reboot The New 52 y si se descuida a Chance no le afecta. Porque no volvió a tener serie hasta 2021, cuando Tom King se empeñó en hacer una maxi para Black Label.

Y no contento con eso sacó un especial, Tales of the Human Target, en mitad de la etapa anterior también en 2022. ¿Para darle tiempo al dibujante? No tenéis pruebas.

Pero bueno, uno nunca sabe con Chance cuándo será la siguiente vez que aparezca. Más aún viendo cómo está funcionando ahora lo de las series de televisión.

22) The Huntress (1989) (1994) (2011 – 2012)

Imaginad. Sicilia, 1977, una joven de enormes pechos…

…es presentada como The Huntress, una mujer con un secreto. El secreto era que estábamos en Tierra 2 y ella era la hija de Batman y Catwoman. Helena Wayne. Ese mismo mes aparecía también en All-Star Comics 69, de entre todos los números. Que ya tenía su gracia porque había habido una Huntress antes.

Paula Brooks había sido primero la Tigress, combatiendo junto con los Young All-Stars. Pero, como pasa en estas cosas, fue asesinada. Y luego revivida. Y cuando reaparece lo hace como la villana Huntress. Luego ya volvería al nombre Tigress y se casaría con Sportsmaster y… Bueno, más cosas.

Pero lo importante es que ahora había una nueva Huntress. Que iría apareciendo por Batman Family, Infinity Inc. o Wonder Woman. Y entonces llegaron las crisis. Por supuesto en las postCrisis no podía ser que Batman tuviera una hija. Lo que nos lleva a la aparición de la primera serie.

En The Huntress (1989) -el cómic con la portada de la heroína con el pelucón que hemos visto debajo del nombre- conocemos a Helena Bertinelli, única superviviente de una cena familiar. Que es más que comprensible, pero es que hablamos de una familia mafiosa. Iría viviendo aventuras relacionadas, más o menos cortas, hasta que en el 17 aparece por primera vez por la serie Batman. En una historia que acaba con Huntress teniendo… pensamientos.

Y que marca, además, el final de su serie regular. A partir de ahí pasaría a aparecer como secundaria en otras series como Robin, Detective Comics o Batman Chronicles. Y para 1994 Chuck Dixon pasaría por ahí.

Sí, ya eran los noventa. Y Michael Netzer estaba más que dispuesto a demostrar su estilo. Al fin y al cabo tenía una idea hasta para las portadas de la mini:

Después de esto ya sabemos, minis compartidas, grupos como Birds of Prey, secundaria de la Bat-Familia, blablabla. Incluso un Año Uno en el que considera hacerse monja. Que es lógico, porque infunden el temor en los corazones etc. Pero nadie está preparado para algo tan aterrador.

Ya en 2011 Paul Levitz quiso guionizar otra mini, y a ver cómo le decían que no.

Levitz no dejaba de ser co-creador de Huntress, de Helena Wayne concretamente. Pero, claro, la serie se iba preparando mientras en DC se estaban metiendo en el fregado de la New 52. Así que aunque originalmente estaba pensado que fuera Bertinelli la protagonista. De ahí el que los malos fueran la mafia, matara gente o llevara una cruz. Pero entonces en DC decidieron cambiar las cosas. Ese ser llamado Eddie Berganza saca una columna en la que dice que es Wayne, y parece que los cambios para adaptarlo -aprovechando que en la editorial habían lanzado el título Earth-2 para relanzar (?) la JSA – empiezan a partir del segundo o tercer número de los seis que tiene la mini. Una situación particular que llevaría a que la versión de Bertinelli regresara en Batwoman. Y que esta mini tenga un personaje central y un trasfondo que es una juerga porque va a bandazos.

Por supuesto después de esto las cosas siguieron siendo complicadas porque en Tierra-2 estaba Wayne y en la nuestra, Spiral mediante, aparecía una Bertinelli que era más espía que otra cosa. Distinta de la justiciera tipo ‘mataron a toda mi familia’ postCrisis. Pero esto es el DC post-New 52 y ya sabemos que es como uno de esos restaurantes de cinta. Solo hay que esperar mientras ves pasar continuidades y remakes a que llegue una que te interese. En Rebirth y Lazarus Planet vuelve a ese punto de ‘externa a la Bat-Familia porque sus métodos son muy sucios para Batman‘. Tenga o no que ver con los Dark Nights: Death Metal o como se llame la última crisis.

Y, mientras, el cierre de Earth-2 acabó solo parcialmente con la desaparición de Helena Wayne. Porque una nueva versión reapareció en Stargirl Spring Break Special y, sobre todo, The New Golden Age y más concretamente la nueva JSA,

en la que es un personaje del futuro que vuelve al pasado porque el guión lo requiere y acaba teniendo que quedarse en nuestro mundo pese a que sus acciones parezcan haber cambiado ese momento en el que ella nacía como hija de Batman y Catwoman.

¿Qué queréis que os diga? Al final esto de los cómics de supes es como los caballitos: Siempre son los mismos, dan muchas vueltas entre ruidos y luces, y al final acabas donde empiezas.

Hasta aquí por hoy. Pero ya sabéis que seguimos teniendo mucho abecedario por delante. Que espero que volvamos a DC dentro de dos meses. Y que lo que tenemos por delante en la I va a ser, en dos palabras…

Im-Presionante.

Pues aquí estamos, por fin una letra detrás de la misma letra en otra editorial. Y seguro que no hay ningún problema con ella porque, total, ¿qué puede tener DC que empiece por G?

Ah, ya. Bueno, pero seguro que no es para tanto lo que pueda haber de ese par de personajes y esa ciudad y… Ahm… Creo que mejor nos ponemos a ello.

01) Galaxy: The Prettiest Star (2022)

Con ‘el subtexto es de cobardes’ llega este Galaxy que nos hablar de una persona que está en el instituto, llevándolo como puede, pero que esconde un secreto: Puede que su aspecto exterior sea el de un joven blanco, pero en realidad es una princesa alienígena. Los azares del destino llevan a que se descubra el pastel y vaya con su auténtica personalidad al instituto… provocando una enorme cantidad de reacciones negativas. Desde gente que se mete con él porque es diferente o que le pide que vuelva a ser un chico – y sí, hay una escena en la que no le dejan entrar en el baño, y otra en la que le acusan de estar causando altercados… por existir – hasta antiguos amigos que se toman como un ataque personal todo este asunto. Uno -yo- pensaría que este es el clásico cómic infantil… bueno, juvenil que hay escena de cama, que va a su bola con la continuidad oficial de DC.

Lo que pasa es que DC aprovechó para encargar a la guionista, Jadzia Axelrod, que escribiera The DC Book of Pride: A Celebration of DC’s LGBTQIA+ Characters. Así que además de sacar a Galaxy aunque fuera de pasada en especiales de eso que sacan de PRIDE y similares, quedaron suficientemente contentos como para ponerla a escribir la mini de Hawkgirl. Y allí que volvió a asomar su creación como secundaria y muy claramente canon dentro de DC.

02) Gammarauders (1988—1989)

TSR podía ser conocida entre el público americano por haber publicado Dungeon & Dragons. Pero no es lo único que sacaron. Este Gammarauders no tiene nada de colosos esmeralda -una lástima- sino que aprovecha un wargame postapocalíptico para crear un cómic… con cierto transformo humorístico. Como si hubieran decidido aprovechar Radioactive Dreams para montarse un mundo en el que transcurrir sus aventuras. Y en el que, además, decidieron sacar este cómic en el que, además, incluía entre sus números 1, 3 y 4 una versión reducida para que sus lectores pudieran rolear. Durar duró solo 10 números, pero está claro que si uno quiere puede hacer cosas.

03) GCPD (1996)

Los intentos de sacar una serie de la policía de Gotham han sido constantes, no muy útiles pero constantes. Lo que más se suele recordar es ese Gotham Central (2003—2006) que Brubaker, Rucka y Lark lograron que llegara hasta el 40. No sería la última vez, en 2022 tuvieron los redaños de sacar GCPD: The Blue Wall (2022—2023) que intentaba ser una copaganda tipo The Rookie, pero sin entender que la televisión no son los cómics. Ya hablamos de ese one-shot que tuvo Bullock en el ’99, y podríamos hablar también de los dos minis de Gordon: Gordon of Gotham (1998) y Gordon’s Law (1996-1997). Pero, antes de todo esto, ya había estado la mini que nos ocupa. Con ese Batman bien a la vista, claro. Y con Chuck Dixon, Jim Aparo y Bill Sienkiewicz de entintador. Decisiones fueron tomadas, claramente. No os digo más que comienza con Bullock dándole una paliza a Polka-Dot Man.

Alguien debió de pensar que NYPD Blue era un buen referente para un cómic. Los resultados fueron estos. Un cómic con tres historias, posiblemente la de Bullock era la central. No diré que porque Dixon se siente más cerca de él, simplemente diré que Bullock se pasa siendo racista con su compañero toda la mini, mientras que Montoya se la pasa atada a una cama y siendo vejada. Y al final es ella la que se disculpa con él. Luego ya cada uno que decida.

Lo cierto es que fácil ver la línea que va de esta a las minis mencionadas al arco Officer Down de 2001 y a la creación de Gotham Central. Diez años seguidos. Y esta vez el intento de recuperarlo lo tenéis a la vista.

04) Ghost/Batgirl (2000)

La finalidad de los crossovers editoriales son, por supuesto, que los fanses de unos personajes conozcan a los de otros. ¿En qué cabeza pensante entró la idea de que la mejor persona con la que se podía juntar a Ghost era la Batgirl de Cassandra Cain. Pero supongo que habrá una línea de unión entre ellas. Quizá el contraste, quizá los kinks.

05) Ghosts (1971—1982)

En contra de lo que pueda parecer no es cierto que esté aprovechando esta sección para hacer un repaso por TODOS los cómics de terror de DC. Por TODOS no. Lo que pasa es que Ghosts fue una de esas cabeceras que duraron bastante. Once años nada menos. Así que es fácil decir que uno se podía encontrar todo tipo de historias y todo tipo de puntos de vista. Pero todos, eh.

Por supuesto no fue lo único que ocurrió dentro, porque iban con la idea de hacer historias sueltas. Pero llegado el momento -el número 95, vaya- decidieron que podían intentar meter algún personaje más o menos conocido. Así que comenzaron una serie de historias de

el Doctor Thirteen, que venía de Phantom Stranger y al que acabaron metiendo, visto lo visto, en un crossover con otros personajes bien conocidos

y sí, la Casa era uno de esos personajes. No duró mucho allí, porque para el 102 estaría fuera. Aunque le daría tiempo de aparecer en el número 100.

Como en el 102 se fue Thirteen en el 104 intentaron otra cosa y metieron, ahora sí, un Horror Host, Squire Shade.

No confundir con el Gentleman Ghost, que a su vez no confundir con el Gay Ghost. Ya os hablaré otro día de ellos.

El éxito fue irregular, y pese a intentar otro tipo de ideas…

Para el 112 decidieron cerrarlo. Así que, a partir de entonces, habría que buscar en otras partes de DC a los fantasmas.

06) Giantkiller (1999—2000) / Giantkiller A to Z: A Field Guide to Big Monsters (1999)

A veces unas apariciones impactan en otras, así que el éxito del Manga y el éxito de Marvels están entre los motivos que podemos intentar imaginarnos para que alguien decidiera llevar adelante este proyecto que logra algo tan difícil como que te recuerde a todo pero no ofrezca contenido como para señalarlo. Bueno, eso y tener su propio especial con bichos o algo que nos han dicho que de verdad que existe.

Lo cierto es que es difícil estar al nivel de los anuncios. Pero eso es día para otro posteo. Limitémonos a decir que os acordaréis de todas esas series de animación adulto que salieron en los noventa pero, sobre todo, os acordaréis de las ediciones que hacían los estadounidenses recortando imágenes y cambiando diálogos en doblaje.

07) G.I. Combat (1952—1987) (2010) (2012—2013)

Puede que los clásicos nunca mueran, pero claramente acumulan cadáveres a sus pies. En el caso de G.I. Combat comenzó en Quality en 1952, pasó a DC en enero de 1957 -ya os sabéis la historia-, y siguió adelante.

Los ‘héroes’ iniciales eran estadunidenses generalmente en la Guerra de Corea, luego ya llegó la Guerra Fría y los malvados comunistas, y para 1961 ya no sabían ni lo que hacer. Así que hicieron lo lógico: empezaron a presentar personajes. Por ejemplo, en el 87 presentaron a The Haunted Tank

que rápidamente pasaría a ser algo así como el protagonista de la colección.

Aunque no sería el único, claro, pero sí el más consistente. Lo que pasa es que el Sargento Rock y la Easy Company, la guerrera de la resistencia francesa Mademoiselle Marie o el Teniente navajo Johnny Cloud aka Flying Cloud iban apareciendo aquí y allá, a partir del 105 en mayo de 1965.

Aunque la presencia regular era la del Haunted Tank. Y si os preguntáis qué tenía de haunted…

…podéis echarle un ojo a la bandera.

En teoría la culpa es de que en el 114 decidieron hacer un número de ORIGEN. Lo cierto es que en cuanto se fueron descuidando la cosa iba desbarrando lo suficiente como para que los de la bandera confederada se enfrentaran a los de la bandera nazi. Como si fueran las elecciones.

Pero la longevidad de la serie les iba permitiendo tratar todo tipo de temas. Y, de nuevo, cuando digo todo tipo…

…quiero decir todo tipo.

Para el 192, en 1976, entra la OSS -incluyendo el ninja Kana-, y en el 242, en 1982 ya, decidieron incluir a un nuevo grupo en la rotación: The Mercenaries. De hecho, en el 246 celebraban el 30 aniversario con un número especial que reunía a muchos de los nombres que habían tenido un poco de suerte. Incluyendo Cloud que iba junto con The Losers.

Lamentablemente en 1987, en el número 288 se decidió cerrar la serie. Y con ella las… Ah, no espera. De Haunted Tank hablaremos en la siguiente letra. Pero de G.I. Combat puedo deciros que decidieron darle un one-shot en 2010.

Que supongo que tendría suficiente éxito como para que dentro de la ‘segunda oleada’ de The New 52 lo intentaran de nuevo, aunque esta vez…

con el Soldado Desconocido y The War that Time Forgot en el centro, aunque para cuando llevaron 6 -incluido un número 0 de origen del soldado- alguien debió decidir que mucho había durado la broma y metió en el lío al Haunted Tank. (Y a Steve Trevor, pero yo qué sé). Aunque lo cierto es que no pasaría del número 7.

Aunque, claro, eso no significa que fuera la última aparición del Tanque. Pero para eso tendremos que llegar a su letra.

08) Gilgamesh II (1989)

Por supuesto lo fácil hubiera sido poner la primera, pero hay veces en las que uno tiene que buscar algo nuevo y diferente, como suele hacer Jim Starlin.

09) Girls’ Love Stories (1949—1973) / Girls’ Romances (1950—1971)

Tras ese inicio en los años cuarenta y cincuenta respectivamente estas antologías de cómics ¿románticos? duraron una breve temporada con fotografías en sus portadas, para el 10 y el 7 respectivamente dieron el paso al cómic total

y, a partir de ahí, a buscar sus historias que, en fin, a ratos podían parecer no muy originales…

pero estaba claro que sabía lo que quería hacer. Y, sobre todo, que ha sabido mantenerse actual con temas como:

Señora, suélteme el brazo

o el fenómeno fan con los cantantes del momento.

lo cierto es que las cabeceras tuvieron una extensa vida, sobre todo Girls’ Love Stories, durante la que supo ir actualizando su temática.

Y, por supuesto, no fueron las únicas. Pero eso será otra letra.

10) G’nort’s Swimsuit Edition (2023)

Vale, sí, le dedicamos una entrada de nuestra sección regular de swimsuits, pero no por ello vamos a dejar pasar la oportunidad de recordar que este es un ‘cómic‘ que existió.

11) Gotham by Midnight (2015—2016)

Quizá no lo recordéis, pero huno un momento a partir de los ’00s en el que los cómics se dibujaban como quien unta la nocilla. Luego llegaron los ’10s y esa tendencia se vio reforzada por los efectos digitales. Que es una forma peculiar de gestionar una serie para The New 52 de Spectre. Pero es como se hacían las cosas entonces.

12) Gotham City Garage (2017—2018)

En efecto, decidieron hacer un cómic -un ElseWorlds, menos mal- basado en una serie de figuritas que se supone que presentan una versión postapocalíptica pero con moteros. Que es una cosa muy distinta de una cosa postapocalíptica con coches. Y que seguro que lo es jugando a adivinar quién es quién.

13) Gotham City Sirens (2009—2011)

Sí, a veces hay cómics redondos, a veces hay cómics esféricos. Y si bien ya hemos hablado de este cómic y su gusto por las… esfericidades… también podemos decir que… … No, definitivamente era esférico.

14) Gotham Girls (2002—2003)

Por otro lado, cuando querían hacer una serie online sobre las mujeres del Universo DC y luego adaptarlo a cómic resulta que la forma de reflejar la posibilidad de una curva no requiere necesariamente de una esfera.

15) The Great Ten (2010)

Pues sí, a DC se le ocurrió que podía hacer una serie con unos héroes asiáticos. No se les ocurrió poner a un asiático para guionizarlo ni para dibujarlo, pero claro, era solo… Ahm. 2010.

16) Green Arrow and Black Canary Wedding Special (2007)

Es imposible no ver esto y tratar de recordar… ¿Pero estos dos no eran ex-marido y mujer? ¿Cuándo se divorciaron? ¿O fue un reboot? ¿O…? Bueno, qué más dará. Qué más daría.

17) Green Lantern 3-D (1998)

Hay una gran variedad de maneras de hacer cómics en 3D. En este caso podemos decir que fue directamente a ello:

aunque no se puede decir que no lo intentaran justificar.

18) Green Lantern Corps Quarterly (1992—1994)

No había dicho aún lo del noventerismo, pero no hay más que ver a Jack T. Chance en su primera aparición y ya veis que estaba ahí agazapado, preparado para mostrar todas las posibilidades de la mente,

eh, incluso la gran cantidad de variedades del noventerismo

que permite comprobar todas las opciones

pero todas,

aunque, al final, todo el mundo sabía dónde estaba el dinero. O en quien.

19) Green Lantern: Mosaic (1992—1993)

Lo cierto es que son los Green Lantern los que más capacidad de GENIALIDAD! han demostrado en esta letra. Incluso cuando le dan la oportunidad de su propia serie a John Stewart. Aunque tuviera un aspecto más humorístico.

Porque entiendo que esta idea de la guerra mental es humorística, ¿no?

La verdad es que los bandazos permitieron ir girando la series hacia… bueno, otras ideas,

que hacían que llegado el momento uno no sepa exactamente a qué se refieren cuando muestran

un campo de berenjenas. (Salvo, claro, que sea su ficha en alguna web de… ahm… SUPERhombres)

20) The Green Team: Teen Trillionaires (2013—2014)

A veces una idea puede parecer mala solo porque está contextualizada de una manera en la que piensas que han decidido lanzarla al mundo. Por ejemplo, The Green Team. Un grupo de chavales millonarios que era poco menos que un Richie Rich pero en equipo. Una idea que vio la vida por primera vez dentro de la famosa colección 1st Issue Special, en su número dos.

La historia era relativamente sencilla. Nos presentan a los cuatro miembros del grupo. El Comodoro o Commodore Murphy tiene una naviera, y sirve para representar tanto a los inversores que quieren cambiar las cosas como a ese dinero viejo, J.P. Houston es el vaquero, el dinero nuevo o dinero del petróleo, frente al estilo más ‘europeo’ del primero este es más ‘vaquero’, el tercero en cuestión es Cecil Sunbean, el productor (y director), el dinero de Hollywood y de la industria del espectáculo, y por último tenemos al que es, a la vez, el primero. Abdul Smith, un limpiabotas que consigue un millón de dólares gracias a una mezcla de suerte y pericia, es el dinero de la perseverancia. Por eso probablemente su historia resulte la más increíble de todas. Bueno, y porque decidieron que fuera el afroamericano del grupo. Juntos son el Green Team, un grupo de chavales que tenían mínimo un millón de dólares en el banco (en 1975, el equivalente actual estaría un poco por debajo de los seis millones de dólares) y que usaban el dinero para lograr, en teoría, mejorar la sociedad o revolucionarla. En la práctica, crear problemas con ideas descabelladas.

Pero, claro, eso era en ese número, que no pasó de ahí, y en una cantidad muy limitada de otras obras. Básicamente, el Deux ex machina de algunos cómics que necesitaban arreglar algún problema lanzándole dinero y no tenían a otro millonario a mano.

Lo que pasa es que llegaron los ’10s y alguien debió de pensar que Baltazar y Franco, autores de multitud de cómics infantiles, podrían tener ideas para el título. Y no dudo que las pudieran tener, pero no decidieron usarlas. En lugar de eso toman las decisiones más GENIALES! todo el rato. Por ejemplo, ya no hay dinero del esfuerzo. Ahora el equivalente a Abdul Smith es el Príncipe Mohammed Qahtanii, hijo de un emir árabe que no está muy unido a él. ¿Qué sentido tiene eliminar al personaje más empatizable de la serie? A saber. ¿Por qué han cambiado un Abdul por un Mohammed? Mejor no saber. Siguiente cambio: Cecil Sunbeam ya no será productor, directo y hombre. Será Cecilia Sunbeam, actriz. Por lo menos sirve para que haya una mujer en el grupo. Que hayan decidido que sea la de Hollywood y que en lugar de producir y dirigir se limite a interpretar… en fin. Que, además, tenga de mascota un ocelote llamado Bubbles… EN FIN. El Comodoro sigue, aunque tenga un aspecto más parecido al de Cecil, y J.P. también, pero han decidido convertirlo en una mole de músculos y malas pulgas en lugar de en un tipo jovial.

Por supuesto ahora tendremos angst, líos, problemas con los padres y una serie de aventuras menos relacionados con poner en marcha proyectos que con defenderse de una malvada organización que amenaza a los pobrecitos millonarios. *suspiro*

Y, por supuestísimo, en realidad todo esto a lo que lleva es a que se conviertan en…

Sí, superhéroes. La solución de DC para todo. En lugar de explorar otra esquina de las posibilidades del cómic tenemos… esto. Que, por supuesto, volvió a convertir a sus protagonistas en personajes pseudodesaparecidos que llegaban a arreglar cosas -como los Titanes– lanzándoles dinero.

Un ejemplo más de que no es lo mismo que algo sea cíclico que el que algo sea redondo.

Aunque está claro que han sabido subirle la GENIALIDAD!

21) The Griffin (1991)

Hay un motivo muy concreto por el que esta mini no salió bajo el sello de Vértigo. Y es que en 1991 aún no se había creado. Por lo demás, es cierto que aquí había superpoderes… pero aún y eso la historia de un joven al que unos extraterrestres le prometen superpoderes si abandona a su familia, amigos y planeta. Pero que intentan acabar con él cuando veinte años más tarde decide abandonarles y regresar a su casa… Eso es algo más que noventero. Vamos, incluso aunque no pudiera mostraros estas portadas.

22) Gross Point (1997—1998)

La idea de que algo pudiera ser de terror y de comedia a la vez está muy lejos de ser nuevo. La historia de que este Gross Point pudiera ser comedia, por otro lado…

Pero lo intentaban, vamos que si lo intentaban.

Ahora bien, la estética de cómic indie -variado, además, sacaban los taquiones de distintas series- o la decisión de ir dándole más hueco al novio de la chica protagonista (en realidad lo protagoniza una familia y, especialmente los dos hijos, así que hablamos del novio de la hija, claro) que tiene un pequeño problema. O dos, si tenemos en cuenta que le llaman Mystery Meat. Pero tiene un motivo, relacionado con su problema: Cuando se excita se convierte en un monstruo. Pero en uno aleatorio, y nunca sabe cuál va a ser. Lo mismo es un hombre lobo que un ser tentacular que un cangrejo. Y dado lo que entienden por ‘horror’ y por ‘humor’ podemos decir que en realidad era lo más interesante. Por ausencia de rivales. Con eso y todo llegó al número 14. Qué tiempos aquellos en los que una serie como está podía superar el 10. O el 8. O el 6. O…

23) Guardians of Metropolis (1994—1995)

Los intentos de lograr que saliera algún spin-off en condiciones de Superman, aunque fuera esta mezcla de El Guardian y de la Newsboys Legion. Normalmente esto buscaría una forma de ser lo más noventero posible, pero en realidad…

…bueno, algo intentaron, sí. ¡Pero podían haberlo intentado más!

24) Gunfire (1994—1995)

Hacía tiempo que no teníamos a alguien de Bloodlines. Normal, nos hemos ido alejando de la B. Pero el caso es que aquí tenemos la serie que le dieron a uno de esos superhéroes salidos del movidón. Se trata de Andrew Van Horn del que vamos a suponer que los poderes son algo así como agitar átomos de objetos logrando que exploten en lanzamientos de energía. Vamos, que todo le parecen clavos.

Además de eso tiene una armadura que iba a haber sido para Deathstroke, gracias a lo cual pueden lograr el propósito de lograr el cómic lo más noventero posible.

Por supuesto, podéis no creerme.

Pero, ¿por qué os iba yo a mentir?

Como de costumbre en estas cosas, 14 números más tarde -es decir, 13 regulares y un 0- la cosa no aguantaba más. Así que lo cerraron y pasó a ser uno de esos secundarios que si alguien se acordaba sacaban, putearlo un rato, y que se volvieran a olvidar de él. La última que yo recuerdo es en Final Crisis, durante Faces of Evil, en la que decidieron -además de matar a otro de los miembros del Bloodpack, que de verdad que me sorprende que quede alguno. En cualquier momento hacen un reboot de la historia para crear más y tener más carne de cañón para crossovers- que lo más divertido que podían hacer era cortarle las manos a Gunfire. Por supuesto de eso hará ya como quince años y varios reboots, así que ya veremos la próxima vez con qué nos encontramos. De hecho en Flashpoint Beyond (2022) aparece esa imagen de la portada del número 1 en una… ahm… discusión sobre el hipertiempo. Así que supongo que será cosa de… eso.

25) Guns of the Dragon (1998—1999)

¿Quién podría pensar en una idea mejor que contar una especie de precuela de la Isla Dinosaurio de The War that Time Forgot con algunos personajes clásicos de DC -sí, los que salen ahí, efectivamente- y por el lado de los malos Miss Fear, Kung o Vandal Savage?

26) Guy Gardner Reborn (1992) Guy Gardner (1992—1996) Guy Gardner: Collateral Damage (2007)

Guy Gardner es el tipo de personaje que podríamos dejar pasar de esta sección si no fuera porque, precisamente, es el tipo de personaje para el que se creó esta sección.

Sí, se merecería un posteo propio, sin duda. Pero eso no significa que lo que tenga -de momento- no sea esto. Así que vamos a hacer el resumen rápido:

Guy Gardner aparece por primera vez en 1968 en Green Lantern 59, creado por John Broome y Gil Kane, y habla de cómo Abin Sur, el Green Lantern moribundo que le dio su anillo a Hal Jordan, tuvo que elegir entre dos personas para dárselo. El otro era un profesor de colegio llamado, claro, Guy Gardner. Que, en una visión alternativa, acabaría viviendo una carrera cercana a la de Jordan hasta que pillara la peste amarilla y, moribundo, le entregara a este el anillo.

La historia podría haber quedado ahí, pero decidieron que Jordan se hiciera amigo de Gardner por curiosidad y también sabiendo que en cualquier momento podría tener que entregarle el anillo.

Sí, era un Gardner muy diferente del de ahora. Para el 87 -en 1971 y ya en su etapa junto a Green Arrow– decidieron que había que buscar un sustituto más… moderno. Así que hicieron que a Gardner le golpeara un autobús para justificar a John Stewart. Gardner se iba recuperando y echando una mano a Jordan y todo eso. Para el 116 (en 1979 y aún con Green Arrow) un villano deja fuera de juego a Jordan y, por fin, Gardner puede ejercer de Green Lantern. Experiencia que terminaría con la aparente muerte de Gardner después de que le explote la batería. Seguido por un acercamiento de Jordan a la desconsolada novia. ALAB. Para el 123 -aún 1979- traen de vuelta a Gardner tras explicar que la explosión fue seguida por un envío a la Zona Fantasma en donde Zod le encontró y lavó el cerebro y, luego de escapar junto a Superman, fue Sinestro el que le pilló por banda y decidió torturarle un rato. Dejándole en un estado de coma para cuando le encontró Jordan de nuevo. Ser secundario de superhéroes nunca ha sido sencillo.

Pero aquí llegamos ya a lo importante, porque en 1985, con las Crisis Infinitas ya formándose, Steve Englehart entra en la colección y decide darle un giro. Considera que Gardner ha tenido suficientes daños cerebrales y trauma como para sacarle del coma a cuenta de una escisión entre los Guardianes y… bueno, un follón que ya contaremos otra vez. El asunto es que para todo el follón de las Crisis en el 194, y después de pelearse con Jordan y acusarle de ser el causante de todos sus males -a saber de dónde podría haber sacado esa idea, desde luego no de su exnovia-, consigue su anillo.

La idea de Englehart era que ya tenían a tres Green Lantern de la tierra y que podría usar a uno diferente, al que el daño físico y emocional le hiciera comportar de una manera distinta a un héroe. Eso le enseñaría, además, que la próxima vez que tengas una idea la apliques con un personaje nuevo, porque DC dice que da igual la popularidad que estos cambios trajeran al personaje. Aquí solo se llevan royalties John Broome y Gil Kane. Como decía, de todo se aprende.

Pero la nueva versión de Gardner cayó en gracia, quizá por su participación en la JLA/E/I/etc, quizá porque el Reaganismo pedía de Lanterns más macarras. Lo cierto es que para 1992 (Green Lantern 25 del volumen 3 ya) pierde su condición de Lantern tras una pelea a puñetazos con Jordan. Una pelea a puñetazos para ver quién era el único Green Lantern de la tierra, conste. Pero estaba todo pensado, porque al mes siguiente saldría una minu: Guy Gardner Reborn.

A ver si os pensabais que lo de los héroes reborn habían sido solo los de Marvel. Síp, con esas pintas. Habrá quien piense que esto es lo peor que ha hecho Gerard Jones nunca. En ese caso quizá deberíais de hacer una búsqueda en internete. En cualquier caso, fue una mini suficientemente exitosa como para que decidieran darle su serie regular propia.

En la que, como en la mini y en la realidad, dejan claro que, más allá de darle el anillo amarillo, ahora Qwardian Power Ring, no tenían muy claro qué o cómo hacer algo con él. Y eso que Jones pasó a tener la ayuda a los guiones de Will Jacobs para el número 5, este cogería el personaje en solitario a partir del 9 aunque para el 13 había dejado paso a Chuck Dixon, que decidiría cambiar el pasado del personaje. Perdón, para ‘redescubrirlo’. Incluyendo, por supuesto,

un gemelo malvado. Vale, una copia hecha por los Draal malvado. Bueno, da igual. El asunto es que tras darle una vuelta a sus orígenes y decidir que tenía daddy issues, decidió también que las cosas tenían que cambiar porque a él le parecía ridículo todo. Así que

dando paso a

Sí, he evitado hacer comentarios sobre Fist of Glory. De nada. Una vez Dixon logró que Gardner tuviera un nombre molón pasó a la segunda parte: Darle algún poder. Así que hizo lo lógico en los noventa:

Darle una megarmadura con muchas armas. La cosa salió reguleras y, en medio de Emerald Fallout, Dixon dejó el título a favor -un decir- de Beau Smith, que siguió la hoja de ruta de darle algún poder, y se le ocurrió que lo que había que hacer era meterle en algún lío que justificara este poder nuevo. Así que vamos a contar una historia en portadas:

Sep. El Gardner con estas pintas y los poderes de haberle cambiado de nuevo el pasado. Quiero decir… descubrir que era descendiente de los Vuldarianos y que podía acceder a esos poderes suyos, sí, eso, se propuso ser lo más noventero posible.

En todos los sentido.

Y eso significa, por supuesto…

también el vertical.

¿Qué puedo decir? Todo el mundo sabía que había que intentar traer un poco de ROB! Aunque solo era la portada, porque dentro lo que ocurría era que Gardner decidía abrir un bar.

Ya, el negocio de los bares atrae a un tipo de personas, parece. Pero, por otro lado, ¿acaso hay un tipo superpoderoso al que nos podamos imaginar más diciendo en TV ‘es que nadie piensa en la hostelería‘?

Pero volvamos a lo importante, el noventerismo.

Una maravilla todo, por supuesto.

Aunque, inexplicablemente en 1996, en el número 44, decidieron cerrar la colección.

Eso no significó, por supuesto, que terminaran las historias de Gardner. Solo que van para un posteo distinto. Aunque es cierto que no fue la última vez que Guy Gardner tendría su propio título, porque en 2007 se publicaron los dos números de Guy Gardner: Collateral Damage que ponían al personaje en manos de

sí, Howard Chaykin. (Y Michelle Madsen) Así que ya veis, un personaje con una carrera no solo notable, también GENIAL!

Hasta aquí por hoy. Pero ya sabéis que se acercan más letras y si algo os podemos decir de la H es que es la H…

HILARANTE OCASIÓN!