Desde aquí repartimos ideas y conceptos para la manipulación creativa y el abuso cultural. Somos el diario de lo genial, y el pensamiento de lo imposible
En los mundos de fantasía de las historietas constituyen un ancla con la realidad, mostrando que el mundo que leemos es una derivación del nuestro. Sin embargo, no es muy habitual que se represente a los mandatarios de manera tan gráfica como en los ejemplos anteriores, a lo que estamos más habituados los lectores es a ver a la figura de autoridad de espaldas o en la penumbra, y nuestra imaginación hace el resto.
Las lámparas del Despacho Oval son muy potentes, también hay que decirlo.
Y ya lo que sucede menos es que un presidente real sea además un personaje clave de una historieta, como sucedió en el número 309 de Action Comics.
En el mismo nos encontramos con que Superman acude a hacer un recado y lo que se encuentra es que han montado a sus espaldas un programa de televisión en directo para homenajearle.
Realizado un poco como homenaje a los entonces recién cumplidos 25 años desde la primera aparición del personaje, el programa tenía como invitados a gran parte del lore de personajes creados durante los años 50, con Mort Weisinger como cabeza pensante en su función de editor.
Era mucho lore, como podremos comprobar pronto en el «Superman en los Años Cincuenta» programado por Panini para Mayo. Que vale que se sabe que Weisinger era bastante déspota y acosador en lo laboral para lograr esos resultados, pero en Panini estas cosas no son motivo para cancelar a nadie.
Entre los invitados, nuestro héroe escucha que cuentan también con la presencia de Clark Kent (SPOILER para marvelitas acérrimos: es el alter ego de Superman); nada que no se pueda arreglar con un duplicado robot, piensa el taimado kriptoniano.
Pero la trama se complica cuando en «El Planeta de las Tentaciones» le anuncian que llega al plató un interés romántico suyo cuyo nombre comienza por L ¿de quién se tratará, picaflor?
¡Las tres ex en plató, nada menos! y una puyita a otro querido personaje que por circunstancias no ha podido asistir.
Si Lois y Lana están presentes, habrá salseo. Empeñada en descubrir la identidad secreta del héroe, Lois se ha traído su detector de robots. Como llegue un «Clark» y el aparato pite, la identidad secreta del kriptoniano se irá al garete. Lana la escucha con una inquietante mirada de complicidad. Pero Supermirón es consciente de la confabulación, así que comienza a idear un plan alternativo.
Total, que llegan amigos de Smallville, la gente de Kandor, Batman y Robin…je, no es la primera vez que Batman se hace pasar por Superman, Lois no volverá a picar con ese truco, de manera que queda sorprendida cuando Clark aparece en la misma estancia que Superman y Batman ¡y el aparato confirma que no es un robot!
¿Qué ha pasado? ¿quién se está haciendo pasar por Clark Kent? ¿a quién ha confiado Superman su identidad secreta para salir del trance?
Pues ni más ni menos que (en pie) al Presidente de los Estados Unidos de América.
Una historia de celebración y positiva propia de la época, cuyo disfrute quedó empañado por tratarse del episodio de Action Comics con fecha de portada de Febrero…de 1964, que llegó a los puntos de venta en Diciembre de 1963, pocas semanas después de que el presidente John Fitzgerald Kennedy fuese asesinado en Dallas. En televisión suele decirse que son «cosas del directo«, pero en este caso fueron cosas del diferido. Al menos, la identidad secreta de Superman seguía a salvo.
La presencia de los mandatarios en historieta suele ser proporcional a su popularidad, Y Kennedy lo fue mucho. No es de extrañar que su nombre fuera mencionado también en un episodio de la Legión de Superhéroes, en el lejano futuro todavía era recordado por Antennae Boy, capaz de captar ondas de radio retenidas en el éter. En el momento de su publicacion (Adventure Comics 305, fecha de portada Febrero 1963), el presidente todavía ejercía, pero lo de aventurarse a una reelección fue una apuesta un tanto arriesgada.
De modo que cuando la aventura fue reeditada años más tarde (Adventure Comics 403, Marzo-Abril 1971), se alteró para prevenir más hate en los correos de los lectores.
Y se volvió a corregir para el antológico 500 de Adventure Comics (Junio de 1983).
Igual es un poco anticipado (calculo que para 2028), pero ya veremos que versión terminará publicando Panini es su Biblioteca Legión.
¡Un mes más, una letra menos! Está claro que la L está en un punto intermedio, pero ya es lo suficientemente variado como para seguir con ello… , así os podéis centrar más en lo que hablamos para que podáis pedirle a Panini que lo publique en España. Espera, ¿hoy tocaba Marvel o DC? Bueno, qué más dará ya. Lo importante es que hay la cantidad razonable de títulos como para poder asegurar que esto va a ser un auténtico… ¡LUJO!
01) Lady Deadpool (2010)
Si algo tiene éxito no dejará de tenerlo. O algo. Porque fuera de este one-shot no se volvió a ver a Lady Deadpool, por lo menos si su aparición en el cine no lo logra. Claro que una vez visto que la solución para hacerlo es poner a Greg Land a hacer la portada y…. bueno, todo lo demás… os podéis imaginar.
02) Lance Barnes: Post Nuke Dick (1993)
La línea Epic trajo mucha obra de autor con unas… ahm… con unas. En fin, que decidieron montar esta especie de humor post-apocalíptico con la excusa de un detective y un dibujo a medio camino entre la línea chunga y algo de terror. El resultado fue peculiar pero supongo que el sacar cuatro números fue una victoria -algún tipo de victoria- en si mismo. Lo cierto es que habrá quien piense que Epic fue un intento de crear la Vertigo de Marvel, pero teniendo en cuenta que esta comenzó en 1982 y la otra estaba empezando precisamente en 1993 supongo que es más ‘hay algo en el aire’. Cada número era ‘temático’, el primero explicaba (un decir) lo del pos-apocalípsis y a partir de ahí le daba al Tabaco, la Comida y la Deuda. Supongo que si hubiera durado más habría acabado teniendo que buscar otros temas. Tanto da porque cerró en ese cuarto número y no fue recuperada ya por Marvel… aunque sí por Moonstone en 2004 con una portada con un estilo completamente distinto al del dibujo interior.
03) Last American (1990–1991)
Como veis había Epic antes de 1993, y había también cómics como este, de Alan Grant y John Wagner a los guiones, con Michael McMahon dibujando. Lo que nos podría llevar a la duda de si no será Vértigo en realidad 2000 AD con jersey negro de cuello vuelto. ¿Y qué teníamos aquí? Pues más post-apocalipsis. Esta vez tras una 3ª Guerra Mundial de la que regresaba a su casa Ulysses S. Pilgrim. ¿Sutileza? ¡Eso es de cobardes! Y, por si tenéis dudas, cuatro números fueron.
04) Last of the Dragons (1988)
Empiezo a plantearme si en Epic daban dinero a las series que empezaban por LA. En este caso estamos en 1988, con Carl Potts presentando esta historia como dibujante y guionista. Bueno, co-guionista que Denny O’Neil estaba con él en los guiones. Este cómic salía como Novela Gráfica, con una trama concreta de dragones y leyendas orientales y toda la pesca aunque, en realidad, lo más destacable estaba en la sección de biografías de los autores. Desde la posibilidad de comentar si Carl Potts había creado esta obra proyectándose de alguna manera en el personaje principal
Hasta la fotografía elegida para Terry Austin
y, sobre todo, la que le pusieron a Marie Severin
Está claro que lo que necesitamos es más cómics en los que vengan las fotos de los autores.
05) Lawdog (1993–1994) / Lawdog / Grimrod: Terror at the Crossroads (1993)
Pues aquí seguimos, en Epic. Pero este es el Epic del final, porque en 1993 decidieron darle un giro y crearon esto de los Heavy Hitters dentro de la que veríamos cómics como Alien Legion, Brats Bizarre, Dragon Lines, Feud, Trouble with Girls o, por supuesto, Sachs & Violens. Y es que ese ‘algo en el aire’ de los noventa valía para Vértigo pero también para el más desvergonzado noventerismo, que es lo que tan claramente tenemos aquí. Porque el dibujo, como veis, es de Flint Henry, pero es que el guión es de Chuck Dixon. ¿Y a qué se dedican? Pues a mucha acción,
splash pages,
y si teníais dudas de si Dixon siempre ha sido tan… tan…
pues sí, siempre.
Ah, y si os lo estáis preguntando, todo esto es solo del primer número. Un cómic que sabía que había que terminar en cliffhanger.
Luego ya uno sigue leyendo y se encuentra con una historia moderna. De dimensiones paralelas, no os digo más de lo modernas que son. Vamos, con deciros que incluso combatían a…
…los nazis. Porque Dixon era como era, pero en aquel momento no se disculpaba a los nazis.
Lo cierto es que funcionó lo suficiente para que se les permitiera un crossover especial con un personaje de Alien Legion:
Yep, Jugger Grimrod en persona. El noventerismo y un día. Porque, además, lo hicieron mientras se estaban publicando ambas series. Y aunque Flint dibujara la portada sería Hoang Nguyen quien dibujara y Chuck Dixon la persona a los guiones.
Vamos, que funcionó bien. Aunque solo durara 10 números. Lo cierto es que en ellos fue capaz de hacer un poco de todo con esa excusa de premisa, con bastante humor que les permitía lanzar guiños
e, incluso, abrazar Lo Meta acercándose al ‘humor independiente’ de la época…
Supongo que eso es lo que les permitió darle un extraño final agridulce a la serie. Que lograba ser más agrio que dulce subvirtiendo incluso esos finales agridulces.
En fin, que se lo pasaban bien, como demostraban las propias portadas de la serie:
06) The Legion of Night (1991)
Es posible que penséis que Steve Gerber y Whilce Portacio no casan mucho. Quizá incluso os preguntéis qué ha sido de Portacio. Pero lo importante de The Legion of Night es que dejaron que Gerber reuniera un equipo con algunos personajes que ya habían aparecido antes -además de otros que no-, y usar estos dos prestigios para presentarlo, y que Gerber tenía intención de seguir escribiendo sobre ellos, pero lo cierto es que en Marvel no estuvieron por la labor.
Imagínate que te den dos prestigios para presentar a un grupo y que luego lo único que se vuelva a ver de ellos es en un complemento de Midnight Sons Unlimited #9 siguiendo a una historia principal de Dan Slott. Así que si acaso… podríamos decir que sirve para traer de vuelta a Fin Fang Foom y que se viniera en nuestro mundo… eh…
No, ciertamente no entiendo qué pudo impedir su éxito.
07) Lethal Foes of Spider-Man (1993)
En 1991 Danny Figeroth -sí, el de Darkhawk– guionizó The Deadly Foes of Spider-Man, con dibujos de Al Milgrom y Kerry Grammill. De alguna manera eso sirvió para que dos años más tarde pensaran que podían repetir la gracia pero esta vez con Scott McDaniel como dibujante.
Esto, que podría parecer idea de un ejecutivo de Sony…
No, espera, esto que Podría ser la próxima película de Sonyse encontró con que para el tercer número McDaniel era sustituido por Keith Pollard y David Boller. Que tenía un estilo… ciertamente diferente.
Al menos para el cuarto ya sería solo David Boller que, por supuesto, sabía mantener el noventerismo.
Aunque no sé yo si logrará algún crédito cuando Sony adapte esta mini.
Aunque para la siguiente ya solo le dejarían hacer Spider-Man: Friends and Enemies -con Ron Lim-. Quiero decir, era el editor de la línea y un Verdadero Creyente en Stan Lee. No le iban a dejar sin.
08) Linda Carter, Student Nurse (1961–1963)
Efectivamente, Linda Carter trabajaba para Marvel. Por eso es importante distinguir entre las ies cuando son latinas o griegas. Su vida fue como la de tantos personajes de Marvel, comenzó como algo así como una comedia romántica, fue volviéndose más dramática
y tras este último número que le publicaron acabó regresando con una nueva personalidad. Pero eso ya lo comentaremos cuando lleguemos a la N. De Night Nurse.
09) Life of Pope John Paul II (1983)
Efectivamente, los personajes de los cómics siempre acaban dando el salto. Es tan inevitable como que alguien en internete lo acabe usando de avatar.
Pero no hablemos de internete porque no nos interesa saber los shipeos, nos interesa hablar de cómo Marvel llegó a cogerle el gusto a esto de The Life Of… y después de este tendríamos en 1985
Como en Marvel no acaban de decidirse para 1993 volveríamos al lío con un doblete
no digo yo que no sean una serie de decisiones, pero el caso es que esto hicieron.
Y como esta vida funciona así resulta que para 2018-2019 en Marvel pensaron que QUIZÁ no era eso. Así que insistieron.
Todas estas vueltas es para decir que en Marvel las ideas no se abandonan, solo se les da vueltas. Eso es lo que justifica que para 2024 intentaran hacer algo que uniera ambas ideas:
Veremos a quién le toca después.
10) Li’l Kids (1970–1973)
En los setenta Marvel intentó descubrir si había algún niño como posible comprador de sus cosas…
La respuesta creo que os la podéis imaginar. Aunque en 1984 lo volverían a intentar lanzando la línea Star en la que esta vez recurrirían a personajes bien conocidos por la chavalería.
¿Que por qué no intentaron crear a personajes nuevos?
Bueno… Quizá porque en los setenta lo hicieron.
También os digo que tardaron tres años en publicar doce números, sobre todo al principio cuando entre el 2 y el 3 pasó más de un año, así que demasiado bien les fue.
11) Li’l Pals (1972–1973)
Por supuesto los intentos de los que hablamos antes se tomaron un poco más en serio en 1972. Como demuestra que sacaran también esta serie de Funny Animals. Dejando claro que no sabían que lo que el público buscaba era Furry Animals.
12) Livewires (2005)
El problema principal con este Livewires es que pusieron a Warren a hacer tres cosas en este cómic: Los guiones, los lay-outs y las portadas.
¿Qué les costaba haberle dejado más tiempo para que se ocupara de dibujar todo el cómic?
Si, además, estaba claro que había entendido el espíritu de la época.
Y, total, al final Marvel Next iba a acabar siendo Marvel Past. Vamos: Araña, Gravity, Runaways, Young Avengers, X-23… bueno, y dos que veremos en no tanto tiempo, uno en dos meses y el otro… el otro es Spellbinders.
Pero bueno, que esto fue Livewires, una historia completa con los personajes que les dejaba en un punto que permitía tanto recuperarlos como mandarlos a la papelera de reciclaje. Supongo que por eso Jim Zub les hizo aparecer en 2020 en Black Panther and the Agents of Wakanda.
¿Qué puedo decir? El mundo es un lugar extraño.
13) Lockjaw and the Pet Avengers (2009) / Lockjaw and the Pet Avengers Unleashed (2010) / Lockjaw: Dog Days (2017) / Lockjaw (2018)
Lockjaw apareció por primera vez en 1965, pero no fue hasta 2009 que alguien pensó que era el nombre de reclamo perfecto para sacar a un montón de animalitos. Algo que funcionaría lo suficiente como para sacar una segunda mini
y para seguir usándolos… ya sin Lockjaw en el título, se ve que ya se habían establecido y no necesitaban el gancho popular que les prestaba.
O algo.
Pero la rueda estaba en marcha, en 2017 sacaron un recopilatorio de varias de las historias cortas que habían ido apareciendo centrándose en el personaje…
y para el año siguiente le dieron ya su propia serie independiente.
Y sí, ya ha tenido más series propias que Medusa.
Marvel funciona así.
14) Logan’s Run (1977)
Trabajar con Hollywood tiene sus cosas. Por ejemplo, llegaron a un acuerdo para adaptar la película Logan’s Run y eso les ocupó cinco números. Pero las ventas fueron buenas así que querían seguir con ello y acabaron sacando un sexto con el ‘aftermath’ que, sin embargo, por culpa de las negociaciones, en realidad era solo como medio cómic. La otra mitad era una historia de Drax y Thanos. El séptimo comenzaba ya un arco argumental…
que no fue a ninguna parte porque las negociaciones se rompieron. Y así acabó esta historia de adaptación al cómic… que luego iría siguiendo Adventure Comics en 1990 para Logan’s Run y Logan’s World, tiras cómicas en UK (al menos un par), y las sucesivas obras en Bluewater. Quién sabe, quizá hay un interés sobre esta obra y habría que dedicarle un posteo.
15) The Loners (2007–2008)
Creados en Runaways -en el primer número del segundo volumen- estos Loners serían adjudicados a uno de los guionistas con proyección de Marvel: Akira Yoshida. Le acompañaría Karl Moline como dibujante y durante cinco números contaría la historia de este grupo de apoyo para héroes jóvenes. La portada de cada uno de sus números seguiría la imagen del poster de una película juvenil de John Hughes. En el interior tendríamos una especie de drama superheróico de adolescentes torturados. Por supuesto en el estilo de estas cosas para la cancelación en el sexto número sólo han resuelto una de las tramas de la serie, de otras -como el Terrible Secreto de Julie Power– se quedan en el aire. Pero no solo no le importa a nadie sino que los personajes van apareciendo sueltos y solo algún comentario aquí o allá se realiza en distintos eventos como la Civil War, la War of Kings o AXIS. Porque está claro que cuando alguien trabaja en un cómic le coge el interés a sus personajes y se preocupa por ellos.
En 1985 Ann Nocenti y Arthur Adams presentaron una mini: Longshot. Presentaban a un fugitivo interdimensional amnésico que parece tener la suerte de su parte. La mini fue un éxito ayudando a la carrera de ambos creadores y es el tipo de cómic que más o menos se conoce y más o menos se reedita cada década o así.
¿Y qué hago poniendo esto aquí? Bueno, es que no fue lo único que Longshot protagonizó.
En 1998 DeMatteis tuvo la oportunidad de marcarse un One Shot con el personaje enfrentándose al Alienígena Culón. Ah, perdón, que solo he puesto la portada. Vamos mejor con toda la cubierta:
Mejor.
Bueno, en este número, dibujado por el recientemente (bueno, medio año más o menos) Michael Zulli parecían preferir una aproximación más propia de Vértigo y de su época. (Que es la forma de decir en código que os podéis imaginar el tipo de cosas que hay dentro) y que no logró que le dieran su propia serie…
pero tampoco impidió que más de dos décadas después lo volvieron a intentar:
Esta vez era una mini en la que… Bueno, se supone que se habla de la suerte. Su poder principal que le salva de un montón de daños -no incluyendo sus cortes de pelo, claramente- y que Hastings -el guionista de esta ocasión- se toma con humor. Ah, y sí, aquí también hablamos de universos alternativos.
Así que ya estamos más cerca de que… bueno, quizá no una serie regular, pero al menos que decidan por qué le meten en movidas de mutantes cuando se supone que él no lo es.
17) Lords of Avalon: Sword of Darkness (2008)/ Lords of Avalon: Knight of Darkness (2009)
Probablemente conozcáis a Sherrilyn McQueen, o Sherrilyn Kenyon, por su saga de Cazadores Oscuros. Pero no es lo único que escribe. Y no me refiero a lo que saca como Kinley MacGregor, sino a los libros de la saga del nombre de los cómics estos. (Que, vale, comenzaron firmados por Kinley MacGregor pero luego pasaron a Sherrilyn Kenyon) Por ejemplo, Sword of Darkness en español se llamó La espada oscura, mientras que Knight of Darkness fue El Guerrero de la Oscuridad. Inexplicablemente sus protagonistas son blancos. Pero bueno, que alguien pensó que adaptarlos a cóm… ¡A NOVELA GRÁFICA! era buena idea, y eso nos ha permitido, por lo menos, esas portadas…
Con suficiente éxito como para sacar la siguiente.
Aunque se pararon allí, y no será por falta de libros. Pero supongo que en Marvel aún no habían decidido si querían dedicarse al monsterfuc… AHM
A las interesantes continuaciones de fantasía heroica de los mitos artúricos. Sí, eso.
Exactamente eso es lo que se propone aquí. Qué duda cabe.
18) Love Romances (1949–1963) (2019)
El romance no ha muerto en los cómics, lo que pasa es que le han dado muy mala vida.
Por ejemplo, allá por 1949 decidieron que Marvel Comics publicaran IDEAL, A Classical Comic que hablaba de personajes históricos como…
que para el quinto ya está claro que iba a ir cambiando el asunto y pasaba a ser IDEAL: Love and Romance.
Las portadas, eso sí, eran bastante particulares. Al menos hasta que comenzaron a ser, ahora sí, de cómic a partir del… 13
Lo cierto es que lograría durar hasta 1963, hasta el número 106. En el que las tramas seguían siendo…
particulares.
Pero, al menos, estaba claro que sabían lo que hacían. Por ejemplo, a partir del 85 sabían que reeditar como un nuevo número era más barato que sacarlos.
Pero lo importante es que hasta 1963 Marvel sabía que tenía un hueco para intentar vender cómics de amor. Y seguro que ese mismo 1963 algo se inventarían en el que poder aplicar tanto elemento de telenovela.
Y, por supuesto, cuando años más tarde -bastante más tarde- Marvel decidió celebrar sus ochenta años no se olvidó de ellos…
aunque fuera al estilo Marvel.
19) Luke Cage Noir (2009-2010)
Lo sé, reiterativo.
20) Lunatik (1995–1996)
A veces las historias comienzan en sitios que no son los que corresponden.
Por ejemplo, Keith Giffen tenía una idea para un personaje, su idea era sacarlo de una historia que aparición en Tower of Shadows e incorporarlo al Universo Marvel en Defensores. Pero no se lo estaba pasando bien, así que decidió, en palabras suyas en BackIssue que…
Sí, Lunatik fue una creación de Giffen que tenía que haber sido como Lobo + Ambush Bug y que acabó no pareciéndose a ellos. Y como Marvel tenía los derechos del nombre alguien pensó que se podía utilizara para…
otra cosa.
Esa otra cosa llegaría en 1994, en Marvel Comics Presents #172, y durante sus últimos números, un nuevo Lunatik obra de… Keith Giffen y Lovern Kindzierski. Sí, Giffen de nuevo. Como co-guionista y dibujante. En un intento de un nuevo Lunatik que ahora iba a ser un mercenario espacial un tanto…
peculiar.
Bien porque se quedaron sin serie para seguir, bien porque alguien en Marvel pensó que aquello podría funcionar de verdad, el caso es que acabaron dándole su propia mini. Que esta vez iría con Lovern Kindzierski pero sin Giffen, ni a los guiones ni, desde luego, a los lápices. Ese puesto iría a Duncan Rouleau. En cuanto al guión…
Ciertamente era un tanto meta.
Entre otras cosas.
En sus páginas habría enfrentamientos con los Vengadores -los de aquel entonces-, diversos grados de alienígenas, y un final en el número 3 de la colección que era… ciertamente una decisión.
Una década más tarde Giffen se encargaría de una mini de Drax y aprovecharía para matar a Lunatik. Es difícil saber si le volveremos a ver algún día -es decir, fuera de su cameo en Ziggy Pig-Silly Seal Comics– pero es indudable que supo vivir su particular y muy noventera vida.
Que puedo decir, a veces pasan estas cosas.
Hasta aquí por hoy. Pero ya sabéis que seguimos teniendo mucho abecedario por delante. Habrá que ver cómo responde DC el mes próximo, pero espero que volvamos a Marvel dentro de dos meses. Y es que lo que tenemos por delante en la M va a ser una…
Seguro que has leído muchas veces que Archie es el estereotipo del adolescente estadounidense, y que a través de sus historietas se puede seguir la evolución de la sociedad de los Estados Unidos y principalmente de su grupo demográfico y geopolítico a lo largo del siglo XX (y del XXI también). Pues bien, todo esto es falso
[Viñetas de Betty and Me nº3 (1966)]
Como has podido comprobar, Archie es el estereotipo del adolescente inglés
Es cierto, es un tema raro. Pudiendo dedicar el posteo del día a cualquier otro tema, como a la progresiva periodismodeportivación de la cosa de hablar de cómics. Quizá incluso se haya traspasado ahora que uno no puede encontrar más señales y rastros de que Mbappé va a ir a este o aquel equipo o se va a quedar en donde estaba, y ha decidido que puede dedicarse a interpretar señales de humo y datos aleatorios sobre dónde si DC irá a este o aquel equipo o se va a quedar en donde estaba. Total, para lo que va a servir luego.
En su lugar vamos con algo que comenté la semana pasada y que se ha quedado ahí, dando vueltas. Me refiero, por supuesto, a la frecuencia con la que uno se encuentra un personaje llamado JUSTICE. La semana pasada veíamos cómo Marvel ha tenido TRES cabeceras con distintos protagonistas, dos de ellos llamados igual. La tercera era de polis, así que ahí nadie se llamaba Justicia, claro.
¿Qué posibilidades había de cruzarme durante la semana con otro JUSTICIA? Pues las había, claro que las había. Porque, además, vienen de uno de nuestros sospechosos habituales:
¿Por qué Mr. Justice y no Justice a secas? Bueno, hay quien opina que esto de los pronombres es importante, por supuesto. Si Archie ha creído que debía de señalar que es un Mr. porque llevar puesto un traje de ajustada licra no lo hace evidente… ¿Quiénes somos nosotros para ponernos a hablar de masculinidad frágil? Centrémonos en que este personaje es Mr. He/Him Justice y sigamos con la historia que ya tendremos tiempo para regresar aquí.
Y es que más allá de la personificación de la diosa justicia -que alguna hemos tenido, especialmente en series como Promethea– hemos tenido personajes con este título desde un secundario en 1941 en Great Comics a un esqueleto de niebla en los Jojos Stardust Crusaders, como stand de la anciana Enya en 1990, en los mangas le veríamos también en 1993 en Chōdokyū Senshi Justice. Luego llegaría el hijo de Superpatriot en 1994 y en Savage Dragon. O el -llamémosle- el antagonista principal de Afro Samurai en 1999. En habría otro personaje en 2003 Guilty Gear: Xtra, para 2014 sería una de las Dirty Angels (la rubia) y en 2018 en Edens Zero, un príncipe.
Por supuesto también entre los títulos de cómics hay algunos, como bien sabéis, y debo decir que ofreciendo…
variedad.
En fin, que hay mucho Justice en esto de los cómics. Y que puede que Vance Astrovik sea el personaje con más apariciones que ha llevado este nombre, puede que el otro Justice de Marvel haya tenido casi una centena de intervenciones, pero…
Precisamente por eso podemos hablar de este otro. Que si no el primero con ese nombre si que es uno de los iniciales. Aunque, claro, en aquel momento no era Archie.
En febrero de 1941, , creado en teoría por Joe Blair y Sam Cooper, en el número 9 del Blue Ribbon Cómics de la editorial MLJ (que suena a coña, pero a más coña aún es la explicación: MLJ Comics fue un sello creado por Morris «Maurice» Coyne, Louis Silberkleit y John Goldwater, adivinad cómo le pusieron el nombre) nos encontramos con la presentación de este superhéroe. O lo que sea.
Se trata del fantasma de un príncipe inglés asesinado en un castillo escocés que pasó a encantar hasta que durante la Segunda Guerra Mundial… Bueno, un millonario decidió que la mejor forma de mantener a salvo el castillo era desmontarlo y llevarlo a USA para reconstruirlo allí. Pero un submarino nazi bombardeó el barco que lo llevaba y eso permitió escapar al fantasma que, además de un disfraz de superhéroe cuando es fantasma, resulta que crea un ‘cuerpo mortal’ del que puede escapar cuando le da la gana. Aunque dejándolo tirado porque bueno. Por suerte es un cuerpo inmortal así que a veces lo usan como escudo para las balas o tonterías semejantes. Qué más dará. Los años ’40 eran así.
El éxito le llevó a ser portada de Blue Ribbons pero también a darse un paseo por otras cabeceras del grupo como Jackpot, pero la alegría nunca dura mucho porque otro de los títulos de MLJ, PEP Cómics, presentaría en su número 22, en diciembre de ese mismo 1941, a un nuevo personaje que le iba a quitar el puesto igual que acabaría haciéndose hasta con el nombre de la editorial.
Ah, no, no, ese The Hangman, avanzando hacia The Shield -y Dusty-, a quien yo me refiero es a…
La importancia de Mr. Justice iba reduciéndose mientras en la editorial y para 1943 prácticamente había sido retirado. Su posición un tanto lateral dentro del reparto de superhéroes de Archie no le pondría en primera línea en ninguno de los intentos de que estos funcionaran. De hecho, este Mr. Justice los de ’40s acabaría libre de derechos por uno de esos problemillas de los estadounidenses con su gestión de los derechos de autor.
En cualquier caso, el primero intento de resucitar esta línea en Archie fue a finales de los años ’50s. Parecía que había un nuevo aire en los cómics tras el Cómic Code, y el éxito en los ’60s de la serie de Batman parecía una buena oportunidad. En donde la palabra importante es Parecía.
En el caso de Mr. Justice reaparecería en 1965 como poco más que un cameo en mitad de The Mighty Crusaders
y ya más en profundidad en 1967 dentro de Mighty Comics 47 -en teoría por Jerry Siegel y Paul Reinman – con un trasfondo nuevo. Ahora el fantasma ha llegado a ‘una relación simbiótica’ con un profesor universitario.
Intentaron incluso montar un pequeño grupo, The Terrific Three, junto con Steel Sterling y The Jaguar. Lo cierto es que no duraría demasiado. Ni el grupo ni el revival. Como decíamos, el éxito del personaje no fue más que momentáneo y esta misma línea de supes no tardaría en descubrir que lo de Archie seguía vendiendo más.
Pero no desapareciendo, claro. El siguiente momento de Los Superhéroes Vuelven llegaría en los años ’80s. Esta vez bajo el sello Red Circle Comics, que había usado una década antes para cómics de fantasía y terror y que ahora probaban con supes, pero que seguía siendo Archie pero que algo disimulaba. En 1983 intentaron de nuevo con Blue Ribbon Cómics -rescatado como manera de presentar de nuevo a distintos héroes en sus propias historias-
y se trajeron a un Mr. Justice que… bueno…
…funcionaba como Superhéroe Místico al más puro estilo The Spectre, con un toque de terror y una forma distinta de funcionar como fantasma. Obra de los guiones de Bill DuBay con Trevor von Eeden a los lápices. No tendría mucho más recorrido para él, aunque The Fly sí tendría ese 1983 su propia cabecera. En la que le dejarían un huequito al final del primer número…
y ya. De nuevo con dibujos de Trevor von Eeden, pero esta vez guionizando Chris Adames. Ese hueco final iría rotando, a veces para Fly Girl, a veces para otros personajes de la editorial.
En septiembre 1984 aparecería brevemente para ayudar en el juicio a The Shield.
No llegaría ni a hablar. Ni volvería a aparecer ante la nueva desaparición paulatina de las colecciones superheróicas.
¿La siguiente vez que alguien pensó que era buena idea traer de vuelta los supes de Archie? Pues fue poco a poco ya en los dosmiles.
Primero, en 2008, aprovechando la serie de animación Archie’s Weird Mysteries – obra de Paul Castiglia y Fernando Ruiz– aprovechan para llevarle como uno de los invitados en un especial superheróico de la serie.
Al año siguiente sería DC la que ‘alquilaría’ por una temporada este Red Circle. Y si bien a Mr. Justice no le dieron un hueco, sí se lo darían a The Web que, a su vez, dejaría un par de páginas para The Hangman. En una de cuyas viñetas aparecía de fondo… Mira, está claro que tampoco ahí iba a rascar. Y eso que le hicieron todo un rediseño.
En 2015 -de nuevo en Archie pero esta vez como Dark Circle– sería mencionado de nuevo, casi como de costumbre de pasada, en The Mighty Crusaders.
Ya es más de lo que sucedió cuando en 2018 en Archie intentaron ver si podían mover las cosas y sacaron una obra en dos partes: Archie’s Superteens vs. Crusaders.
Sí que lo hizo para el final de el enésimo intento de recuperar a los Cruzados. Esta vez como The Mighty Crusaders, al final de la cual digamos que algo se revela de lo que estaba haciendo. Aunque no parece que sea mucho.
Es una lástima que volviera a desaparecer, eso le impidió estar en el one-shot The Mighty Crusaders: The Shield que ROB! en persona dibujó para el relanzamiento de 2021.
Pero así llegamos a 2023, con dos apariciones distintas, ambas dentro de un título un tanto inesperado como es World of Betty and Veronica Jumbo Comics Digest, en el que le integran junto con los chavales de Archie. Y vuelven a darle -primero Ian Flynn y James Fry– un trasfondo distinto, menos megacósmico y un poco más cercano al original. Pero, claro, primero lo hacen uniéndole a
Cheryl Blossom. Y unos meses más tarde, ese mismo año, con Ian Flynn aún a los guiones pero Bill Golliher a los lápices, sería Betty la que, en lugar de compartir cuerpo, pasaría a recibir brevemente sus poderes.
Que ya es más de lo que Verónica estaba dispuesta.
Que también lo puedo entender, la verdad. Pero que está claro que alguien pensaba parecido porque precisamente en este Archie is Mr. Justice de Tim Seeley y Mike Norton se deja claro que
lo mismo parte del problema era el diseño del traje. Aunque la parte meta está presente, por supuesto.
Por algún motivo este nuevo universo superheróico también tiene que ser más oscuro y controlado por megacorporaciones que intentan acabar con la vida tranquila de Riverdale.
Y si pensáis si esto ha sido algo meditado…
…por lo menos eso intentan que parezca.
Veremos lo que dura en esta ocasión.
Y quizá creáis que toda esta turra sobre un personaje con pocas pero esparcidas apariciones y no mucho seguimiento fan no podría durar más. Pero es que siempre hay algo más.
Con este nombre, en concreto, lo hay en Marvel.
Sí, ellos también tienen un Mr. Justice. Supongo que no habrá mucha gente que recuerde Marvel: The Lost Generation, una de esas idea de John Byrne -con una mano de Roger Stern como co-guionista- en aquellos dosmiles de la Invasión Secreta en la que pensó que ninguna idea mejor que inventarse un grupo de héroes desconocidos, matarles en el primer número, y avanzar hacia atrás, desde el 12 al 1, sin que el último número resolviera en manera alguna la situación del primero.
Y sí, incluía a un Mr. Justice que era hermano de un Yankee Clipper.
Así que veis que el personaje daba para mucho. Es una lástima, una vez más, que no hayamos podido verle junto al resto de los Mighty Crusaders, tocado por la mano de ROB!
¡Un mes más, una letra menos! Bueno… ¡O DOS! Quién iba a pensar en la J Marvel no iba a tener gran cosa. Así que ahí se están separando otra vez de DC. ¡EN FIN! Lo cierto es que la K tenía un poco más de chicha, así que ha salido una cosa lo suficientemente variada, quizá podríamos decir que es incluso… ¡KAMIKAZE!
01) J2 (1998-1999)
Sí, en serio. DeFalco, Lim y Milgrom. ¿Quién podría tener algo en contra de este cómic? Dentro del spider-girl-verso y tratando de que este nuevo Juggernaut se pareciera a…
Toda la historia -los doce números que aguantó con serie propia- son como para montarle un posteo propio, así que supongo que ya llegaremos a eso otro día.
Por supuesto intentaron mostrar una mayor diversidad y así tuvimos a personajes como Y, desde luego, intentaron que hubiera secundarios variados, no solo esa versión del Capitán América pero es mujer, también
bueno… también otras posibilidades. Y es que cuando os decimos que hay cosas que podríamos hacer para su propio posteo no nos lo inventamos,
en absoluto.
Aunque supongo que ahora estará más que justificado el posteo.
02) Jack of Hearts (1983-1984)
Desde que en 1976 Bill Mantlo y Keith Giffen le presentaran en Deadly Hands of Kung Fu 22 -cosas de aquellos años- luchando contra el White Tiger -lo que os decía antes- y que el guionista le cogiera cariño y lo fuera arrastrando por títulos que estaba claro que en cuanto pudiera iba a tener su propia serie. O mini, en este caso. Aunque, claro, visto el éxito del único intento de darle seres propia tampoco creo que Marvel vaya a volver a probar hasta, por lo menos, que tengan que renovar los derechos.
03) Amazing Spider-Man Presents: Jackpot (2010) Jackpot (2024) Jackpot and Black Cat (2024)
En Marvel querían tener una superheroína llamada Jackpot y no sabían cómo conseguirlo. Primero fue la presentación de Alana Jobson en 2008 con el Brand New Day con Marc Guggenheim y Greg Land. Dos años después fue lograr intentarían lanzar a Sara Ehter, la segunda, incluyendo esa especie de mini de solo tres números. Que tampoco. En total otra docena de apariciones, como su predecesora. ¿Cómo intentar que la cosa tire?
Pues para 2023 decidieron ir a por todas y convertir en Jackpot a… Mary Jane Watson.
Una decisión -vamos a decir con benevolencia que- controvertida y que sirvió para que en 2024 saliera primero esto
y luego esto otro
lo raro es que Sony aún no haya anunciado película. Supongo que hará falta un par más de intentos para que se la den junto a La Gata Negra.
04) Jubilee (2004–2005)
Por ridículo que suene la única serie propia de Júbilo es esta historia juvenil de Kirkman en los años ’00s. Así que es posible que el truco para que se la dieran era que no se pareciera a ella misma. O que enseñara cacho con ese pantalón tan… tan… Tan.
05) Juggernaut (1997) (1999) (2018) (2020–2021)
Nada se puede comparar al Juggernaut. Y mira que tardó en tener serie propia, porque el personaje apareció por vez primera en 1965, pero no sería hasta 1997 cuando le dejaron hacer un One Shot a un tal… Joe Kelly. Pero debo decir que la auténtica estrella del número, es, sin duda, su dibujante: Duncan Rouleau.
No, yo tampoco sé qué tiene dentro de la boca.
La cosa debió de funcionar lo siguiente como para que dos años después -publicando en medio J2, por cierto- le dieran otro especial en mitad de otro sarao
y luego ya nada en una buena temporada. En 2018, nada menos.
otro follón que llevó a un nuevo intento en forma, esta vez sí, de mini.
Pero se ve que en 2020 no estábamos para que Nicieza y Garney nos dijeran nosequé. Así que aquí estamos… bueno, más o menso.
06) Jungle Action (1954–1955) (1972–1976)
Una historia curiosa. En los años ’50s iniciaron esta colección con cuatro personajes. Lor-Zas, perdón, Lo-Zar… y su águila Hako, perdón… ah, no, se llamaba realmente Hako. Bueno, cosas que pasan. También Jungle Boy, Leopard Girl y el simio -os juro que es un simio- Man-Oo. Sí, sí, Man-Oo… En fin, que no pasaron de seis números.
Pero en los setenta lo volvieron a intentar… más o menos.
Porque tiraron de reediciones de los títulos clásicos y alguno más como Lorna, Queen of the Jungle; Tharn y Jann of the Jungle. Sí, ha habido varias Mujeres de la Jungla en Marvel. El recorrido que ha tenido… bueno, eso ya es tema para otro día.
Sea como sea reeditar tebeos de hace 20 años no funcionó. Claramente no tenían a la prensa de su lado, o no lo llamaron Novela Gráfica o yo qué sé. Porque para el 5.
Y tras darle el espacio y poner bien en grande su nombre podéis imaginaros que, rápidamente, pasó a cambiar el nombre y el resto… No sé yo si es Historia… pero está claro que algo fue.
07) Justice (1947-1957) (1986–1989) (1994)
Justice, cuántos cómics se han cometido en tu nombre…
A veces las cabeceras viven aventuras. Tal es el caso de Justice, que comenzó en 1947 -sustituyendo a Wacky Duck– con FBI IN ACTION para comenzar, en el 4 pasaron a LAW IN ACTION y para el 7 se habían aburrido y ya era solo Justice Comics y para el 13 simplemente era Justice con el que llegaría hasta el 52.
Para el siguiente pasaría a ser Tales of Justice con el que cerraría finalmente en el 63. 10 años de cómics para arriba y abajo.
Casi treinta años más tarde, y con el lanzamiento del New Universe por delante, en Marvel decidieron aprovechar para sacar de nuevo un cómic con ese título.
Es un poco complicado hablar de él porque está claro que fue más interesante lo que pasó entre bambalinas que el título en sí. Y eso que el título duraría nada menos que 32 títulos. Lo que tiene más mérito aún teniendo en cuenta que nadie parecía tener muy claro qué era lo que quería hacer con él y que no había -de manera casi literal- nadie al volante.
Justice comienza con Archie Goodwin a los guiones y Geof Isherwood a los lápices, parecía un intento de hacer un Superman Edgy o algo así. Pero para el segundo el guionista ya había cambiado a Steve Englehart, que iría por otro lado y al que le cambiarían al dibujante por Joe Staton en el 4. El 5 tendría dos dibujantes distintos de los anteriores –Tony Salmons y Tom Morgan-, pero tranquilos que en el sexto volvería el dibujante original como autor completo del número. Y en el 7 Englehart e Isherwood se reunirían de nuevo… por un número, porque el 8 volvía a ser de Isherwood a solas. Lo que da un poco lo mismo porque el 9 tendría a Gerry Conway y Keith Giffen -este último como dibujante- que durarían 3 números en el título… hasta que en el 12 pasaran D.G. Chichester y Tom Grindberg. Si no estáis perdidos intentando seguir tanto nombre es que Marvel no lo ha logrado aún. Sigamos, porque tras este primer año volvieron Conway y Giffen para el 13, Sandy Plunkett y Dave Hoover para el 14 y, finalmente, Peter David y Lee Weeks el 15. Que parece una tontería pero que ahí, POR FIN, logró un guionista que aguantaría hasta el final. Lo que se notó, además, en que intentó establecer una especie de continuidad nueva… en la que no creo que muchos de los lectores estuvieran de acuerdo, porque en aquella enorme cantidad de cabos sueltos -tanto guionistas es normal que a ratos pareciera algún tipo de ‘cadáver exquisito’ editorial- tomó muchas decisiones que en el menor de los casos eran cuestionables. Salvo que quieras escribir un artículo sobre lo que le gusta a PAD matar a mujeres con papeles de secundaria en series. Pero bueno, que hasta el 24 no habría otro cambio, con Mike Gustovich ocupándose del dibujo. Y es que Weeks permanecería el resto de la coleccón, salvo el 28 -que sería de Gustovich de nuevo- y el 32, el último, en el que se encargaría Alan Kupperberg del apartado gráfico.
Dio igual que intentaran mezclarle con otros populares personajes del New Universe como Nightmask, Star Brand o Psi-Force. Pero bueno, PAD le había cogido cariño y se lo llevó, de entre todas las colecciones posibles, a… Spider-Man 2099. En donde más o menos aparecía. La verdad es que quizá deberíamos de hacer un posteo sobre el asunto. Sea como sea en 2006, dentro del ¿evento? de Untold Tales of the New Universe a David le dejaron que contara una nueva historia del personaje. Y lo hizo honrando su legado. Es decir, buscando a un dibujante nuevo: Carmine Di Giandomenico.
Y solo 5 años más tarde, ya en los noventa, llegaría…
Sí, el miembro de los New Warriors -o lo que fuera- tuvo su propia mini aprovechando el lanzamiento del número 50 de la otra colección. Sí, en tiempos había gente que se leyó 50 números seguidos de New Warriors.
La mini de cuatro números no pasaría de ahí, Justice no llegaría a tener cabecera propia, así que para sus fanses -de haberlos- tendrá que bastar esta obra de Fabian Nicieza y Craig Brasfield que podemos certificar como…
…indudablemente noventera.
08) Karnak (2015–2017)
Ese guionista del que usted me habla logró que alguien se leyera 6 números de uno de los Inhumanos en 2015. ¿En la época en la que Ike Perlmutter estaba empeñado en que se hiciera una película de Los Inhumanos? ¿Durante los intentos de relanzamiento de Charles Soule? No sé de qué me habláis.
Pero os diré que ya son más veces en las que ha tenido cabecera propia que Gorgon… O que Medusa.
09) Kathy (1959–1964)
Aprovechemos para señalar que no todas las protagonistas de cómics fueron recicladas. Y eso que Kathy llegó a aparecer en Patsy & Hedy. 27 números duró, que ya es más de lo que pueden decir la mayoría de títulos lanzados en 2024. Y sin decir ACK! ni una sola vez.
10) Ka-Zar (1970–1971) (1974–1977) (1997–1998) (2011) / Ka-Zar the Savage (1981–1984) / Ka-Zar: Sibling Rivalry (1997) / Ka-Zar: Marvel Tales (2021) / Ka-Zar: Lord of the Savage Land (2021-2022)
Otro del que habría que hacer un posteo. Y como no me apetece vamos a limitarnos a hacer el resumen de cabeceras. No porque yo quiera demostrar nada, que va. Simplemente para dejara constancia.
De ahí que no empecemos el cachondeo de series con Astonishing Tales que comenzó en 1970 con una sesión doble bastante peculiar…
antes de decidir que al que preferían tener de protagonista era a Ka-Zar, a partir del número 9
y ahí seguiría hasta 1973 que le cambiaron por IT! –El coloso viviente, no El payaso asesino. Que esto no es DC– pero lo importante es que ese mismo año le dieron serie propia. Así que…
Vamos contar como si fuéramos el Conde Draco. La primera vez fue en los setenta, tres números en la que aparecerían, además, los X-Men, Daredevil y Spider-Man.
Es de suponer que tiraría lo suficiente como para darle su propia cabecera dos años más tarde,
que lograría durar 20 números nada menos. Hasta 1977.
Lo que facilitó que 4 años después se creara una nueva serie, Ka-Zar the Savage,
que acabaría siendo la que más durara, 34 números, nada menos. Hasta el año ’84, con extraterrestres de por medio y más cosas.
Así que mucho cachondeo con La Tierra de los Héroes Cancelados o como la llamen, pero estaba cancelado estilo Famoso USA porque 13 años más tarde apareció un primer one-shot a ver si así…
y, efectivamente, la tercera serie llegó ese mismo año. Y sí, era tan noventero que le pusieron una perilla. Pero ya os digo que el posteo sería otro día, que hoy estamos contando.
Este tercer volumen lograría… otros 20 números. Que no está mal, supongo. Pero que le dejaría tirado en 1998. Eso sí, permitiendo ver la… situación como cápsula del momento también aquí en algún punto.
Pero bueno, que quizá penséis que ahí se cansaron… pero no porque en 2011 lo intentaron OTRA vez.
Eh, los ojos aquí. Una mini de 5 a ver con que nos encontrábamos… Pues con poco. Un par de recopilatorios más tarde y no volveríamos a saber de él hasta
su propio número de Marvel Tales en el que aprovechaban para anticipar que ese año saldría Ka-Zar: Lord of the Savage Land,
por 5 números. Como veis, no han parado de intentarlo. Así que vamos con el resumen del tanteo: 6 series y 2 one shots.
Y ahora vuelvo a recordaros que Medusa no ha tenido NINGÚN cómic propio.
Está visto que no todo el mundo se merece tantas oportunidades. Lo raro es que no haya tenido película, porque ahí habría podido competir con Punisher.
11) Kickers Inc. (1986–1987)
Lógicamente si sacas un New Universe tienes que meter un cómic sobre un equipo de Fútbol Americano con Superpoderes. Quiero decir, si eres Tom DeFalco. Por supuesto el equipo de gente con poderes y cosas raras se dedicaba a otros temas. El número dos, por ejemplo, iba de una señora que contactaba porque había un robot que le está estropeando el jardín, lo que les lleva a enfrentarse con unos pandilleros, terroristas libios y -obviamente- el robot. El siguiente número les enfrenta a otro equipo que se ha metido en la brujería y se dedican a invocar demonios… Por algún motivo le quitaron a DeFalco la colección.
En realidad DeFalco a solas solo hizo los dos primeros, tras el del robot tuvo que escribir el tercero -el de la brujería- con Jo Duffy, el cuarto junto a Terry Kavanagh y Ron Altaville, el quinto con Mark Gruenwald, el sexto lo harían a medias Terry Kavanagh y Ron Altaville y les metería -más o menos- en un secuestro aéreo. Debió de gustar porque pasaron a ser el siguiente equipo… por tres números. En el noveno el absolutamente nada inventado Dwight J. Zimmerman decidió cambiar el concepto y sacar la parte del fútbol, así que cuando en el 10 Maddie Blaustein -que lo firmaría con su dead name– los mandara a Centroamérica no debería de sorprendernos mucho. Pero bueno, solo quedaban dos, otro de Zimmerman y el último, que cerrarían Kavanagh y Altaville mezclado OVNIS y el bigfoot. No le sirvió de mucho PERO al menos terminó como quisieron. Excepto por aquello de que ya no eran un equipo de fútbol.
Pero bueno, creo que de todo esto podemos sacar algo. Y es que si alguna vez habéis querido por fin podéis decir…
¡CHÚPATE ESA, FUTBOLÍSIMOS!
12) Kid Colt (1949–1979) (2009)
Hay gente que no puede escapar a su destino. Por ejemplo Kid Colt que tardó solo cinco números de ser Hero of the West a ser…
Outlaw. De leyenda, supongo. Por supuesto por un malentendido, pero si se cruzaba en su camino podía contratarlo… o algo así. Tanto da porque su serie duró MUCHO. Pero mucho MUCHO. Y gran parte de ella la guionizó una persona: Stan Lee. Cierto. Y gran parta de ella firmó los guiones uns persona: Stan Lee. Hasta el 124, ya en 1965. Que mucho me parece esperar, pero entiendo que tenían que ver que la burbuja de los superhéroes no era más que una moda pasajera. Para el 142 dejaría de seguir el método que usaba hasta el momento -aventuras nuevas (a veces solo una) y reimpresiones, el Método Márvel de Algo Nuevo, Algo Reciclado– para pasar a ser todo reciclado -incluyendo 3 Giant Size que publicarían durante 1975-… y duraría así hasta su cierre en el 229 en 1979.
Seguro que podríamos sacar más posteos, pero lo cierto es que eso implicaría leerme cómics del oeste. Así que veamos qué fue después de Kid Colt.
Pues bien, en 2009 decidieron sacar un cómic -digital, claro- que, bueno…
supongo que se toma muy en serio lo de Kid. Cuatro números tendría esta especie de precuela. Que aparecería en papel en un solo volumen -o como one shot, lo que prefiráis- con un aspecto… diferente.
No debió de entenderse demasiado esto, porque no hemos vuelto a saber de él. Pero vamos a presuponer que para 2039 algo veremos.
Ah, y si os estáis preguntando quién le guionizó en este segundo volumen… Tom DeFalco. Claro que Tom DeFalco.
13) Kid Juggernaut (2024)
Yo no sé qué pasa con el Juggernaut, pero está claro que antes o después lograrán sacarle partido. De momento pensaron que podían intentar algo distinto así que este Juggernaut es el mismo Juggernaut pero no. Porque aquí se trata del nieto del Juggernaut al que Juggernaut arrebató el rubí de Cyttorak. Así pueden tener un nombre clásico con personaje joven, asiático y gay. ¿Qué? ¿Por qué no iba a ser gay? ¿Quién le iba a parar? Total, que le dieron primero una especie de serie suelta en el Unlimited y luego le metieron en los Queervengers. Perdón… en Avengers Academy. Y ahí sigue, de momento. Así que habrá que ver cuál de los tres Juggernauts es el primero en volver a conseguir serie propia.
14) Kid ‘n Play (1992)
Sin duda recordaréis al dúo Kid ‘n Play de temas como… ahm… Bueno, da igual. Pero de House Party seguro que os acordáis. ¿No? … Es una película. Bueno, da igual.. A principios de los noventa todo el mundo los conocía [citation needed] y salían en películas y cantaban sus canciones como… bueno… sus canciones… y les dieron una serie animada y… ahm… Bueno, eso. Un cómic en Marvel. Nueve números. ¡Los noventa!
15) Kid Venom (2024…)
Os juro que no me lo he inventado.
De hecho, el creador de Kintarō, este joven japonés del periodo Heian, llamado como el héroe tradicional -suponiendo que no sea el mismo en otra parte del multiverso- fue el autor japonés Taigami -que resulta que existe y es japonés, ¿ves cómo había interesados, Akira Yoshida?- a partir del segundo número de Death of the Venomverse.
Pero no os preocupéis por ellas, porque todas su páginas de aquello se reunieron en un cómic que, ciertamente, nos da una idea de lo que había dentro:
De momento la serie sigue abierta, probablemente porque solo llevan 3 números publicados. Pero ya os puedo decir que está siendo algo que… bueno, al menos ofrece portadas alternativas -como siempre-.
16) Killpower (1993)
Ah, los noventa. Pero sí, en Marvel UK siempre tienen alguna sorpresa para nosotros. Como darle mini propia a un personaje que empezó de secundario de Motormouth -ya llegaremos a la M– para lograr compartir título a partir del 6, aparecer también En Battletide e, incluso, en Hulk. Esto último a la vez que se lanzaba el primer número de esta mini -suerte de pseudoprecuela de sus apariciones posteriores, o algo-, por aquello de que si cuela, cuela.
A ver si para la próxima Revolutionary War, o como sea, logra un poco más de suerte.
17) Killraven (2001) (2002-2003)
Aunque a Killraven le presentaran en cuerpo y estilista en el Amazing Adventures 18 de 1973, en un follón que acredita a Neal Adams, Gerry Conway -y Roy Thomas, jaja, claro- como guionistas y a Neal Adams y Howard Chaykin como dibujantes.
Seguiría en Amazing Adventures durante poco más de veinte números y luego casi-desaparecería, como pasa siempre en estas cosas. Hasta que en 2001 llegó ese one shot. ¿Sirvió de algo? No. Pero por lo menos estaba entretenido y, bueno, sirvió para recordar las cosas antes del follón de Paradise X, donde volvió a aparecer. Animando a la tradicional reedición que cambia el nombre por si suena la flauta.
[Editada el siguiente párrafo: Gracias a Mr. Pachinko por la corrección]
De manera independiente a esto en 2002 Alan Davis tendría su propia oportunidad como autor completo con una min de seis números sobre el personaje. Con intención de recontar la historia. No pasaría de allá, eso sí.
Conste que no sería el único que se encontraría con algo así, a nada menos que ROB! le metieron en un embolado tras dibujar sobre 2009 los cinco primeros números de una serie -o maxi, o mini, o algo- sobre el personaje. Con guiones de Robert Kirkman, por cierto. Y de los que nunca se llegó a saber más, ni siquiera se intentó poner entre las ‘solicitaciones‘ de Marvel. Así que ya sabéis que si no hay más cabeceras de Killraven es porque en Marvel comprenden que no podríamos soportar su GRANDEZA!
18) Kingpin (1997) (2003–2004) (2016) (2017)
Inexplicablemente -para mí- Kingpin ha tenido su propio comic tres veces. Sí, la primera es esa, por mucho que parezca que los protagonistas son los otros. pero es que Marvel pensaba que en aquel momento que un villano necesitaba de los héroes para vender. Aunque co-guionizaran Stan Lee y Tom DeFalco y dibujara John Romita.
Claro que la siguiente vez fue en una mini…
que parecía querer probar suerte en la era de los antihéroes. Y después, primero con Civil War II…
… y luego con Running with the Devil…
no fue mucho mejor. De nuevo, ya ha tenido más oportunidades que Medusa.
19) Kitty Pryde – Agent of S.H.I.E.L.D. (1997–1998)
El pluriempleo tiene estas cosas. Un día estás en Excalibur, al siguiente Hama te guioniza como agente de SHIELD. Vale, es una mini de tres números, pero aún así. Lograba ser autoexplicativa desde sus portadas.
Ah, y ese Redondo… es Jesús.
20) Kitty Pryde and Wolverine (1984–1985)
Por contra este otro ejemplo de pluriempleo duró 6 números. Y sí, es otra vez una historia con demonios japoneses. Yo qué sé, se ve que tiene un tipo.
21) Kookaburra K (2010)
Lo importante aquí es ese SOLEIL… que no es la firma del dibujante -el dibujante es MUY CLARAMENTE Humberto Ramos– sino de la editorial francesa. Porque esto de aquí es un intento de trabajar juntos para sacar un spin-off de un título francobelga para el mercado americano.
Tres números duró, claro que sí.
22) Kull the Conqueror (1971–1973) (1982–1983) (1983–1985) Kull the Destroyer (1973–1978)
El éxito de Conan llevó a que intentaran repetir la jugada en Marvel con Kull. Aunque, más que eso, sirvió para que fueran cambiándole el nombre. Comenzando en 1971 por Kull the Conqueror, que en el 11 pasaría a llamarse
Kull the Destroyer, con muchas historias que contar…
pero que acabaría en el número 29 en 1978. Pero volverían a intentarlo, primero en 1982 con dos números
y luego ya relanzándolo de nuevo en 1983 por otros 10.
Kull ha seguido apareciendo en los cómics de Conan -el bárbaro, no el detective. Creo- pero de momento no ha vuelto a tener esa posibilidad de protagonizar su propia serie que vivió en Marvel durante década y media. O puede que sea cosa de Marvel. No seré yo quien lo investigue.
Hasta aquí por hoy. Pero ya sabéis que seguimos teniendo mucho abecedario por delante. Habrá que ver cómo responde DC el mes próximo, pero espero que volvamos a Marvel dentro de dos meses. Y que lo que tenemos por delante en la L va a ser una…
¡Un mes más, una letra menos! Listos para ver, de nuevo, todo lo que nos ha ofrecido el Universo DC. Quizá esperabais que la H fuera una letra tranquila. En ese caso os pasaría como a mí y luego recordaríais todos los personajes que empiezan por H. Y eso sin contar a los que no recordaba. Vamos, lo único que me sorprende es que no haya encontrado ninguna cosa rara de Hellblazer que meter aquí. Porque Lady Constantine irá a la L, claro. Pero, vaya, que os puedo aseguraros que si pensabais que la H sería una letra tranquila es que no conocéis cómo se las gastan en DC…
01) The Hacker Files (1992 – 1993)
La primera en la frente. Es difícil hablar de esta serie porque estoy seguro de que hay una historia detrás -o varias, la verdad- sobre lo que estaba sucediendo aquí. Con Sarge Steel como secundario para que veamos que está en el universo DC, nos encontramos a Jack Marshall, hacker extraordinaire, reconocible por una camiseta con una A dentro de un círculo, todo rojo. En los cuatro primeros números le vemos ejerciendo en una trama sobre un virus informático que era capaz de generar todo tipo de maldades como, por ejemplo…
Vídeos falsos que se pueden usar para mover una desinformación lesiva. ¡Ah, el futurismo!
Pero para la quinta meten un par de números a Oráculo para pasear por allá un rato, y luego ya se dedican a mil cosas distintas, desde los malvados comunistas chinos -que son una muestra de un malvado sistema corrupto- a los malvados capitalistas estadounidenses -que son una muestra de que siempre hay alguna manzana podrida por bueno que sea el sistema- pero, sobre todo, procuran integrarlo más en el universo. De ahí que salga en Justice League Quarterly, en un número guionizado por Mark Waid en el que Guy Gardner le baja los pantalones a un menor, lo esperable a principios de los noventa, vaya. Y, por supuesto, la Liga aparece también en la serie regular:
No sé qué más os puedo contar.
Bueno, sí, que el futurismo es importante, no tenéis más que echar un ojo a los momentos que -para los últimos números de la colección- transcurren en una suerte de universo virtual.
Tecnología punta, vaya. De esa en la que rápidamente están hablando de temas que, por supuesto, están muy lejanos. Como cuando el capitalista corrupto se da cuenta de que…
…meter la IA en todo quizá no haya sido la mejor idea.
Pero bueno, eso con dejar pasar una semana y sacar un croufundin se arregla.
Vamos, que yo diría que es una posibilidad para recuperar en una edición a la altura, pero si sacar Batman es ya un riesgo para sus finanzas no os quiero contar una serie sobre hackers en la que no aparece ningún furro.
02) Hammerlocke (1992 – 1993)
Pues aquí estamos, con un intento de lanzar unos nuevos superhéroes… que se quedó en el intento. Y mira que parecía complicado porque lo que tenemos es, por un lado, a un grupo de luchadores ecologistas decididos a todo y, en el otro, a una empresa que está monopolizando toda una serie de tecnologías que incluyen la explotación del universo, mientras hace y deshace con su personal de seguridad.
Por supuesto los malos son los ecologistas. Solo faltaría.
Lo más sorprendente es que con esa portada, entre He-Man y Warhammer, al final sea una obra de ciencia ficción en la que claramente pusieron superhéroes a ver si vendía más. Creo que la respuesta es autoevidente.
03) Hardcore Station (1998)
Aquí estamos con Starlin y sus cosas. Un poco lo de siempre, un malvado malvadísimo. Muy malo y muy poderoso. Pero vamos, muy malo. ¿Que cómo de malo?
Imagina.
Y luego ya un héroe galáctico, una serie de idas y venidas y la decisión de meter a un grupo conocido para el final:
Además de apretar el puño y decidir que volverán a aparecer los dos personajes principales. Que es cierto. El protagonista, Chief Justice Max, y el villano, Synnar -ya os hemos dicho que era Stalin, no esperaríais sutileza por su parte a estas alturas- reaparecerían, el primero en 2006-2007 en Mystery in Space y los dos, en distintos grados de importancia, en 2009 en Strange Adentures y Rann-Thanagar: Holy War. Después de eso solo volvería a DC para Stormwatch, en 10 números que darían para otro posteo. Pero Max y Synnar no reaparecerían. Así que tendréis que conformaros con estas historias.
04) Hardware (1993 – 1997)/ Hardware: Season One (2021 – 2022)
El Dakotaverso. La última frontera. Bueno, en teoría esto es Milestone, el universo de superhéroes afroamericanos de DC. En la que se podían permitir decir las cosas que no decían en otros sitios. Y lo decían alto y claro hasta un punto en el que lo difícil es no publicar el primer número al completo. Así comienza:
Y a partir de aquí se va a contar su propia historia, que os podéis imaginar:
Por supuesto todo lo que hace le lleva a encontrar que el tipo está hasta arriba de mierda, así que su decisión es destruirle por los medios clásicos: La justicia y los medios de comunicación…
Con los resultados clásicos con la justicia y los medios de comunicación, por supuesto.
Y de ahí a crearse una identidad nueva. Menos por ser un superhéroe que para cargarse a este tipo. Bueno, más o menos, por supuesto no va todo el rato de eso, pero sí que es la línea principal: Por el día empleado sojuzgado, por la noche verdadero justiciero.
Sin olvidar la ironía de que el malvado, como todos los jefes, podría haberse salido con la suya tratándole con un poco de respeto y dándole una paga justa.
Por supuesto la MOLINIDAD NOVENTERA es lo único que podríamos decir que tendría que añadirse a la mezcla.
Y lo hicieron.
McDuffie estuvo unos treinta números -aunque con fill-ins, claro- manteniendo regularmente diferente el statu quo de manera que la idea central fuera la persona y no la situación. Y siempre con su particular sentido del humor.
Para el 34 habría un nuevo equipo… que duraría 4 números. A partir de ahí los equipos creativos durarían bastante menos hasta… que en el 45 decidieron contratar a Chichester como guionista. Como era de esperar eso significó que llegaron al 50 y cerraron. Bueno, de hecho fue peor. En el número cincuenta dejan tramas para cerrar y dicen que habrá un número 51 que significaría el cierre de esta serie.
Pero el 51 no llegó a salir en ningún momento.
Y así quedó la cosa. No volveríamos a saber de él hasta que en 2001 le dieran la oportunidad a McDuffie de recuperar a… Static Shock. Sí, en Static Shock: Rebirth of the Cool reaparecía tras 4 años Hardware. Ahí nos lo encontramos en silla de ruedas y aún con Baraki a su lado, pero con Hardware aún existiendo como robot a control remoto.
La prueba de aguas no dio para mucho, así que hasta 2009 no volvieron a intentar probar algo con Milestone. Esta vez en la Justice League of America, en un ‘evento Milestone’ que guionizaba, claro, McDuffie. Pero del que no llegamos a ver gran cosa. Ese mismo año pasaría por The Brave and The Bold a hacer team up con Blue Beetle –Jaime Reyes, que en aquel entonces solo llevaba 3 años en el cargo- (en un cómic guionizado por Adam Beechen) pero que servía para mantener en mente al personaje mientras aparecía la mini (muy mini, 2 números) Milestone Forever en la que McDuffie -claro que McDuffie– aprovechaba para cerrar los asuntos pendientes, hasta el punto de que parece más ese número 51 que faltaba, hasta el punto de que lo que salía en aquella mini de Static da la sensación de ser posterior a esto y no anterior.
Diez años más tarde -un saludo a los abogados de registros- volvía a parecer para Milestone Returns, un relanzamiento con Reginald Hudlin de entre toda la gente posible guionizando el lanzamiento, que por suerte a Hardware solo le mostraba en imágenes sueltas. Pero lo importante es que servía como el relanzamiento esperable del asunto, incluyendo…
Una nueva realidad con una nueva continuidad. Con deciros que no está ni McDuffie guionizando. Esta versión es bastante más… tibia. Menos política. MUCHO menos política. De entrada, no vemos la discusión con el empresario desde el punto de vista del protagonista sino del empresario, además el protagonista está divorciado o algo, y con un hijo que le han puesto porque a saber. También le han puesto un nuevo interés romántico de un viejo personaje que ahora es bastante más dócil, incluso el empresario parece menos capaz. Así que el dejarlo en el sexto número era casi esperable.
Claro que lo siguiente que hicieron fue darle una mini especial compartida
en la que Hudlin -esta vez sí- se dedica a cosas como darle un dispositivo de viajes en el tiempo, un hermanastro secreto y, bueno, esas cosas.
Aunque, por supuesto, luego fueran sacándolo aquí y allá, en el Milestone 30th Anniversary Special, el New Talent Showcase: The Milestone Initiative y… bueno, de momento nada más.
Pero ya volverán.
Siempre vuelven.
Y, mientras tanto, siempre nos quedará McDuffie.
05) Harley & Ivy: Love on the Lam (2001)
El año 2001 era muy diferente a la actualidad. Con deciros que en Nueva York tenían las dos torres en algo que no eran salas de cine. Pero al final uno sabe cómo comienza el año pero no cómo lo termina.
Con deciros que en esta época Harley e Ivy eran ‘buenas amigas’. Y ella aún estaba dando vueltas con el Joker mientras puddin’ trataba de librarse de ella de una u otra manera.
Y, mientras eso pasaba en los guiones, en los dibujos pasaban…
…otras cosas.
06) Harley & Ivy Meet Betty & Veronica (2017)
Parece una camiseta pero es un cómic, y es que alguien pensó que puestos a mezclar personajes lo mejor era hacerlo con estos. ¿Qué es lo que nos quiere dar a entender? Eso será pregunta para otro día, supongo. O, mejor aún, respuesta. Pero dejemos por escrito que esto existe.
07) Harley Quinn and Her Gang of Harleys (2016)
La última de Harley, lo juro. Pero es que esto TENÍA que aparecer. Porque la popularidad de las películas llevó a buscar todo lo posible y eso incluía… Bueno. Eso incluía.
Total, que una vez reunidos unos Mercs for Money… no, espera, distinto personaje mismo procedimiento de las empresas. Bueno, el caso es que este Gang of Harleys… ¿Cómo es posible que no lo llamaran Poker of Quinns? Bueno, da igual… el caso es que tras debutar en las páginas de la serie del personaje acabaron teniendo su propio cómic que incluía hasta una roll call.
El interior es lo esperable -sobre todo con tanto personaje- y tras el sexto número se acabó. Pero eso no significa que no vayan saliendo -al menos algunos de ellos- aquí y allá como secundarios de la serie.
Quién sabe, lo mismo hasta acaban apareciendo en alguna película. Seguro que Gunn puede lograr algo si le dejan hacer una con Harley.
08) Haven: The Broken City (2002)
Por algún motivo 2002 parecía un buen año para estrenar un cómic en el que unos extraterrestres venían a la tierra huyendo de un tirano en su mundo y buscando la alianza de los Est¡DE LA TIERRA! para derrotarle. No querían ser migrantes interplanetarios sino que las fuerzas de La Tierra inva¡MANDARAN APOYO! para restaurar la paz en su país. Su planeta. Quería decir su planeta. Que a los muy tontos no se les ocurriera decir que tenían petróleo es lo que demuestra la falta de visión. Lo cierto es que después del mini follón este -una mini de 9 más dos especiales con la JLA bien visible como principio y final de la historia. Decisiones, decisiones- y ya con la Mission Accomplished no volvieron a aparecer más allá de una visita al limbo de los personajes de cómic olvidados. Imposible saber qué salió mal con el plan.
09) Hawk and Dove (1968 – 1969) (1988) (1989 – 1991) (1997 – 1998) (2011 – 2012)
Vamos a intentar hacer esto, y hacerlo lo más breve posible. Pero no va a ser fácil. Porque hablamos de una serie tocada por la mano de ROB!
Aparecen por primera vez en 1968 en Showcase, en el número 75, como presentación de personasjes.
Dos hermanos hijos de un juez, sufren un ataque y una fuerza misteriosa les ofrece la posibilidad de esta transformación. Tampoco iban a complicarse demasiado. Así Hank y DonHall se convierten en Hawk y Dove o Halcón y Paloma. Halcón es impulsivo y fuerte, Paloma … no sé, atrae a los jubilados y se caga en los coches, supongo. Durar no duró mucho y para el 6 lo habían cerrado.
A partir de ahí se juntan con los Teen Titans, y luego desaparecen. Hasta las Crisis Infinitas que aprovechan para matar a Paloma. Y, como todos sabemos, los muertos de las Crisis Infinitas no podían ser resucitados.
[Mira a cámara]
Así que para 1988 deciden que haya una nueva Paloma, DawnGranger, mujer en este caso, y darle una miniserie para probar.
La miniserie fue un éxito, como no podía ser de otra manera teniendo en cuenta que su dibujante era un más-juvenil-que-de-costumbre ROB! Liefeld.
Al año siguiente tenían ya en movimiento la serie abierta. Aunque con Greg Guler porque no pudieron mantener a ROB! atado.
Kesel & Kesel seguían de guionistas y nos iban contando cómo Halcón cada vez era más impulsivo. De paso ese mismo 1989 montaron un Secret Origins para redefinir ese origen.
Y contar que los que les dieron el poder fueron un Lord del Caos y otro del Orden que…
Ciertamente las implicaciones eran muchas. Teniendo en cuenta que uno – Halcón– representaba al Caos y otro –Paloma– al Orden. Y que daban el poder porque estaban enamorados. Teniendo en cuenta que los originales eran hermanos las implicaciones son dignas de V. C. Andrews.
La serie duraría hasta el 28, hay quien dice que porque tras el follón con la identidad de Monarch a alguien le tocaba ser el enemigo secreto y nada mejor que dárselo a Halcón. Y aparentemente matar a Dove. En realidad todo era un truco de Mordru para hacer sus cosas de Mordru. Y de ahí a Extant. No tengo intención de intentar explicarlo. Pero puedo decir que Extant fue muerto en lucha con la JSA.
Aprovechando lo cual sacaron a unos nuevos Halcón y Paloma (1997 – 1998). Sasha Martens y Wiley Wolverman, sin relación alguna con los Lores del Caos y del Orden. Completamente distintos de los anteriores, vaya.
Duraría poco, de 1997 a 1998 pero solo por 5 números. Bueno, y alguna aparición suelta en algún lado. Pero no mucho.
Sobre todo porque la anterior Paloma no estaba muerta -estaba de parranda- así que en 2005 le buscaron una nueva Halcón, y nada mejor que su hermana Holly. V. C. Andrews y todo eso. Pero no en su propia serie sino en los Titanes, claro. Y sí, Hank y Don habían sido sustituidos por Holly y Dawn. Debe ser cosa de las aliteraciones. Por supuesto esto significó que había que traer a alguien especial para dibujar un par de episodios.
Qué os voy a contar.
Pero no nos despistemos. Durante Blackest Night (2009 – 2010) el antiguo Halcón sería resucitado, asesinando a la nueva Halcón. Que sería resucitada a su vez para que ambos persiguieran a Paloma. ¿Y el viejo Paloma? Dijo que gracias pero no gracias.
En serio, puede que hubiera aparecido como ‘resucitado’ en la Guerra de los Dioses o por el Brother Blood, Pero aquí decidió que pasaba. ¿Porque no estaba realmente muerto? ¿Porque hay una relación entre sus poderes y la Blackest Night? ¿Por algún motivo concreto? Pues ni idea porque para qué. Sobre todo porque la cosa termina con la posibilidad de resucitar a gente, lo que lleva a que vuelva a la vida Halcón.
Pero el antiguo.
Ya, yo tampoco acabo de entender el mecanismo, sobre todo porque esto significa que la segunda -¿tercera?- Halcón, Holly, es la única que jamás ha estado en una cabecera propia.
En realidad todo esto da un poco lo mismo porque rápidamente (en 2011) llegan los New 52. Y eso significa
Más ROB!
Durante 8 números (2011 – 2012) ROB! demostraría lo que daban de sí los personajes con un estilo solo comparable al suyo propio. Una situación que hizo que, lógicamente, no volvieran a tener cabecera propia. Porque a ver cómo superas esto.
Los personajes, eso sí, siguieron. Ahora eran parte de los Titanes o de Aves de Presa -sí, Hank también- o de lo que tocara. En su nueva continuidad Dawn es la segunda Paloma. El hermano de Hank, Don, había muerto en condiciones… condiciones. Y Holly, la hermana de Dawn, ni estaba ni se le esperaba. Bueno, miento. Aparece, sin explicación alguna, en un número de Dark Nights: Death Metal. Esta era la versión rápida y sencilla de su continuidad, ¿recordáis? Así que… ¿Qué os puedo decir?
Son los taquiones, que lo enturbian todo.
10) Hawkgirl (2023 – 2024)
Como decía cuando hablamos de Galaxy hace unos meses, Jadzia Axelrod tuvo la oportunidad de regresar al personaje – con Amancay Nahuelpan a los lápices – cuando le encargaron el segundo volumen de Hawkgirl. Y ella decidió hacerlo con un giro sobre lo que se podría esperar del personaje.
Eso sin contar que es el segundo volumen porque el primero apareció como un cambio de nombre de la etapa más extensa… de Hawkman. Que llegó hasta el 50 para pasar a ser Hawkgirl hasta su cierre en el 66. Así que esta se merecía también su propio título, con sus propios temas y, por supuesto, su propia familia encontrada.
Y como terminó en 2024… Quién sabe si no veremos más de ella en algún momento.
Ah, no, no. Después de Halcón y Paloma no tengo intención ni siquiera remota de intentar hablar de Hawkman. Vamos a ir aún más a lo básico:
Para 1989 la nueva continuidad postCrisis estaba lo suficientemente montada como para ir recuperando a los héroes del pasado con un nuevo estilo. O algo. Ya se había hablado de un Hawkman que era un héroe del pasado, y de ahí la idea de poner una serie en el pasado, preparando el relanzamiento y probando a ver lo que se encontraban.
Y fue un exitazo. Enorme. Tanto que decidieron reunirse y ver qué hacían. Y en lugar de sacar una serie de Hawkman en la que hubiera un nuevo Hawkman decidieron seguir con Hawkworld y que la serie ya no transcurriera en nuestro pasado, sino en nuestro presente. Total, ¿a quién le importan un poco más o menos de continuidad?
Así que la serie siguió.
Esta vez con Tim Truman compartiendo la labor como guionista con John Ostrander, y luego, a partir del 10, ya solo con Ostrander. Que duraría como guionista del título hasta su cancelación en el 32. En 1993. Porque había que relanzar a Hawkman pero MÁS NOVENTERO. Es decir:
Sí, esas son tintas metálicas. Pero quizá no ha quedado suficientemente claro, pasemos a la portada del número dos:
Podemos hacer un repaso pero ya os digo yo que Mullet + Garras + Pinchos + Pendiente = Los 90s.
Y sí, el guionista sigue siendo Ostrander. 6 números duró. Luego hubo un par de números de relleno de Paul Kupperberg y la llegada del nuevo guionista fijo: William Messner-Loebs. Ya, bueno, la idea de DC de lo noventero era peculiar, claramente. Pero del 8 al 27 estuvo al pie del cañón. Y luego ya un par de guionistas más hasta su cierre en el número 33 con Christopher Priest al mando.
Y con esto creo que suficiente he dicho sobre el tema.
12) Haywire (1988 – 1989)
La incansable búsqueda de nuevos héroes o nuevas historias o nuevos modos de contar… bueno, os hacéis a la idea… lleva a obras como esta Haywire que es puro decompressive storytelling décadas antes de que eso fuera lo normal. En el primer número casi no sabemos nada, al personaje central le vemos convertirse en su alter ego por primera vez en el cuarto, hay una vaga explicación en el séptimo, a partir del once intentan ponerse a explicarlo y para el trece cierran la historia de una manera que no parece cerrar una historia.
Mientras tanto van dejando estas cosas por el camino:
Porque está claro que si algo está sobrevalorado es tener un guión. ¿Quién necesita algo así cuando puedes estirar la historia de un one shot durante trece números y meter a todas las señoritas ligeras de ropa, orientalismo ful y roboces más-o-menos además de daddy issues que puedas venderle a DC sin que sepan qué es lo que ha sucedido?
13) The Heckler (1992 – 1993)
Lo lógico sería pensar que si Keith Giffen se pone con un héroe con este nombre y estilo tendríamos algo divertido. Y no es que Tom y Mary Bierbaum fueran a hacer nada por impedirlo. Pero alguien decidió que en una serie de estas características las páginas tenían que ser de 3×3 viñetas. No era la mejor de las decisiones posible y a nadie pareció importarle mucho porque, bueno, fue cancelada sin muchos miramientos y el personaje no apareció más que en el fondo de alguna cosa un par de veces. Supongo que hay toda una lección que aprender aquí, pero no seré yo el que la saque.
14) Hercules Unbound (1975—1977)
Parece que siempre hay un hueco para Hércules. En este caso como serie de 12 números en los que se pretendía presentar un futuro apocalíptico – Tercera Guerra Mundial incluida- que llevaría al héroe a vagar por ella para… bueno… para sus cosas. Acompañado de un joven ciego y su perro. Y metiendo a los Atomic Knights o a bichos de Kamandi. Por aquello de que lo mismo colaba. Gerry Conway y Jose Luis García-López con Wally Wood como entintador durarían los primeros seis números. A partir de ahí el dibujante sería Walt Simonson y en los guiones tendríamos a David Michelinie tres números y los otros tres a Cary Bates. Para el noveno número Bob Layton sustituyó a Wood como entintador. Y los dos últimos ya los hizo Simonson por completo. Tanto cambio no es que le sentara muy bien a la serie, especialmente el de guionistas, pero tampoco era como para que años después se dijera que todo había sido una ensoñación del Atomic Knight de nuestra era. De todas formas la explicación oficial pasó a ser que era parte del multiverso, desaparecido con las Crisis y reaparecido tras las Final Crisis. Vamos, que si lo quisieran usar lo usarían, que no lo usan porque no quieren, eh. Nada de abogados, es que no. quieren. ellos.
15) Hero Hotline (1989)
El asunto comienza en Action Comic Weekly, una cabecera semanal -claro- en la que iban apareciendo y rotando múltiples héroes más allá de Superman. Uno de esos héroes… bueno, más bien un grupo… fue estos Hero Hotline que tenían un tono fundamentalmente humorístico y, hasta cierto punto, antiheróico. Parecían héroes con poderes más o menos útiles en los que el único realmente conocido era Mr. America / Ammericomando, ahora bajo el nombre de The Coordinator y, a su vez, el encargado de establecer quién se iba a ocupar de qué. Y, por tanto, actuando como una voz al más puro estilo Charlie antes que como un personaje visible más.
Cinco semanas más tarde sus aventuras dejaron de aparecer en Action Comics Weekly y en cosa de mes y pico aparecen en su propia cabecera en forma de mini de seis y en la que la estructura de las historias permanece.
Por supuesto el orden cronológico no es el orden real. En el propio primer número de la mini lo explican. Cuando los jefes vieron los primeros números pensaron que sería buena idea montar esa aparición en ACW para darle un poco más de publicidad. Así que les tocó improvisar una ‘precuela’ que los lectores verían como un primer contacto.
Lamentablemente ni por esas lograron que la serie continuara. Y es una lástima porque es el tipo de mezcla entre superhéroes y comedia de compañeros de trabajo (juicios incluidos) que demuestra funcionar mejor que… Powerless, por ejemplo. Pero bueno, quizá en algún momento alguien decida acordarse, o recuperarla, y entonces…
… los hijos de Microwabelle la vean como muñeco hinchable en un desfile de Acción de Gracias. Cosas más raras han sucedido. Y la verdad es que se lo merecen. Casi tanto como una edición recopilatoria en condiciones. (Risas)
Por un lado, creo que la media de edad general facilita que todo el mundo conozca este cómic o sepa, al menos, que tiene ese sentido del humor y conocimiento de los superhéroes de Ennis que creó gags inolvidables como que los supes no llevan bolsillos con dinero en el traje.
Por el otro, supongo que merece la pena mencionar al personaje más exitoso salido de Bloodlines. Más de 60 números de serie propia, un cruce breve con la JLA – en el que tenía lugar ese otro de usar rayos x con Wonder Woman. Ah, que pícaro muchachuelo. – y otro con Lobo
algún spin-off y, bueno, el final esperable para un personaje salido de Bloodlines. No es que tenga intención de dedicarle mucho más tiempo, pero está claro que tenía que aparecer en este listado.
17) Hourman (1999 – 2001)
El primer Hourman fue creado en 1940. Desde entonces hemos tenido a Rex Tyler, Rick Tyler y Matthew Tyler. Pero no Steven Tyler. Ha sido parte, entre otros, del All-Star Squadron, la JSA, los Freedom Fighters y la JLA. Y, sin embargo, no tuvo un título propio hasta 1999. Y no volvió a tenerlo después.
Teniendo en cuenta que esta serie iba del Hourman que era un androide (Matthew Tyler, inexplicablemente no Ratthew Tyler) aprendiendo a comportarse como una persona normal junto a «Snapper» Carr -pero poco- y viviendo aventuras de esas en las que arreglar una cosa es estropear la siguiente, con un tono un tanto humorístico y… ¿cómo decían en los dosmiles? Ah, sí… desenfadado. Lo que, supongo, facilitó que llegara hasta el 25. Aunque no que pasara de allí.
18) Human Bomb (2013)
Jimmy Palmiotti y Justin Gray estaban empeñados en sacar algo más de los Freedom Fighters, así que lograron una mini de cuatro números para varios de ellos, incluido Human Bomb. Un personaje que, en realidad, era alguien distinto.
Distinto al original aparecido en 1941, quiero decir. Ese era Roy Lincoln, creado para Police Comics de Quality, una de esas editoriales que DC compró. En este caso en 1956. Cogieron lo que quisieron y luego ya, con tiempo, fueron recuperando más cosas.
Por eso fue en los ’70s cuando montaron la creación de una Tierra X en la que los Nazis ganaron la guerra. Excepto que ese sería el Roy Lincoln de Tierra 2. Bueno, de Tierra X pero que fue a parar a Tierra 2. Yo qué sé. Por supuesto ese segundo Roy Lincoln acabaría cuando llegaran las Crisis Infinitas.
Siendo sustituido por otro Roy Lincoln que debutaría esta vez en el 60 de All-Star Squadron, en agosto de 1986. De nuevo parte los Freedom Fighters y que acabaría siendo víctima de la Infinite Crisis. Qué os voy a contar. Estas cosas pasan.
¿Y no hubo más Roy Lincoln? Pues claro que sí, que esto es DC. Con deciros que reapareció en Dark Nights: Death Metal (2020 – 2021). Y como esto es DC su primera aparición fue en el 5 y su muerte en el 2. Ah, no, no pienso ni intentar explicarlo.
Por supuesto se ha vuelto a hablar de él porque en 2023 apareció de nuevo, dentro de The New Golden Age, su sidekickCherry Bomb. Ya, bueno, cosas. El caso es que ahí está en esa JSA que ha visto algún número publicado en 2024. Deberíamos de hablar de los problemas para sacar números de esa gente, la verdad….
¡Pero bueno! Estábamos hablando de Human Bomb. Supongo que os estaréis preguntando cuál es el Roy Lincoln que tuvo serie propia. Teniendo en cuenta que la Infinite Crisis ocurrió en 2005 – 2006 y este cómic es de 2013. La respuesta es obvia: Ninguno de ellos.
El asunto es que ese 2006 vio la aparición durante La Batalla de Blüdhaven de un nuevo Human Bomb: Andrew Franklin. Que se uniría también a los Freedom Fighters. Aunque luego llegara la Final Crisis y… Bueno. Dio igual porque al final volvieron a reunir a la banda. Y ahí estaba, en el aquel último número del segundo volumen de los Freedom Fighters de julio de 2011.
Por supuesto él tampoco sería este Human Bomb.
Como decía al principio, Justin Gray y Jimmy Palmiotti querían más Freedom Fighters. La idea parecía sencilla, montarlo a partir de SHADE, con el Uncle Sam siendo Sam Wilson. ¿Cómo que no os suena Sam Wilson?
Seguro que ya os suena.
El asunto es que intentaron montar unos NUEVOS Freedom Fighters con unos nuevos Lady Phantom, Doll Man, The Ray y, claro, Human Bomb. Unas minis que llevarían a las aventuras de ese nuevo grupo. Y en la que conoceríamos al nuevo Human Bomb: Michael Taylor. Un antiguo sargento de marines que había vuelto a la vida civil trabajando en la construcción hasta que se descubría que había sido usado como experimento por los extraterrestres para convertirle en una… bueno, os lo podéis imaginar. Cuatro números más tardes parecía haber reventado la conspiración extraterrestre, soltadas algunas ideas peculiares sobre la gente que se hace saltar por los aires y los extraterrestres y, finalmente, era presentado a los otros miembros del nuevo equipo. Preparados para una nueva serie…
Que nunca llegó. La siguiente vez que viéramos a los Freedom Fighters sería en 2019, en su tercer volumen, con otros creadores y un nuevo vistazo a Tierra X. De hecho aparecía Roy Lincoln… para ser asesinado de inmediato y ser sustituido por otra persona distinta más: David Mathis.
Qué os puedo decir, está claro que en DC está lleno de bombas. Humanas.
19) Human Defense Corps (2003)
La idea de mezclar un tebeo bélico con un elemento fantástico no es precisamente nueva, pero la forma en la que Ty Templeton decide comenzar mostrando a los soldados como carne de cañón para ir construyendo una pequeña trama durante esta mini que sirve sobre todo para intentar mostrar algún tipo de explicación a de dónde salen todos esos soldados humanos que aparecen en las invasiones de todo tipo que aparecen en la Tierra y que tienden a ser rápidamente barridas con un alto número de bajas.
20) The Human Race (2005)
Atended a esto: Una fraternidad creada para mantener el ADN de la humanidad. La aparición de un virus xenomorfo. Y toda una serie de híbridos salidos de haber olvidado que Giger ya llevaba un tiempo. Vamos, hasta Species llevaba ya un tiempo para entonces. Pero el terror corporal siempre ha estado ahí, y si la nueva carne puede tener origen extraterrestre. Lo que pasa es que no se acaban de decidir y van liando el asunto hasta acabar sacando a la JLA para una de las viñetas más hilarantes que he leído jamás en DC:
Por supuesto ellos probablemente no querían que fuera casi cómico, pero la idea de que Superman de entre toda la gente, con el Detective Marciano ahí al lado, esté dando una rueda de prensa asegurando haber usado rayos x para comprobar el ADN de la gente de un pueblo para evitar parásitos extraterrestres y, por supuesto, asegurar la salvaguarda de la raza humana… Quizá es con el poder de la ironía con el que esperaban derrotarles. Pero bueno, como tampoco es que ninguno de los personajes implicados haya vuelto a aparecer por DC no es como si tuviéramos que dedicarle mucho más rato.
21) Human Target (1991) (1999) (2002) (2003 – 2005) (2010) (2021 – 2022) // Tales of The Human Target (2022)
Estas cosas pasan. Un día eres Christopher Chance,un personaje creado por Len Wein y Carmine Infantino para un número de Action Comics (El 419 de 1972, concretamente) -al menos si no consideramos al personaje de mismo nombre pero distinto comportamiento y personalidad secreta creada en un número de Detective Comics (el 201 de 1953, concretamente) por Edmond Hamilton y Sheldon Moldoff–
y casi veinte años más tarde, en 1991, la editorial ha vendido tus derechos a televisión y decide darte un cómic especial. El primero con tu nombre. A la espera de ver qué tal lo hacía el tebeo, y cómo salía la serie.
Que tardaran casi una década, 1999 esta vez, en intentarlo de nuevo supongo que es lo suficientemente elocuente.
Esta vez con Peter Milligan a los guiones y Edvin Biukovi´c dibujando. Una mini de cuatro y para Vértigo, nada menos. Pero con suficiente éxito como para repetir, primero como historia única en 2002 ,
después en 2003 como serie abierta.
En ambas ocasiones volvía Milligan pero esta vez el acompañamiento lo hacía Javier Pulido.
Y sí, volvía a ser el Christopher Chance que había aparecido en Action Cómics. No el Fred Venable de Detective Comics, ni aquel Detective Perry de un número de Gang Busters. No. Christopher Chance, que apareció en esa serie pero luego salía también de cuando en cuando en Detective Comics o Batman. Da igual que la primera serie presentara a un teórico continuador de Chance en Tom McFadden. Ya parecía claro que Human Target era Christopher Chance.
Pulido haría los 5 primeros números, los 5 siguientes serían de Cliff Chiang, a partir de ahí irían contrapeándose: Pulido los 3 siguientes, Chiang los 3 de detrás. El 17, eso sí, sería para Cameron Stewart. Pero detrás vendría Pulido para el 18. Y Chiang para ocuparse del 19 al 21. El último número que salió. Ya en 2005.
Y la cosa podía haber quedado ahí. O podía haber regresado en algún momento. PERO.
En 2010 volvió a pasar otra vez lo mismo. Otra vez la tele.
Y, por supuesto, ese mismo año volvió a pasar otra vez lo mismo.
Aunque esta vez como miniserie de seis números. El éxito de la serie se puede medir en que en 2011 tuvo lugar el reboot The New 52 y si se descuida a Chance no le afecta. Porque no volvió a tener serie hasta 2021, cuando Tom King se empeñó en hacer una maxi para Black Label.
Y no contento con eso sacó un especial, Tales of the Human Target, en mitad de la etapa anterior también en 2022. ¿Para darle tiempo al dibujante? No tenéis pruebas.
Pero bueno, uno nunca sabe con Chance cuándo será la siguiente vez que aparezca. Más aún viendo cómo está funcionando ahora lo de las series de televisión.
22) The Huntress (1989) (1994) (2011 – 2012)
Imaginad. Sicilia, 1977, una joven de enormes pechos…
…es presentada como The Huntress, una mujer con un secreto. El secreto era que estábamos en Tierra 2 y ella era la hija de Batman y Catwoman. Helena Wayne. Ese mismo mes aparecía también en All-Star Comics 69, de entre todos los números. Que ya tenía su gracia porque había habido una Huntress antes.
Paula Brooks había sido primero la Tigress, combatiendo junto con los Young All-Stars. Pero, como pasa en estas cosas, fue asesinada. Y luego revivida. Y cuando reaparece lo hace como la villana Huntress. Luego ya volvería al nombre Tigress y se casaría con Sportsmaster y… Bueno, más cosas.
Pero lo importante es que ahora había una nueva Huntress. Que iría apareciendo por Batman Family, Infinity Inc. o Wonder Woman. Y entonces llegaron las crisis. Por supuesto en las postCrisis no podía ser que Batman tuviera una hija. Lo que nos lleva a la aparición de la primera serie.
En The Huntress (1989) -el cómic con la portada de la heroína con el pelucón que hemos visto debajo del nombre- conocemos a Helena Bertinelli, única superviviente de una cena familiar. Que es más que comprensible, pero es que hablamos de una familia mafiosa. Iría viviendo aventuras relacionadas, más o menos cortas, hasta que en el 17 aparece por primera vez por la serie Batman. En una historia que acaba con Huntress teniendo… pensamientos.
Y que marca, además, el final de su serie regular. A partir de ahí pasaría a aparecer como secundaria en otras series como Robin, Detective Comics o Batman Chronicles. Y para 1994 Chuck Dixon pasaría por ahí.
Sí, ya eran los noventa. Y Michael Netzer estaba más que dispuesto a demostrar su estilo. Al fin y al cabo tenía una idea hasta para las portadas de la mini:
Después de esto ya sabemos, minis compartidas, grupos como Birds of Prey, secundaria de la Bat-Familia, blablabla. Incluso un Año Uno en el que considera hacerse monja. Que es lógico, porque infunden el temor en los corazones etc. Pero nadie está preparado para algo tan aterrador.
Ya en 2011 Paul Levitz quiso guionizar otra mini, y a ver cómo le decían que no.
Levitz no dejaba de ser co-creador de Huntress, de Helena Wayne concretamente. Pero, claro, la serie se iba preparando mientras en DC se estaban metiendo en el fregado de la New 52. Así que aunque originalmente estaba pensado que fuera Bertinelli la protagonista. De ahí el que los malos fueran la mafia, matara gente o llevara una cruz. Pero entonces en DC decidieron cambiar las cosas. Ese ser llamado Eddie Berganza saca una columna en la que dice que es Wayne, y parece que los cambios para adaptarlo -aprovechando que en la editorial habían lanzado el título Earth-2 para relanzar (?) la JSA – empiezan a partir del segundo o tercer número de los seis que tiene la mini. Una situación particular que llevaría a que la versión de Bertinelli regresara en Batwoman. Y que esta mini tenga un personaje central y un trasfondo que es una juerga porque va a bandazos.
Por supuesto después de esto las cosas siguieron siendo complicadas porque en Tierra-2 estaba Wayne y en la nuestra, Spiral mediante, aparecía una Bertinelli que era más espía que otra cosa. Distinta de la justiciera tipo ‘mataron a toda mi familia’ postCrisis. Pero esto es el DC post-New 52 y ya sabemos que es como uno de esos restaurantes de cinta. Solo hay que esperar mientras ves pasar continuidades y remakes a que llegue una que te interese. En Rebirth y Lazarus Planet vuelve a ese punto de ‘externa a la Bat-Familia porque sus métodos son muy sucios para Batman‘. Tenga o no que ver con los Dark Nights: Death Metal o como se llame la última crisis.
Y, mientras, el cierre de Earth-2 acabó solo parcialmente con la desaparición de Helena Wayne. Porque una nueva versión reapareció en Stargirl Spring Break Special y, sobre todo, The New Golden Age y más concretamente la nueva JSA,
en la que es un personaje del futuro que vuelve al pasado porque el guión lo requiere y acaba teniendo que quedarse en nuestro mundo pese a que sus acciones parezcan haber cambiado ese momento en el que ella nacía como hija de Batman y Catwoman.
¿Qué queréis que os diga? Al final esto de los cómics de supes es como los caballitos: Siempre son los mismos, dan muchas vueltas entre ruidos y luces, y al final acabas donde empiezas.
Hasta aquí por hoy. Pero ya sabéis que seguimos teniendo mucho abecedario por delante. Que espero que volvamos a DC dentro de dos meses. Y que lo que tenemos por delante en la I va a ser, en dos palabras…
Debo admitirlo, me encanta la publicidad de los comic-book de aquellos años.
También comprendo que alguna gente piense que son frikadas, que estas cosas hoy día no…
Claro, claro.
Y una de las cosas que más sigo admirando es la implicación gubernamental en introducir píldoras educativas para la juventud lectora.
Es de esa remota época que extraigo el pasatiempo de hoy.
Sé que en la época actual esto triunfaría más añadiendo en cada viñeta lo de «Sólo respuestas incorrectas«, pero debemos ser conscientes de que este era el material con el que se educó una generación.
Aunque viendo el resultado, igual estos tebeos tampoco se vendían tanto como creíamos.