Desde aquí repartimos ideas y conceptos para la manipulación creativa y el abuso cultural. Somos el diario de lo genial, y el pensamiento de lo imposible
Lo malo de tener ideas es que a uno le toca luego remangarse, así que de ‘vaya, debería hacer un repaso por los cómics dedicados a Sherlock y los Holmes‘ acabamos siempre en ‘se me ha ido de las manos’. Pero, claro, ¿no sigue siendo un tema interesante en una época de tanta versión y giro? Es decir, si en Sherlock Holmes en el Siglo XXII podíamos tener un Sherlock descriogenizado, un robo-Watson y una Lestrade no veo por qué los cómics no pueden habernos traído niveles semejantes de GENIALIDAD!
Y puedo deciros que, una vez revisado todo… Claro que lo hay.
Pero ya llegaremos allí. De entrada vamos por el principio. Las primeras tiras cómicas que salieron de Sherlock Holmes aparecieron en 1930.
La verdad es que casi parece un exceso llamarlo cómic, y lo cierto es que no duraría más que unos meses, para 1931 plegaría aquello. Pero bueno, el Bell Syndicate distribuía, Leo O’Mealia dibujaba. Y los guiones… pues os podéis hacer a la idea.
La primera tira era del 28 de julio de 1930 y Sir Arthur Conan Doyle había muerto el 7 del mismo mes. Así que es posible que estuviera en marcha ya y no fuera un ‘herederos en acción’. Al fin y al cabo hubo otros proyectos -como el proto Detection Club– que se quedaron dando vueltas.
Quién sabe. En cualquier caso el siguiente intento tardaría casi veinticinco años.
Es decir, si no contamos que en 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, el Captain Marvel Jr. 2 de Fawcett vería la aparición de un invitado especial.
(Si os estáis preguntando si después hubo cambios en la retrocontinuidad… ya os voy diciendo que sí y que claro. Esos mismos años ’40 Kid Eternity le tuvo de invitados unas pocas veces, y así se explicó su aparición en la de Marvel Jr.)
Y, bueno, si no contamos tampoco el Sherlock López (Y Watso de Leche) que Gabi comenzaría a dibujar en 1943 y seguiría siendo publicado con más o menos trompicones hasta los setenta.
(Y sí, antes de esto habían aparecido otros títulos ‘detectivescos’, igual que lo harían después otros. Pero lo del nombre ayuda, aunque es cierto que por esa década estaría también Pepe Carter, que luego pasaría a Pepe Holmes, que siempre es un lío porque por esas fechas hubo también un Pepito Holmes. Pero uno era de Puigmiquel y el otro de Castanys. De todas formas años después hubo un Sherlock Gómez y un Sherlock Pómez (de Palop). O, al menos, eso dicen que decía Cuadrado en The Stranded. Que yo voy a fingir que es algo que existe y no algo que se inventó Molina Fuet hace unas décadas.)
(Pero, claro, si a eso vamos la primera versión humorística fue en… 1893 con Chubblock Homes a la que seguirían Padlock Bones, Culock Holmes, Sherlock Guck,Sherlocko the Monk, Harkshaw the Detective y, por supuesto, Sherlock Holmes Jr. -de la que hablaremos más adelante-. Entre otros.)
(Y John T. McCutcheon le sacaría ocasionalmente en sus chistes gráficos, claro)
En los cuarenta los famosos Clásicos ilustrados se encargarían de alguna de sus historias. No serían los únicos, Hispanoamericana adaptaría también alguna aventura en sus cuadernillos -a manos de Ripoll-.
El primero de estos cómics (que tenga yo apuntado, ya sabéis: todo está sujeto a rectificación posterior, que una cosa es manejar distintoslistados y otra que estén bien, igual que no puedo/ quiero mencionar todo, aunque podéis echar un ojo a mis apuntes si os apetece verlos), el primero de esos cómics, decía, apareció en 1944 y, francamente,
yo habría puesto la misma cara.
(Por cierto que en el Batman 28 de 1945 Alfred conocería -y tendría una cita- con una policía, Shirley Holmes. La cosa no pasó de ahí. Al menos que sepamos.)
En 1946 sería en Flash Comics donde saldría, concretamente en el 69, en la historia de Hawkman. Y hay que decir que le calan desde el principio.
Eso sí, pronto encuentran un punto común para trabajar
Y así tiene otro ‘último caso’.
De 1954 a 1956 hubo una segunda tira hecha por Edith Meiser y Frank Giacoia
con dominicales incluidas,
aunque, como decía, no duró demasiado.
Por supuesto esto no impidió que en 1955 la Charlton intentara, a manos de Joe Gill y Bill Molno, sacar una colección.
Tres aventuras en cada número que duraron… dos números.
Pero eso solo supuso unos años hasta que alguien lo intentó de nuevo. Esta vez en 1961 fue Dell Comics con Frank Giacoia de nuevo y Bob Fujitani, pero no era reeditar tiras, estas New Adventures of Sherlock Holmes traían historias nuevas…
y duró, de nuevo, dos números.
Ese mismo año, por cierto, le ‘convocaron’ nada menos que al Action Comics 283.
Un lustro y un poco más tarde sería Look and Learn el que decidiera hacer su versión de los clásicos ilustrados, de nuevo un par de números. Y si creáis que la cosa no podría ir a peor es porque no habéis visto lo de Pendulum Press hizo en los setenta. Aunque no fueron los únicos, claro, porque en Alemania sacaron en 1971 otro cómic humorístico, Sherlock Holmes und das Geheimnis der blauen Erbse.
Mientras que Novaro comenzó su propia serie de cómics en 1971 que… bueno…
¿Qué podemos decir de Novaro que no sepamos ya? Desde luego su acercamiento al asunto fue…
particular. En fin, una fidelidad en las adaptaciones absolutamente indiscutible.
Y aún quedaba, porque en 1975, dentro de la revista Madhouse, de la Fawcett, se publicó una historia que demuestra que, en realidad, el tiempo es circular y los taquiones poderosos. Porque os puede sonar novedoso pero ahí apareció la obra de Marvin Channing y F. Thorne…
¡¡¡SHERLOCK HOLMES CAZA-VAMPIROS!!!
Por supuesto este mismo 1975 vio a DC decidirse a tomar cartas en el asunto. Si creíais que lo de Cazavampiros era Una Cosa esperad a ver lo que pensaron estos, que fue…
..enfrentarlo a El Joker, claro.
Y después decidieron darle su propio cómic.
Que esta vez no duró dos números.
Duró solo uno.
Pero ya sabéis aquello del Culo Veo, Culo Quiero así que para el año siguiente Marvel…
…se llevó a Sherlock Holmes a protagonizar algunos Marvel Preview.
¿Que cuántos? Pues cuántos van a ser…
Dos, claro. (Y no, no es un mandril. Es un sabueso)
Claro que DC estaba preparada. Con un disco. No os digo más.
(Bueno, os digo que el dibujo es de Jose Luis García López, que el 26 de este mismo mes de marzo cumple años. Por si lo queréis apuntar. O votar a algún Gran Premio aprovechando que sigue vivo y esas cosas)
(Y tranquilos que de Mylock Bloodstalker no vamos a hablar hoy)
(Aunque sí que podemos hablar de este Son of Sherlock Holmes de 1977
en el que, con pasmosa tranquilidad, se inventan a un detective que ‘podría’ ser el hijo de Sherlock. Y a tirar millas.)
De 1976 a 1977 tendría lugar la última de las tiras del personaje, Mr. Holmes of Baker Street de Bill Barry. De nuevo, sin mucho éxito. Aunque una década más tarde serían recopiladas y vendida como una… Graphic Novel. Hay cosas que nunca cambian.
Al año siguiente, en 1978, una versión de Holmes regresara a DC en el DC Special 8, un The Brave and the Bold especial con Batman, Deadman y el Sgt. Rock. Dándole pistas a Deadman para que ayude a Batman.
En 1979, aprovechando el estreno de la serie televisiva Sherlock Holmes and Doctor Watson sacaron una versión en cómic con cuatro historias nuevas y fotos de la serie en la portada. El cómic no tuvo continuidad, y la serie no llegaría a tener una segunda temporada. O quizá por ello mismo.
Ese mismo 1979 sería nada menos que René Pétillon el que publicaría una parodia, Le chien des Basketville:
Y así, mientras seguían las adaptaciones clásicas y seguían surgiendo curiosidades -como que en 1983 Bruce Jones decidiera montarse una historia para vender al cine junto con April Campbell, por aquello de que puedes publicar los storyboards y decir que son un cómic, eso sí, aunque la historia fuera ‘hitchconiana‘ el título era Somerset Holmes. Y, de alguna manera pasó de Pacific a Eclipse pese a ser una mini de seis-, aparecían aún en Eternity Scarlet in Gaslight en 1987, parte de unas aventuras inventadas por Martin Powell y dibujadas por Seppo Makinen que continuaría un par de años después con A Case of Blind Fear. Si la primera era contra Drácula y Moriarty la segunda sería contra el Hombre Invisible y Sebastian Mora. No sacaron más. Aunque, eso sí, fue reeditado en tomo.
[EDITADO: Por sugerencia de Pablo vamos a añadir aquí algo que ya habíamos sacado en ADLO!, la adaptación a cómic de la clásica serie de animación Sherlock Hound, perdón, Sherlock Holmes, aunque en realidad era Meitantei Hōmuzu…
…conocida también como ‘la serie de Hayao Miyazaki‘ pese a que él solo dirigiera seis de los capítulos, pero así nos entendemos. Al fin y al cabo para muchos fue la serie que les introdujo en su tema central:
El furrismo.
Ah, y también donde conocieron a Holmes, sí. ]
Aunque posiblemente aquí nos interese más una de las aventuras más memorables de Holmes, su aparición en un aniversario…
…porque con la excusa del 50 aniversario el Detective Comics 572 de 1987 nos traería un encuentro entre El Mejor Detective del Mundo…
y Batman.
Historia varias veces reeditada y recordada que nos llevaría, además, a ese punto de inflexión entre ‘unos pocos cómics’ que hemos visto hasta el momento y ‘una barbaridad de intentos’ que empezarían en los noventa. (Aunque es cierto que antes de eso hizo un ‘cameo’ como ficción que pasa al mundo real en Hellblazer). Tantos que vamos a dejar muchos sin nombrar -ahí tenéis los dos listados, y seguro que podéis echar un ojo al resto- para centrarnos solo en algunos destacables. Que si no nos ponemos a hablar de cosas como lo de Caliber de 1989 de Baker Streetpunk victoriano ucrónico contra el Destripador y esto no acaba nunca, casi mil quinientas palabras llevamos ya.
La década comenzaría con Eternity, que lo mismo reeditaba las tiras de Sherlock Jr. que Sidney Smith hizo de 1912 a 1914
(ya os dijimos que todo regresaba), que sacaban Sherlock Holmes in the Case of the Missing Martian, DC seguiría usándole de manera incoherente e inconsistente en la JLE o Eclipso, Adventure Comics (la editorial, en serio) contaría con Seppo Makinen para Return of the Devil (1992), Caliber tendría a Aldin Baroza para ponerle por medio contra el Fantasma de la Ópera (1994) y para final de la década Delcourt presentaría su Baker Street (1999) nuevo uso del título pero dirección completamente diferente -aunque iría de Holmes, no de Gerry Rafferty-, aquí moderadamente humorística y que duraría 5 volúmenes.
Vale, quizá en el recopilatorio no se aprecie del todo, por suerte tenemos también las portadas originales:
Aunque, claro, no sería el único título del cambio de siglo en el que aparecería.
Y no, esa imagen no es de la Liga de los Caballeros Extraordinarios. Por eso no apareció en la película.
El nuevo siglo también trajo una de mis versiones favoritas. Se trata de Martín Holmes -conocido en los países anglosajones como Zachary porque se ve que no entienden el concepto de Martín– que es una creación de Carlos Trillo yJuan Bobillo para la revista infantil Genios publicada a partir del año 2000 y recopilado tiempo después por Domus.
Que este cómic -y su continuación, que la tuvo, aunque es una lástima tener que decir que no pasó de ahí la serie- no haya sido publicado en España supongo que nos dice también algo de cómo están las cosas por nuestro país.
Por cierto, el que sí que se publicó fue el Walter, dentro de Les formidables aventures de Lapinot.
En fin, que mientras Moonstone sacaba títulos como Sherlock Holmes and the Clown Prince of London (2001) y Dark Horse sacaba The Irregulars (2005) -que acabaría siendo el clásico ejemplo de serie de Netflix que hace más mal que bien por el cómic- nosotros pudimos gozar en 2006 de lo que Morrison tenía que presentarnos de Holmes en…
WILDCATS: Nemesis. ¿Qué? Morrison es un apellido muy habitual, este es Robbie. Y el dibujo tan dosmilero es de Andy Smith.
Por supuesto no son los únicos momentos destacables de la década, daba igual que Moonstone le fuera mezclando con quien pillara –Kolchak, por ejemplo-, Posy Simmonds le dedicara una de sus historia, Alterna se animara con un dibujo… personal… para el Sherlock Holmes: The Painful Predicament of Alice Faulkner de Bret M. Herholz ilustrando el libreto de la obra de teatro de 1899, o que Dynamite empezara también con lo suyo en una serie de historias escritas por Moore. Otro apellido habitual, nos referimos a Leah Moore.
Por suerte Antarctic Press sabía lo que pedíamos y en 2009 nos trajo…
¡SHERLOCK NINJA!
Que solo durara un número demuestra los problemas que tienen las pequeñas editoriales para darse a conocer.
Lo cierto es que el final de la década estaría bastante animado entre Les Quatre de Baker Street (que, aquí sí, fueron publicados los 10 álbumes en España por Yermo… en 4 tomos), o el Dark Detective de Chimera -con un conjunto de portadas que hoy llevarían a múltiples discusiones sobre si las ha hecho un humano-,
Por supuesto la nueva década pisaría el acelerador, de ahí no solo la idea de Holmes Incorporated (2010-2013) de Ty Templeton
y que suena a trabajo de taller al que se le ha prometido unas prácticas que acabaran siendo publicadas. Que así, además, los que montan el curso pueden vender a Amigos, Familiares y Allegados de los novatos.
También lo que estábamos esperando desde el principio…
¡MUPPETS!
Porque todo es mejor con Muppets. ¿Que por qué Gonzo es Sherlock, Fozzy es Watson y Gustavo es Lestrade? Pues… ¡MUPPETS!
Pero, claro, si tenemos en cuenta que WildStorm le sacó dentro de una serie de títulos de Victorian Undead, AAM/Markosia presentó un The Young Sherlock Holmes Adventures…
…que, sorprendentemente, ni es ochentero ni se parece a Smallville… (Se pierden las tradiciones) pues ya vemos que iban a por todas. Y más que iban a ir.
Image presentaba Moriarty: The Dark Chamber (2011), Tidal sacaba Victorian Knights (2011), Dynamite seguía con sus cosas (incluyendo un Year One), Dark Horse le mezcla con cosas como el Necronomicon y, por supuesto,
llegaba el manga. Esta era Young Miss Holmes (2013-2014) de Kaoru Shintani. Pero también tenemos a
Sherlock Bones. Que también duró de 2013 a 2014.
Y es que aunque en esos años se nos presentaran obras peculiares como el Domino Lady/ Sherlock Holmes (2013) de Moonstone que llega con un buen par de…
crossovers.
Aunque no fue ni lo peor, porque en 2013 también llegó Deadpool Killustrated en el que el Holmes del Ideaverso reúne a un grupo de personajes para evitar que… bueno, da igual, ni lo del Ideaverso ni lo de Marvel merece mucha más explicación, así que mejor sigamos. Además, empezó Watson & Holmes, una versión más…
…urbana que con Bollers, Leonardi y Mendoza acabaría cerrando en un número 6 pese a anunciar el 7 al final del mismo. (Y que sería reeditado décadas después a ver si esta vez tenía más suerte).
Un año muy entretenido ese, que vio también la aparición en Marabout de Sherlock Holmes et la conspiration de Barcelone. Y no es que fueran a cambiar las cosas. Soleil sacó en 2014 Dr Watson y también Les Chroniques de Moriarty. Lo cierto es que en esos años Soleil sacaría multitud de series -que comenzaron en 1995 con Mycroft Inquisitor pero que podríamos decir que se lanzó a por todas en 2010 con Sherlock Holmes et les vampires de Londres, que sería seguida por toda una serie de series tanto de Holmes como de relacionados, incluyendo Scotland Yard– hasta el punto de que en 2015 sacaría Sherlock Holmes Society, serie que lograría el para mí culmen de la GENIALIDAD! en los cómics holmesianos de la editorial (que en gran parte podéis leer en Yermo) al llegar al volumen cuatro de los seis que tendría y ofrecernos esto:
A ver si os vais a creer que solo por ser francobelgas no pueden ser GENIALES!
Antartic Press sacaría ese mismo 2015 Sherlock Holmes, Steam Detective y en 2016 Titan empezaría con la adaptación al manga de la serie Sherlock. En 2016 hubo hueco incluso para la autopublicación de The Canny Cthulhu Holmes, no os digo más. Aunque, por supuesto, en 2017 mi favorita fue la publicación de la obra de Roger Langridge, Andy Hirsch y Fred StresingThe Baker Street Peculiars en Boom! Studios.
Y eso que el mismo año en Action Lab Comics se publicó el también notable Kid Sherlock
Sí, todo tiene sentido como siempre. Aunque lo más notable es que en lugar de los clásicos thrillers de correr de un lado para otro decidieran hacer algo más centrada en la deducción, aunque sea por el lado corto.
Aunque el éxito llegaría el año siguiente con Dans la tête de Sherlock Holmes (que ya ha tenido una segunda parte, aunque aún no la haya publicado aquí Norma. Pero ese es un hilo aparte que seguir.) y más historietas, que si Sherlock Holmes – Hiiro no Kenkyuu (2018) de Shoko Fukaki, que si una versión deEnola Holmes en IDW, que si Sherlock Holmes & Moriarty Associates e, incluso, en 2019…
un pequeño acercamiento.
En 2020 comenzaron con Moriarty El Patriota (que ahí sigue), además de Violet Holmes and the Agents of H.I.V.E.: Adventures of a Teenage Detective o Major Holmes & Captain Watson. Aunque lo más curioso sería Mr Doyle’s Class Presents A Study in Scarlet (Portsmouth City Council, 2020)
Que es un ejemplo tanto de como adaptar a obra un texto no-teatral, cómo actualizarla y, sobre todo, cómo jugar con la idea de transmitírselo a una clase.
Habría un Adler en Titan, también un Sheffield Holmes (2024), Nancy Peña le sacaría en la… peculiar… El gato del kimono, también saldría en Godzilla’s Monsterpiece Theatre, Gillian Goerz sacó en 2020 Shirley and Jamila Save Their Summer, que en España pasa Shirley a Sara. Pero, claro, Shirley Bones no queda igual en español. E, incluso, hubo oportunidad para Rick and Morty Presents: Finals Week: SheRick Holmes and Mortson (2024) en Oni Press y, por supuesto, las cosas de Zenescope que van… en su línea…
Eh, que tuvo una continuación crossover loquesea…
Y en 2025, en Delcourt, Pierre Mortel y Anaïs Dumas sacaron Le Lapin des Baskerville…
Así que está bien claro que vamos a tener más.
Pero, por supuesto, con esto podría terminar nuestro repaso si no fuera porque… siempre conviene dejar un par de cosas para el final. Fuera de la cronología.
Lo primero y más lógico es señalar que ha habido múltiples adaptaciones del personaje y sus alrededores pero, a veces, las más exitosas son las que tienen una relación más indirecta. Esto es…
Detective Conan lleva publicándose desde 1994, tiene adaptación al anime, series varias, OVAs y películas (de gran éxito) y, por supuesto, el nombre de su figura central es Conan… por Sir Arthur Conan Doyle. Así que ya veis, un ejemplo del impacto aunque sea lateral. Es decir, ha durado más de dos números.
Lo segundo es que he dejado de lado una historia porque consideraba que a estas alturas todos los lectores de Marvel la conocerían, aunque os dije que ya llegaríamos hasta aquí. Pero ahora que estamos casi en el final puede ser un buen momento para sacarla porque lo tiene TO-DO. Hay GENIALIDAD!, hay taquiones, hay personajes más que conocidos…
Y es que puede que en DC saquen al personaje y le usen con cierta constancia y no mucho sentido, pero en Marvel han tomado otro camino, en parte debido a una decisión
En el X-Treme X-Men 1 de 2001 pasó algo más que el Phuta phuta phuta y todo el resto de diversiones españolas. También se pusieron a leerse los diarios de Destino. Recordemos que se había dicho en distintas ocasiones que su nombre real era Irene Adler. Así que casi parecía normal que si nos decía que cuando conoció a Mystique era Raven Darkholme no nos extrañemos, pero cuando Claremont añadió que, además, era…
un ‘consulting detective‘… podía habernos llamado un poco más la atención.
Claremont repitió esto, por si no hubiera quedado claro, durante el especial de la boda:
Y en 2022, en Immortal X-Men 8, Kieron Gillen decidió ir un paso más allá.
La sutileza, por supuesto, es para los cobardes.
Eh, en el universo Marvel oficialmente Sherlock Holmes tiene una relación homosexual, tampoco debería de sorprendernos.
…otra cosa es lo que Doyle pudiera pensar de cómo se le retrataba.
Aunque, desde luego, me parece la mejor forma de acabar con este pequeño retraso. Mostrando que la realidad del propio autor era más fantástica que cualquiera de los cómics que hemos mostrado.
En el álbum de Las aventuras de Tintín «La oreja rota» nos encontramos con un par de malhechores genéricos en un barco convencidos de que el citado reportero los está siguiendo
Así que comienzan a atacar a los pasajeros que consideran sospechosos de llevar un disfraz
Sin ningún resultado positivo
Esto les hace deducir que Tintín no está a bordo, y se confían. Con desastrosas consecuencias para ellos, porque el susodicho sí estaba a bordo, disfrazado de Moreno
¡Un mes más, una letra menos! Este mes nos toca solo una, pero una entera, la N. Que, aunque no lo pareciera, sigue teniendo su aquel. Así que ya podemos ir empezando porque hay por delante mucho cómic… ¡NOTORIO!
01) Naomi (2019) / Naomi: Season Two (2022)
Fichar a Bendis tiene estas cosas, tú crees que estás fichando a un nombre bien conocido y él cree que está consiguiendo más contactos. Supongo que el pasar de autoinsertos a insertos de su hija adoptiva por lo menos ha sido una mejora. Pero, sea lo que sea, lo va consiguiendo cada vez.
Es decir, DC le ficha, él vende la cosa esta de Naomi en 2019, que es poco menos que una ‘película de origen’ troceada y cuando logra venderla -como serie para The CW, claro- logra que le publiquen una segunda miniserie…
en la que vuelve a vender una historia de origen, cinco minutos después de la anterior o algo. Lo que tiene mérito no solo porque la CW canceló con rapidez la serie -para el capítulo 13, nada menos, porque para el año en que se estrenó Warner y la CBS estaban ya en charlas para venderlo a un grupo católico al que le faltó tiempo para… hacer sus cosas-, también porque Bendis ya estaba en esos momentos preparando su salida de DC. Así que supo hacerlo valer hasta el último momento. Lo de conseguir que le adapten cosas a otros medios y lograr dineros de ello, quiero decir.
02) Nathaniel Dusk (1984) (1985—1986)
En los ochenta Don McGregor logró que DC le dejara hacer una miniserie (y luego otra) en homenaje y recuperación de los hardboiled de los treinta y cuarenta,
y es cierto que estas dos minis recuperan de manera evidente el espíritu de esas publicaciones porque…
…si se descuidan con tanto texto hacen una novela ilustrada.
03) Nazz (1990—1991)
Si os preguntáis por qué esa portada tiene pinta de salir de la Heavy Metal os diré que esto es a lo que se dedicaban Veitch y Talbot a principio de los noventa, antes de que existiera Vértigo y se pudieran publicar estos cómics dentro del sello. Lo que no significa que no fuera suficientemente noventera, ni mucho menos:
Tras algo así como una crisis de la mediana edad el protagonista (aunque no parezca tener ni treinta años, esto de las crisis van así) se hace mochilero y se va a Nepal, de ahí a otros territorios igual de asiático-vagamente-indio a, básicamente, hacerse novio de la muerte. Si esa muerte fuera algo así como Shiva con Tetas Gordas. A patir de ahí tenemos algo de metanarrativa con uno de sus amigos haciendo un cómic (en blanco y negro) adaptando sus historias,
lo que permite aún más metacomentario, claro.
Eso no quita para que nos encontremos, sobre todo, con las obsesiones de Veitch. Porque el cómic va dando bandazos. Hay varios momentos de Nazz y los superhéroes gubernamentales. Luego hay cosas de pseudohippies sobre el poder, y el poder consumiendo a la gente. Después tenemos las transformaciones físicas con Nazz pasando de lo que vemos al principio a una versión noventizada a una versión corrupta -y, por tanto, gorda Kingpin style-.
Vamos, que queda de lo mas contemporánea. Que supongo que es algo que demuestra que el ‘ahora’ de los cómics -o de la sociedad- no se ha alejado tanto del entonces del noventerismo.
04) Neil Young’s Greendale (2013)
En 2003, con la decisión de hacer una opera rock ecologista post-11S denunciando los problemas de la sociedad USA yada-yada, Neil Young sacó Greendale. Diez años después Vértigo publicó esta adaptación a cómic que -se supone- intentaba darle un mayor sentido -y menos canciones, sospecho- a las letras. El resultado es una mezcla de ecologismo-terror-política que tiene el sentido esperable en un disco conceptual.
Lamentablemente la experiencia no animó a que sacara más de sus libros en cómics, tampoco a que lo hicieran otros cantantes. Aunque nunca se sabe. Quizá algún día adapte [BUSCAR EN INTERNETE A VER QUÉ DISCOS TIENE NEIL YOUNG, NO CONFUNDIR CON NEIL DIAMOND].
05) Nemesis: The Impostors (2010)
Es comprensible ver esta portada y pensar que estamos ante algo del Millarverso, pero no. Resulta que este Nemesis se publicó un mes antes de que saliera el de Millar. Probablemente, de hecho, se publicó porque salía el de Millar. Porque Nemesis no dejaba de ser un personaje de DC.
Es cierto que en los sesenta habíamos tenido a Nemesis Kid, creado por Jim Shooter como enemigo de Karate Kid, miembto de la Legión de Super-Villanos y aparentemente muerto desde los ochenta. Que con las continuidades de DC es mucho decir.
Pero no, nos referimos a Tom Tresser, el tipo del jersey negro de cuello vuelto y el símbolo de la balanza. Presentado en ese mismo 1980, en un The Brave and the Bold como complemento, creado por Cary Burkett y Dan Spiegle, sus apariciones irían del 166 al 193 -en 1982-, con una apariencia de muerte.
Que, por supuesto, no fue. Porque le reencontramos en el Escuadrón Suicida en 1987. En donde no duraría mucho.
Reaparecería en 1993 con los Shadow Fighters que estaban lucharon contra Eclipso, teóricamente el único superviviente. (Luego irían sobreviviendo más gente a posteriori, como pasa siempre con estas personas)
Y para 2006, durante One Year Later, empezó a aparecer como secundario del relanzamiento de turno de Wonder Woman. Hasta 2009. Y entonces -sea o no por casualidad- resultó que en 2010 se sacó esta mini. En la que sigue yendo de negro y con la cara destapada. Así que si alguien quisiera copiarlo es lógico que decidiera vestirle de blanco y con la cara tapada. La Inspiración y el Homenaje funciona así.
Pero, claro, no hay que pensar que solo porque, digamos, alguien hiciera un anuncio diciendo «Descubre qué pasaría si Batman fuera el Joker» en la editorial propietaria de dichos personajes, con otro personaje secundario con ese nombre que llevaba años dando vueltas y que había recuperado cierta notoriedad al llevar tres años en uno de sus títulos fundamentales decidieran crear un cómic, cualquier cómic, el thriller más genérico del mundo, y meter dentro al Joker y Batman. Y llamarlo Los Impostores.
¿Qué sentido tendría hacer eso en un mundillo del cómic como el nuestro? Ninguno, ninguno, claramente ninguno.
Por supuesto Tresser seguiría apareciendo por DC, después del follón de los New 52, esta vez como parte de Checkmate. Luego pareció que le habían asesinado en el follón del Santuario, y después le des-asesinaron. Así que por aquí anda aún, para cuando quieran necesitarle. Qué puedo decir, es uno de esos personajes para el que las cosas de los cómics superheróicos es la rutina de costumbre.
06) Neon Joe: Werewolf Hunter (2015, 2017)
Lo creáis o no, hubo dos números, uno por cada temporada de la serie de [adult swim]. Sí, está basada en una serie de [adult swim], que no deja de ser un bloque de Cartoon Network, o la mitad de su cadena o yo qué sé… Pero el caso es que son ambas propiedad del conglomerado de turno con el nombre Warner que les haya tocado. Así que tenemos otro ejemplo de aquello de la sinergia. De ahí que fuera un cómic gratuito. Ah, que no lo había dicho y lo mismo no notasteis que faltaba en la portada el precio. Pues sí, eran unos cómics para repartir en eventos y así ayudar a popularizar la serie.
¿Que cómo salieron los cómics? Pues… ¿Vosotros dirías que la serie es muy popular?
Pero no os preocupéis, que podéis… experimentar… un acercamiento a ese material:
07) Nevada (1998)
Creo poder decir sin equivocarme mucho que Nevada es uno de los cómics más Steve Gerber que se me ocurre. No de los mejores, pero sí de los más ‘ah, sí, un cómic de Gerber‘ que puedo pensar. Parte de lo que vemos aquí no desentonaría en Howard o en She-Hulk, por ejemplo. Pero, claro, en el momento en el que tienes a una… bailarina exótica llamada Nevada que actúa junto a su inseparable avestruz Bolero en Las Vegas mientras un grupo de hampones ¿extradimensionales? hacen que la policía la investigue por unos extraños asesinatos… No, claramente es Gerber desde la sinopsis. Que el dibujo sea muy Genérico de Vértigo Noventero Sección Línea Clara -es decir, los que se podían distinguir los personajes del fondo- y, a la vez, tengan algo claramente setentero… lo convierte en casi atemporal.
08) The New Adventures of Charlie Chan (1958—1959)
Es ciertamente sorprendente que no os haya dado más la vara con los cómics de Charlie Chan. Con Charlie Chan en general. A veces sospecho que porque tampoco le importa mucho a nadie. Pero, claro, ¿qué le importa en realidad a la gente en ADLO!? Quizá por eso he logrado colar alguna referencia aquí y allá, incluyendo aquella vez que hablé de lo de Jack Kirby.
Pero el asunto vuelve. Siempre vuelve. Charlie Chan fue extremadamente popular en el no-tan-lejano pasado de USA. Como Bulldog Drumond o Nick Carter. No, el de Backstreet Boys no, digo el que fue tremendamente popular y omnipresente durante una buena temporada y de improviso dejó de salir en sitios y la gente pareció olvidarse de él. Y, además, era detective.
Pero es una buena cosa tener esto en cuenta: La fama es efímera, uno nunca sabe por dónde van a salir las popularidades del presente y lo que hoy es tremendamente popular lo mismo en unos años nadie recuerda. O casi nadie. La vida da vueltas y The Shield vuelve a ser ‘Ah, sí, ese personaje que dibujó ROB! un rato antes de enfadarse’ cuando menos te lo esperas.
Pero volvamos a Charlie Chan. Nuestro detective asiático tuvo tira cómica desde 1938 hasta Pearl Harbour, en 1948 fue retomado primero en Prize Comics, luego en Charlton Comics y, finalmente, en DC Comics en 1958 aprovechando la nueva serie de televisión.
Duró, eso sí, solo seis números.
Pero no os preocupéis que luego iría a Dell Cómics en los sesenta y a Gold Key en los setentas. En los ochenta pasaron cosas y, pese a eso, eternity reeditó aquellas primeras tiras.
Por supuesto para que lo recuperen solo hace falta que alguien tenga ganas de dos cosas: Escribir detectivesco clásico y tratar con respeto a los asiáticos. Así que seguro que ya estamos más cerca de conseguirlo.
09) New Comics (1935—1936) / New Adventure Comics (1937—1938)
En diciembre de 1935 DC Cómics decidió dar un valiente paso adelante y publicar New Cómics, una publicación con el tamaño de medio tabloide -cercano (o más cercano) al tamaño actual de los cómics, digamos- y que ofrecía cómics no publicados antes. Posiblemente se dieron cuenta de que ese había sido el problema con las cabeceras Cómics Repetidos y Cómics Viejos.
Sea como fuera el inicio fue prometedor dentro de un orden. Sí, dentro de estos cómics pudimos encontrarnos a 17-20 on the Black, Captain Jim of the Texas Rangers, Don Coyote o The Strange Adventures of Mr. Weed. Historietas todas reales -y solo una fracción de los personajes recurrentes que aparecían-, pero faltaba algo. Ahí es cuando entró el cambio de nombre para el número 12, en el que pasó a ser
Del 12 al 31. A partir del 31 quedó claro que la gente ya había tenido suficientes cómics nuevos, así que desde el 32 pasaron a llamarlo, a secas…
Sí, ESE Adventure Comics.
Que tendría varias vidas, primero de 1938 a 1983, luego un volumen 2 de 2009 a 2010 que pasó a recuperar la numeración tradicional en 2010 antes de cerrar en 2011.
¿Qué puedo decir? Se empieza con New Comics y a saber dónde puede terminar uno.
10) New Deadwardians (2012)
La historia alternativa es así, montas una Inglaterra imperial con vampiros y zombies pero en la que la investigación de unas muertes sean lo principal. Hay algo de crítica colonialista y, en general, lo necesario para que lo sacaran en Vértigo. ¿Desnudos? Pues claro. Lo raro es que no lo hayan adaptado a serie. Será que aún no lo veían tan claro.
11) New Fun Comics (1935)
Como segunda parte de lo que hablábamos antes tenemos este New Fun Comics que puso el NEW porque su innovación era, precisamente, que no era un recopilatorio de tiras de prensa o páginas de revistas. Quién iba a decirnos que NEW sería más importante que FUN. Aunque en la cabecera no le dan tanto espacio. En cualquier caso, la hicieron con el formato tabloide normal y eso no acabó de funcionar, así que -más allá de intercambiar personajes con otras cabeceras… como New Comics que se quedó el Captain Spinacker– y para el número siete habían pasado a ser More Fun Comics. Todo deja de ser New después de un tiempo, supongo.
More Fun Comics duraría de 1936 a 1947, cerrando en el 127. Y serviría para presentar primero en los treinta al Doctor Occult, The Spectre y el Doctor Fate. Ya en los cuarenta sería el lugar donde apareceríaGreen Arrow o Aquaman, para el 101 de 1945 veríamos a Superboy. Pero a partir del 108 decidieron cambiar un poco ls cosas. More Fun Comics pasaría a centrarse en cómics de humor, los superhéroes se mudarían a Adventure Comics (como veis, todo estaba hilado) y eso significaría… el cierre de esta cabecera en 1927.
Y así dejó de haber More como antes había dejado de haber New.
12) New Gods (1971—1972) (1984) (1989—1991) (1995—1997) (2025—) / Return of the New Gods (1977—1978) / Death of the New Gods (2007—2008)
Una vez más, Kirby volvió a DC para estas cosas. Aunque cualquiera que leyera el primer número pensaría que había habido un error allí y que en realidad se debería de haber llamado…
Supongo que The New Gods facilitaba las cosas si Orion pedía un aumento de sueldo porque si no se largaba de la serie. Y, de hecho, la portada del tercer número…
animaba a pensar eso mismo. Pero sería el único que lo tuviera. En esos primeros 11 números que logró durar el invento. Y en los que, por cierto, demostraba Kirby estar más que dispuesto a meter héroes que no solo fueran blancos.
Con éxito desigual, pero lo intentaba. (Y sí, había aparecido originalmente en Forever People, pero aquí le vemos en un contexto de The New Gods)
Pero, como decíamos, para el número 11 acabó -un poco de cualquiera manera, menos atado con un lacito como Mister Miracle, desde luego- aquella primera etapa… para ser revivida por un número 12 unos 5 años más tarde. Previo tanteo en una de esas colecciones especiales de las que ya hemos hablado.
Como veis, con algún cambio más, comenzando por el título:
Y siguiendo, claro, por el nuevo traje de Orion y el equipo creativo que aquí pasaría a ser Gerry Conway y Don Newton. 8 números más tarde la cosa se acababa de nuevo. Dejándola sin un final propiamente dicho, porque pasaban la historia que estaban contando a…
Sí, Adventure Comics de nuevo. Ya veis que el espacio dado al asunto era el que en DC pensaban que merecía. Lo cierto es que aunque tanto en el último número como en Adventure se anunciaba que el paso había sido de uno a otro había aparecido entre medias una aventura igualmente guionizada por Conway en Super-Team Family:
y luego en Adventures no duraría mucho más porque para el segundo número podéis ver la relevancia del asunto
Pero Conway era un hombre de recursos, así que primero se los llevó al Secrets Origins os Super-Heroes… perdón, al DC Special Series
y luego aprovechó que le habían puesto a guionizar Justice League of America (desde el 151) para montarse en el 183
un trío de números con la tradicional reunión JLA/JSA de fondo para rematar la historia. Con la derrota ahora_sí_de_verdad_definitiva_0k_3 de Darkseid.
Aquello ocurría a finales de 1980 y, pese a todo, para 1984 ya estaban de vuelta.
en forma de reedición de lo de Kirby, eso sí. 6 números para los 11 habituales. Porque en el último meten una historia nueva, Even Gods Must Die, hecha por Kirby para redondear. O algo.
Y después de esto solo hubo que esperar cinco años para la siguiente:
Ya os dije que hubo cosas que fueron noventeras antes de los noventa. Mark Evanier guionizando y Paris Cullis como dibujante, con Rick Hoberg apareciendo aquí y allá hasta hacerse cargo del 19 al 22, el 23 se hace cargo Steve Erwin, hasta el regreso final de Hoberg del 26 al 28. 28 números, por cierto, que ya son más que todos los anteriores juntos. Teniendo en cuenta que termina con algo así como zombies lo cierto es que podría haber sido peor. Corte a su regreso cuatro años más tarde en 1995.
Estoy dispuesto a concederos que esta versión es más noventera incluso que la anterior. Supongo que habrá alguien pensando si el noventerismo entraba también en el interior.
Yo diría que sí.
Y sí, Ace Ventura 2 se estrenó ese mismo año.
Tom Peyer y Rachel Pollack guionizaban, no sabemos bien cómo, y luego Luke Ross dibujaba, sabemos demasiado bien cómo. ¿Que cómo?
Tocado por la gracia de ROB!
Bastante tocado.
En el seis se marchó Peyer, en el siete apareció Stefano Raffaele, y comenzará una rotación de dibujantes para los siguientes números con Dean Zachary, Keith Giffen y Sergio Carriello que dibujaría el once. Unos últimos números con la presencia de Superman, por cierto, que ya sabemos que se fue posicionando como rival de Darkseid.
Y, para el 12… John Byrne.
Que hizo lo de siempre, llegó sin importarle lo de los anteriores, montarla y para el 15 pedir que la cerraran para ‘relanzarla’.
A su mayor gloria.
Si la serie anterior había durado de 1995 a 1997 esta nueva lograría aguantar hasta 1998. En fin, sus cosas. Y eso que ese mismo año habían sacado un especial
Y, al mes siguiente, cerraron la serie.
Algo que lograría mantener el título fuera de circulación durante una décad, con los personajes haciendo apariciones aquí y allá hasta que los recuperaron para…
Sí, para matarlos.
Bueno, y para que Starlin volviera a hacer su cómic de siempre.
La historia acabaría en 2008 (seguido por un especial Countdown que lo que hacía era reimprimir historias antiguas), a tiempo para los follones de continuidad de DC como The New 52. Que también tendría lugar en todo este jaleo cuando en 2014 se publicó
17 números duró. Hasta 2015.
Y sí, era muy propio de la época.
Mucho.
Y para 2017
El resultado fue… el esperable.
Si la idea hubiera sido recuperar a los personajes lo cierto es que les llevó un rato. Porque hasta febrero de 2025 -fecha de portada, guiño- no apareció
que traía a Evan Cagle a dibujar las historias con una mezcla de estilos de inspiraciones europeas y asiáticas. Lo que, a estas altura de la historia de los personajes, supongo que ya es algo.
En un intento de DC de organizar con orden y coherencia su continuidad pensaron que darle a Mark Waid lo que está más cerca del libro ilustrado que del cómic era lo más sensato. No diré Sale Mal porque por lo menos intenta hacerlo tan sencillo y comprensible como para que hasta los ejecutivos, editores y guionista de la compañía puedan entenderlo. Pero duro que su explicación o coherencia duren mucho más allá del minuto en que se publiquen. Y eso siendo optimista, probablemente sea incluso antes.
15) New Romancer (2016)
Milligan y Parson crean un cómic con un malvado Casanova, un Byron… bueno… un Byron, servicios de citas que salen mal… en fin, lo esperable en estos casos que lo mismo presentan dildos como armas o malvadas empresas que usan IAs para recrear a los fallecidos como si fuera la sección de cultura de La Vanguardia. Claramente una decisión.
16) New Super-Man (2016—2018) / New Super-Man and the Justice League of China (2018)
Los intentos de las empresas estadounidenses de hacerse un hueco en ‘el mercado asiático’ (China, la mayor parte de veces es China) tienden a ser más divertidas que ver que interesantes. A veces por motivos externos, como aquí cuando al pobre Gene Luen Yang al que le van poniendo dibujantes como si fuera aquello Vértigo en lo más duro de los noventas.
Bien es cierto que aquí tampoco tiene mucho con lo que hacer, aunque intenta que el personaje de New Superman sea algo más que un cliché y, ya puestos, repasando lo que podríamos llamar ‘el pasado asiático’ de DC. Diría que ‘fuera para bien o para mal’, pero todos sabemos que fue fundamentalmente para mal.
Para el número veinte intentaron… no tengo muy claro qué intentaron, cambiándole el título a
pero dado que la cosa se acabó en el 24. Que mucho es. Y, total, a Kenan Kong le hemos seguido viendo aquí y allí, sobre todo en títulos de la super-familia, así que supongo que no es un mal final.
O algo.
17) New Talent Showcase (1984—1985)(2017) / New Talent Showcase 2017 (2018) / New Talent Showcase 2018 (2019) / New Talent Showcase: The Milestone Initiative (2023)
La idea de DC era, por supuesto, showcasear el talento, que es algo que ya sabemos regularmente que pasa. Comenzaron con una serie de comics: Durante los tres primeros números sacaron Forever Amber de Rich Margopoulos y Stan Woch y Class of 2064 de Todd Klein y Scott Hampton, los dos primeros incluyeron también Sky Dogs de L.B. Kellogg y Tom Mandrake. Y luego, además, algunos cómics sueltos. Que se convirtió en la norma a partir del cuarto, a ver si algo quedaba. Luego llegaron Feral Man de Steve Ringgenberg y June Brigman, y Ekko de Rich Margopoulos y Steve Lightle. Etc. Iban cogiendo y soltando series, normalmente sin que nada ‘se quedara pegado’.
Para el 16 intentaron un cambio de aspecto, dando menos importancia a los cómics y el resto de cosas, como lo de NEW…
Y para el 19 todo había terminado.
Pero ya sabemos que eso no significa que no se pueda volver a intentar… dándole una vuelta.
En 2016 lo intentaron al revés. Personajes conocidos y autores no-tan-conocidos. Tuvo el suficiente éxito como para tirar un par de ellos más, siempre con fecha de portada del año siguiente pero fecha del que tocaba. Es decir, fecha de portada enero 2017 pero se publicaba en noviembre de 2016, etc. De ahí que en años venideros tuviéramos:
Después de 2018 pareció que el interés disminuía, pero en 2023 probaron a meterle un giro más:
Sí, esta vez los personajes serían de Milestone. O el Dakotaverso. De hecho, podéis usar esta portada la próxima vez que alguien diga que conoce perfectamente DC. A ver si os puede nombrar a los doce personajes que aparecen.
Dado que no han repetido parece que tampoco así, pero ya sabéis. Es cuestión de tiempo que se les ocurra cómo intentar repetirlo.
18) The New Teen Titans Drug Awareness Special (Keebler) (NSDI) (IBM) (1983)
No voy a hablaros aquí de los New Teen Titans, por dos motivos. En primer lugar, porque tiene pinta de ser mucho trabajo y, la verdad, seguimos en agosto. La segunda, porque EN REALIDAD debería de hacerlo en la T. Así que para entonces ya me decidiré.
Pero lo que no puedo es dejar pasar estos especiales de Qué malas son las drogas pagados por gente que no era mucho mejor que las drogas. Es decir, el gobierno Reagan -y Nancy– y una serie de empresas y conglomerados a cual más divertido. Comenzando por Keebler Company, propiedad entonces de United Biscuits.
La segunda la presenta la Soft Drink Industry.
Y la última es IBM.
Comencemos diciendo que Kebbler no debió de pagar lo suficiente porque le pusieron la portada con todo el mundo triste y su mascota sonriendo, el muy cabrón.
Ah, y si os preguntáis quién es el tipo que parece Marvel Boy con los colores cambiados… es Protector. El personaje al que tuvieron que meter porque Robin tenía unos derechos de imagen que impedía que saliera EN UNOS ESPECIALES CONTRA LAS DROGAS. ¡¿QUÉ NOS QUIERES DECIR, DC?! Pero bueno, parece que fue por un asunto de empresas, porque Keebler iba a patrocinar uno y Robin tenía un acuerdo con otra empresa, Nabisco, así que en su lugar pusieron a este otro y le llamaron PROTECTOR. Suponemos que después de haber rechazado Sensitive, Estrías o SinLatex. El personaje no volvería a aparecer, lo que significa que tanto rollo con las drogas y luego los Titanes iban sin Protector.
Luego tanto ellos como los de las bebidas, que están en… el negocio del azúcar (truenos y relámpagos), y la IBM tiene tanto que hablar de la cosa digital como de… bueno…
DECISIONES.
Y, ciertamente, IBM puede hablar largo y tendido de TOMAR DECISIONES
La verdad es que podría haber hecho un resumen del cómic porque el contenido da para posteo, pero entonces estaríamos centrándonos en quién pensó que era buena idea todo esto de sacar tres distintos en lugar de… digamos… cambiarle las portadas.
Aunque, al final, volvemos a lo mismo… Decisiones.
19) The Newsboy Legion and the Boy Commandos Special (2017)
Por supuesto que lo más lógico en estos especiales de Kirby era darle el que reunía a la Newsboy Legion y los Boy Commandos a Howard Chaykin. Claro que una vez lo lees te preguntas más por las decisiones de entintado y coloreado. Por lo demás, es un cómic extremadamente Chaykin. Hasta el punto de que puede llegar a parecer más una parodia de Chaykin que un homenaje a Kirby. Pero supongo que cada uno tiene su trayectoria.
20) Newstime: The Life and Death of the Man of Steel (1993)
Para empezar, Superman había muerto. Así que sacar un ejemplar ‘conmemorativo’ parecía obvio. Pero en lugar de la clásica recolección decidieron hacerlo con forma de revista de actualidad y, como tal, dotarlo de un formato que muchas veces no tenía demasiado sentido dentro de algo conmemorativo, pero sí para que la redacción de DC se echara unas risas. No hay más que mirar los anuncios
y la peculiar mezcla de figuras del universo DC y figuras reales, que uno nunca tiene muy claro dónde empieza y acaba la ficción. Igual que muchas veces no está claro hasta que punto las cosas más tópicas
entran dentro de lo real o lo imaginado. Pero lo importante es que les quedó algo suficientemente original como para que se acuerden la próxima vez. Suponiendo que alguien se crea de verdad otra muerte de cómic, claro.
21) Night Force (1982—1983) (1996—1997) (2012) / Tangent Comics/ Nightwing: Night Force (1998)
La reunión de Marv Wolfman con Gene Colan acabó con la creación de un cómic más o menos de terror, más o menos de aventuras, en la que teníamos a todo un grupo de personajes diversos que se encontraban y desencontraban luchando contra las fuerzas del mal. Pero dejemos de hablar de La tumba de Drácula.
Cuando se reencontraron para Night Force el centro no estaba en el villano sino en algo que ya habíamos visto otras veces, un tipo inteligente y con conocimientos que reunía a un grupo de personas para hacerle el trabajo sucio. Pero esta vez era para luchar contras fuerzas más o menos del mal. Había un periodista, un científico y una mujer con habilidades psíquicas. Y luego alguna persona más, pero lo cierto es que toda esta gente peculiar -el científico investigaba lo sobrenatural y perdería a su mujer durante un ritual satánico que saldría mal, qué puedo decir- iría de un lado a otro sin que quedara más claro que el Baron Winter pese a su figura mefistofélica, sus viajes en el tiempo y su incapacidad de abandonar su mansión en la actualidad estaba decidido a comandar esta Night Force a como diera lugar.
La aventura duraría 14 números, al final de los cuales leeremos
Por supuesto no volvimos a saber de ellos.
Al menos durante 13 años, tiempo tras el cual
Wolfman, ahora con Brent Anderson como dibujante, un nuevo grupo -y apariciones de alguno de los antiguos-, niños asesinos, sectas del milenarismo -que iba a llegar- e incluso un mínimo de ‘nueva carne’. Para el 4 Anderson es sustituido por un número por Eduardo Barreto, y luego vendrían Shawn Martinbrough (tres números), Matthew Smith (cuatro números) y Sergio Carriello para el 12, el último.
Pero ese mismo 1997 vio la aparición de Tangent Comics, incluyendo el de Nightwing. Y en 1998 hubo una segunda ola que incluyó…
Sí, una versión de John Ostrander que mezclaba ese Nightwing reimaginado con una Night Force igual de reimaginada. Nightwing era aquí no una persona sino una organización. Una a la que se oponían la Doom Patrol (compuesta por Doomsday, Firehawk, Star Sapphire y Rampage) y a cuya lucha se unía aquí una Night Force compuesta por Black Orchid, Gravedigger, Hex, Jade, Nightshade, Obsidian y Wildcat.
Supongo que la culpa de todo esto es de La Era del Apocalipsis, pero las ganas de epatar de Ostrander no ayudan a que esto funcione pero sí a que vayan apareciendo ideas GENIAL!es. Un ejemplo:
Así que casi puedo decir que lo que más me sorprende es que Wolfman tuviera aún otra oportunidad.
Tras la de 14 y la de 12 ahora llegaba la de 7. Así que no hay que descartar que si vuelve sea como one-shot. La pena es que eran los New 52 así que tuvieron la oportunidad de cambiar a los personajes. Y el dibujo de Tom Mandrake… bueno.
El número terminaba con el nuevo Mandrake hablando de ‘lo siguiente’. Y no hubo siguiente. De momento. Al fin y al cabo Wolfman tiene solo 79 años, aún puede engañar a alguien de DC. No parece tan difícil.
22) Night Tribes (1999)
El paso del noventerismo al dosmilerismo podría mostrarse en este cómic, un one-shot con mucha página llena de monstruos bichos y detallitos pero con todo más redondeado, menos excesivo en su noventerismo y más en sus ganas de desagradar. En fin, no siempre podemos tenerlo todo.
23) Nightmaster: Monsters of Rock (2011)
Aparecido por primera vez en el año ’69, en un Showcase, este cantante reconvertido en héroe de lo oculto que acabó abriendo una tienda para disimular mientras seguía combatiendo con su Espada de la Noche y, llegado el momento, se convirtió en algo así como el líder de los Shadowpact.
Tantos años en activo y no sería hasta 2011 que tendría la oportunidad de tener su propio título. Ese one-shot hasta cierto punto humorístico -o al menos, sin tomarse mucho en serio- hasta el punto de ponerle de acompañante un viejo fan de la categoría fanpesado. Pero, al menos ha tenido la posibilidad. Supongo.
24) Nightwing: Alfred’s Return (1995)
Dejad por un momento de intentar descubrir lo que está pasando en esa portada y vamos con un poco de texto.
Sí, podríamos haberle dedicado una entrada más larga a Nightwing. No solo por la cantidad de chistes sobre Batman que cabían, o sobre su gusto para los trajes, también porque es cierto que ha tenido colecciones y apariciones todo el rato. Colecciones con su nombre ha tenido desde 11 años después de que decidiera ponerse ese nombre, en 1995 (mini de 4 números), seguido de un segundo volumen que fue de 1996 a 2009, un tercero de 2011 a 2014, sustituida por Grayson de 2014 a 2016 y el cuarto volumen de 2016 a ya veremos cuándo. Y eso solo en series regulares.
En minis compartidas, especiales y similares tenemos también una buena lista entre Tangent Comics/ Nightwing (1997), Tangent Comics/ Nightwing: Night Force (1998), Nightwing/Huntress (1998), Nightwing Secret Files and Origins (1999), Nightwing 80-Page Giant (2000), Nightwing: Target (2001), Nightwing: Our Worlds at War (2001), Batman/Nightwing: Bloodborne (2002), Convergence: Nightwing/Oracle (2015), Nightwing: Rebirth (2016), Nightwing: The New Order (2017—2018), Nightwing/Magilla Gorilla (2018), Batman: Prelude to the Wedding: Nightwing vs. Hush (2018), Future State: Nightwing (2021), Knight Terrors: Nightwing (2023), Nightwing: Uncovered (2024) y, por supuesto Nothing Butt Nightwing (2024—).
Y no es que no pudiéramos hablar de ellas, de Nothing Butt Nightwing algo hemos dicho, y de las demás… digamos que estuvimos muy cerca de elegir a otra candidata. No hay más que ver la portada para entender por qué.
Pero nos decidimos en su lugar por el one-shot que lo empezó todo, la primera vez que alguien pensó que poner Nightwing en la portada podría vender. Aunque sea solo porque es lo que mejor se entiende de la portada.
Vale, es cierto, no era exactamente la primera vez que le habíamos tenido dando vueltas por ahí. En 1987, solo tres años desde el cambio, tuvo un espacio en los Secret Origins
y al año siguiente le dieron un serial en el Action Comics Weekly del 613 al 618
seguido por otro del 627 al 634
(Todo ello recopilado en 2013 dentro del tomo Nightwing: Old Friends, New Enemies)
Pero no le habían dado algo con su nombre. Es cierto que no había dejado de aparecer aquí y allí entre unas colecciones de la batfamilia, otras de los titanes y lo que le pillara por ahí. Pero no tenía algo propio… hasta esto.
El final de KnightsQuest había incluido a Alfred yéndose a Londres. Ya, bueno, no vamos a intentar entender KnightsQuest a estas alturas. Nightwing va allí a tratar de convencerle de que regrese y le encuentra en mitad de un follón con la mujer con la que estuvo a punto de casarse y su hijo. Lo típico. Aunque es cierto que el interior es menos noventero que la portada, al fin y al cabo dentro tenían a Dick Giordano, así que lo más noventero era el diseño del traje de Nightwing y el que llevara una coleta que le llegaba hasta la identificación de Nightwing. Pero, claro, ves la portada de Brian Stelfreeze y piensas que el noventerismo había llegado. Y que habían decidido meter un cambio para la batfamilia en un número externo a ver si eso animaba las ventas y le daban serie propia. Supongo que en ambos casos tuvieron éxito.
No todo el mundo puede presumir de haber compartido título con Magila el Gorila.
25) Nine Princes in Amber (1996)
Pues sí, en un momento de los noventa alguien en DC pensó que podían hacer una adaptación de la saga de diez títulos de Zelazny. Duraron hasta el segundo. Que ya tienen mérito teniendo en cuenta lo estático sección Vértigo que resultaba esta primera adaptación en tres partes. Pero bueno, así son en DC, siempre innovando.
26) Ninja Boy (2001—2002)
Como ser visitado por el fantasma de los dosmiles pasados, los seis números de esto que presupongo que podríamos llamar amerimanga por llamarlo algo, con páginas sin una palabra y otras llenas de ellas, sirven de encapsulamiento de lo que uno podía publicar incluso después de que DC se hiciera con Wildstorm.
27) The Nobody (2009)
En contra de lo que pudiera parecer, crear algo en 2009 no tiene por qué hacerlo menos de la década. Como demuestra este cómic que es bastante más ‘cómic indie USA trata de darle la vuelta a una historia conocida’ de lo que uno pensaría que en 2009 tendríamos por delante. Pero supongo que por algún lado tenían que dejar que Lemire hiciera sus cosas. Y sí, es exactamente la historia que crees, pero usando solo el punto de partida para contar algo distinto. Supongo que como siempre con estas cosas.
28) Noche Roja (2011)
Vale, es cierto, posiblemente no habría metido esta historia ‘criminal’ en blanco y negro en la lista si el nombre no estuviera en español. ¡Pero es que lo está!
Y luego hay un montón de diálogos entre «<» y «>» porque ‘en español en el original.
Para que luego digan que no hay diversidad en las cosas de Vértigo.
29) North 40 (2009—2010)
Alguien la caga con un conjuro y tu pueblecito acaba envuelto en transformaciones monstruosas y terror tentacular. Con mucho lovecraftismo y una clara intención de convertirse en una serie regular que, sin embargo, no llegó a lograr. Supongo que porque a alguien se olió el pescado.
30) Nubia: Real One (2021) Nubia and the Amazons (2021—2022) Nubia: Coronation Special (2022) Nubia: Queen of the Amazons (2022) Nubia & The Justice League Special (2023) Diana and Nubia: Princesses of the Amazons (2023)
Es sorprendente -usando de manera muy ligera la palabra y su significado- cómo a Nubia la están poniendo en títulos desde solo 2021. Podría parecer que es un personaje reciente y no.
Nubia apareció por primera vez en el Wonder Woman 204 de 1973.
En él Wonder Woman se enfrenta a una mujer en armadura que acaba revelándose como…
Nubia. Y sí, Wonder Woman ve a alguien morenito y decide hablarle en español. Debe de ser la famosa sabiduría de Atenea.
Para el 206 se explica que en realidad cuando Hipólita creó a Diana en realidad… bueno, mejor que os lo explique ella:
Así que, resumiendo, Diana tiene algo así como una hermana gemela de otro color, que no fue bendecida por los dioses, que fue raptada por Marte, a la que buscaron pero no mucho y de la que decidieron todos olvidarse. No por su color, que va, en absoluto. Es que son cosas que pasan. Pero en ese 204 regresa y aparece tres números. Hipólita termina el último número diciendo que ‘puede ser’ que esa Nubia se la misma Nubia que su Nubia, es decir, lo mismo Marte se dedica a raptar niñas negras llamadas Nubia. Todo el mundo necesita un hobby. Y a Diana debe de parecerle que ‘imposible saberlo’ porque no vuelve a intentar buscarla.
Hasta el punto de que su siguiente aparición será al año siguiente en Supergirl, en el número anterior a que cancelaran su serie. Y visto todo el capítulo y la manera de tratarla… casi mejor.
No volveríamos a saber de ella hasta 1999, recuperada para la post-Crisis en un anual que quizá no era el mejor para recuperarla…
Una vez más, Decisiones Fueron Tomadas. El caso es que esta recuperación de Nubia, ahora Nu’bia…
no es una posible hermana sino una amazona que ganó el torneo antes que Diana y, por tanto, la mandaron al infierno. Bien es cierto que no es lo único, porque parece que ahí ligó con Ahura Mazda, entidad suprema del zoroastrismo y de los antiguos persas. Supongo que es cuestión de tiempo que en una serie de DC salga un ligue de Yahve o algo así. Catedráticas en colombofilia seguro que tienen.
La siguiente vez que aparece, ya en la colección regular y en 2000, es en un par de números para perseguir a un demonio y devolver la vida a su dios-novio. Y luego en 2002 una mención de pasada en el The History of the Amazons en Wonder Woman Secret Files and Origins.
Tras esto no volveremos a saber de ella hasta… 2019. Lo que supongo que explica por qué no han sacado un tomo recopilatorio con sus aventuras antiguas. Iban a terminar muy rápido.
Nubia ahora -porque de 2002 a 2019 han pasado 17 años y como tres o cuatro reboots del universo DC- y reaparece traicionando a las Amazonas uniéndose a la hija de Darkseid. En realidad era parte de un truco o algo, yo qué sé. Pero se queda por ahí de fondo. De hecho en DC Rebirth en el número 750 de Wonder Woman se acuerda de nuevo de ella… Para presentarla como una guerrera más, de nuevo, y decir que estuvo cautiva de un hombre que la tenía encadenada y la violaba. En fin, parece que solo tuvieran un número de historias que contar. Pero alguien decidió cambiar esto.
Y entonces llega ese 2021.
Un año en el que lo primero que hacen es sacar su cómic juvenil Nubia: Real One. En este cómic es una joven adolescente aparentemente normal pero que resulta tener la fuerza y blablabla de una amazona. Así que un día hay un incidente, usa la fuerza, sus madres tienen que llamar a ‘alguien’. Que, por supuesto, es Wonder Woman. Que le cuenta que es su gemela. Su gemela de como veinte años menos, supongo. En fin, hemos vuelto al principio, pero con varios giros. Pero lo importante es que Nubia ahora puede ir a manifestaciones de Black Live Matter. No, no, no lo digo como comentario sarcástico. Es literal.
No sé a quién engañaron o si no prestaban atención, pero pasar de la anterior versión a esta es todo un logro. El cómic habla también de machismo, violencia contra las mujeres, tiroteos en las escuelas… en fin, un ALL-IN USA. Es sorprendente lo que logras contratando autoras afroamericanas, en este caso una guionista estadounidense y una dibujante jamaicana.
Pero esto fue el principio del año y en un título juvenil, ese mismo 2021 en el universo habitual durante lo de Dark Nights: Death MetalDiana se larga a combatir, y en mayo -en Infinite Frontier 0- la reina Hipólita ofrece a las amazonas cubrir el puesto de Wonder Woman, les va explicando lo que conllevaría… y al final solo Nubia se atreve. Lo que pasa es que era un truco -como siempre- porque Hipólita es la que se va a quedar de reemplazo de Wonder Woman, mientras que Nubia ocupará el trono. Lo que nos lleva a:
En la que explican que Nubia nació como amazona por el estilo tradicional: Saliendo del Pozo de las Almas cerca de cuando la princesa Diana -la suya- nació. Algo importante porque la serie comienza tras todos esos años sin actividad con la aparición de cinco nuevas amazonas salidas del pozo. Ninguna de las cuales tienen el pelo largo tapándoles de la cara ni salen de la tele, para que digan luego que están respetando las tradiciones. La mini se usa, por tanto, para ‘contar’ cómo funcionan las cosas, que es una forma de reseteo como otra cualquiera. Explicando que han podido tener una vida antes pero que ni la recuerdan ni es importante, porque cuando llegan a Temiscira tienen que encontrar de nuevo su propósito y lugar. Así, volvemos de nuevo a la historia de Nubia como guardiana de la Puerta del Infierno -bueno, Doom’s Doorway, que suena un poco menos Sunnydale-, (algo que enlaza con lo que cuentan de ella en Wonder Woman 80th Anniversary 100-Page Super Spectacular), también aprovechan para recuperar un símbolo de su breve aparición por WW hacía unos 20 años. El león. Por supuesto nos enseñan otras cosas como que tiene una relación con otra de las amazonas, o que la puerta se está abriendo. Por supuesto esto lleva a varias cosas, no solo a 2022, también fundamentalmente a que en una serie de solo 6 números para el final del 5 nos anuncian ya que participarán en un crossover, que tiene llegar en el sexto y último. En fin, decisiones editoriales.
Trial of the Amazons es uno de esos crossovers en los que cada serie, incluso las creadas para la ocasión, parecen estar contando una serie distinta en la que suceden algunos hechos comunes, que van encaminando a matar a algunos personajes que, si se acuerdan, ya volverán. (De momento no lo han hecho, pero sólo han pasado tres años). No te digo ya el follón de tener por medio a Yara Flor, Cassie Sandsmark y Donna Troy. Como para preguntar quién es quién. Aunque, de momento la cosa terminaba yendo a un especial.
Y aquí veremos la vida anterior, su vida como Zahavah, princesa de Madagascar. En serio. Una guerrera que comandó en la batalla y se encontró traicionada por un tipo que decidió que si mataba a suficiente gente podía llegar a ser rey. Supongo que por pura observación. También hablaría de otros asuntos sobre misoginia, raza, etc…
Y serviría para lanzar la siguiente serie. Miniserie esta vez:
Cuatro números duró Nubia: Queen of the Amazons (2022) y sirve más para hacer cosas distintas a las que nos habían presentado en el especial de coronación, así que podemos decir que la coordinación de DC sigue siendo la de siempre. Al final parece más centrada en mandar a la gente a la colección de Wonder Woman y en crear a una enemiga modelo Grace Jones no está muy claro para qué. Por cierto que este último número llegaría en noviembre de 2022, pero lo de Revenge of the Gods no llegaría hasta mayo de 2023.
Como decía, un ejemplo de gestión de DC.
Entre medias, en enero, tendríamos dos nuevos lanzamientos con Nubia en el título. El primero sería Nubia & The Justice League Special (2023)
Vendido como parte del 50 aniversario del personaje, y que en realidad sirve para meterla con la JLA a que todos digan lo guay que es, salga otra vez al mundo de los hombres -que tiene la sorprendente tendencia de ser Estados Unidos- y poco más. Desde luego nada que tenga que ver con ninguna de las tramas abiertas.
En cuanto al otro lanzamiento…
Continuación de uno de los títulos más exitosos de la colección infantil de DC, Diana: Princess of the Amazons, en esta vemos como Nubia desea una hermana y acaba encontrándose que Diana existe. Cosa que no recuerda. Ni Diana. Pero el resto sí. Porque Diana tuvo el mismo deseo. Tiene que aparecer Hera a explicarles el multiverso: En algunos universos Diana era hija única, el otros lo era Nubia, y los hay -como este- en el que las dos eran hermanas. Gemelas. Dentro de un orden. Y todo irá sobre adaptarse a esa novedad, lo que se pierde y, sobre todo, lo que se gana.
Por supuesto Nubia sigue siendo la reina de las amazonas, así que la vamos viendo en Lazarus Planet, Amazons Attack, Beast World, Absolute Power, Birds of Prey, por algún motivo también en Batman/ Santa Calus: Silent Knight Returns. Lo cierto es que desde noviembre de 2024 no la hemos vuelto a ver. Aunque no diré que por motivos electorales pero con DC por medio… a saber.
Aunque, al menos, ya hemos visto que Nubia no tiene prisa. Sus lectoras, por otro lado… Quizá agradecerían tenerla de vuelta, a ser posible viva y sin torturar.
¡Hasta aquí para esta letra! Ya veis que la N nos ha traído variedad y nostalgia, un poco de cada. Pero el mes que viene habrá más, aunque será en Marvel. Además, así podemos aprovechar mientras para ir pensando para dentro de dos meses, en las cosas que DC tiene preparadas para nosotros en la O. Y ya os podemos ir adelantando que os va a dejar…
¡Un mes más, una letra…! ¡ARGH! Lo cierto es que la M está tan a tope que vamos a tener que dividirla en dos partes. Qué le vamos a hacer. De hecho en la primera parte nos vamos a quedar poco menos que en mitad de Títulos que Comienzan con Marvel… En fin, que mejor vamos empezando porque con esta letra vamos a tener que ir a… ¡MACHETE!
01) Machine Man (1978–1981) (1984–1985) / Cable/Machine Man ’98 (1998) / Machine Man/Bastion ’98 (1998) / X-51 (1999–2000)/ Machine Man 2020 (2020)
Lo primero de todo… Que vida esta, ¿eh? Un día te crea Jack Kirby para expandir la adaptación al cómic de 2001 y lo siguiente que pasa es que te pasas año pegando tumbos.
En el caso de Machine Man lo siguiente que pasó es que le dieron su propio cómic. 19 números duró, nada menos.
Y unos pocos años más tarde alguien -probablemente Tom DeFalco – pensó que lo más lógico era juntar a Herb Trimpe como dibujante con Barry Windsor-Smith como entintador para contar una historia nueva.
En el futuro, por si os preguntabais por esos cortes de pelo. Sería una serie limitada de cuatro números con portadas a juego…
que ponían a Machine Man nada menos que en 2020, enfrentándose a un Iron Man malvado (pero, ¿no lo son todos?) en un futuro que en lugar de mascarillas tenía coches voladores. Ni punto de comparación, claro.
La serie sería recuperada una década más tarde por el sencillo método de publicarla en dos especiales que cubrieran dos números cada uno.
En esos diez años entre la edición original y la re-edición le había dado tiempo a aparecer por aquí y allá del universo Marvel, incluyendo un par de apariciones, primero como enemigo de los Vengadores dentro de los Heavy Metal -una historia para otro postero- y más adelante como aliadoenfrentándose a Términus
que sirvió para que acabara de reserva de los WaCos y, finalmente, apareciendo como miembro de pleno derechos durante unos números en los que los originales estaban en Iraq… en la Operación: Tormenta Galáctica.
Lo suficiente como para que volvieran a intentarlo otra vez con un par de anuales
Habrá quien diga que esto parece algún tipo de reconversión de un proyecto del personaje. Que cosas tiene la gente.
En realidad al año siguiente Marvel lanzaba la línea -por llamarlo algo- Marvel TECH que incluía el cómic X-51
Total, por intentarlo. 13 números duró. Una serie muy de su época y que incluía un paso de Jack Kubrick a X-51… Si pensáis que se llamaba Aaron mejor no penséis mucho porque, efectivamente, así se llama. Editores y sus cosas. Al final se supone que se va con los Celestiales, pero como el último número no es un cómic sino una especie de cosa ilustrada con letras a los lados pues a saber.
En cualquier caso, la siguiente vez que le vimos…
no, en realidad no le vimos.
Sí, Nextwave fue una serie muy popular -aunque no muy vendida, ya sabéis cómo va esto- en el que Machine Man parecía servir para encajar en el esquema habitual de personajes del guionista y, bueno, en el de Bender. Pese a lo cual estaría la duración de la serie y un tiempo más comportándose así. No solo ahí, también por Ms. Marvel y Marvel Zombies y… ¿hemos mencionado ya los Marvel Comics Presents?
Pues eso. Varios cómics distintos. Incluso logro una muy-mini de dos números.
Sí, ya había habido un Machine Man 2020 en 1984, lógico que en 2020 hubiera otra. Más aún si había todo un evento 2020. En los cómics, digo. En fin, eso. Que le dieron esos especiales con sus historias. Una en la que se hablaba del cambio entre la versión pre- y post- Celestiales y que llevaba un complemento con el Machine Man de 2020. El otro, digo.
Y, a la vez…
(Bueno, teóricamente este cómic es de 2019 y el otro de 2020, pero en este orden quedaba mejor, claro)
Así que ya veis, oficialmente y por orden del Mayor Fontanero de Marvel resulta que hay TRES Machine Man. El de siempre y el ‘impostor’ de Nextwave. Y el de 2020, claro.
¿Que cuál está ahora? Ni idea, por supuesto. Pero seguro que nos lo pueden explicar en algún momento. Quizá en un nuevo cómic. Yo lo veo: Three Machine Mans. Quiero decir, si DC no sigue con ese rumor se lanzó el año pasado.
02) Machine Teen (2005)
Si después de todo lo anterior pensabais que no le podía pasar nada más a Machine Man… aquí está Machine Teen. En realidad no tiene nada que ver con el anterior, solo es un niño-robot. Que, total, en Marvel no había ninguno. Y fuera de su propia serie solo ha aparecido en un par de números de Avengers Academy -la de los ’10s, no la de ahora- pero está claro que había que mencionarlo. Aunque sea solo para tenerlo presente cuando decidan renovar los derechos del nombre.
03) Mad-Dog (1993)
A ver cómo explico yo esta historia.
Bob Newhart es uno de los mayores cómicos de USA. O era, que ya falleció el pobre. El caso es que tuvo una serie llamada The Bob Newhart Show, de mucho éxito. Y luego tuvo Newhart, también de mucho éxito. Y luego tuvo Bob. Bob tuvo menos éxito. Quizá debería haber probado con «The«. O con «Show«.
En «Bob» Bob interpretaba a un dibujante de cómics, lo había creado en los ’50s y había dejado de publicarse por culpa del Comics Code Authority. Así que Bob se había convertido en dibujante de tarjetas. De las de felicitación y esas cosas… Pero esto es 1992 así que una empresa (Canadiense) había comprado los derechos del personaje. Y estaba decidida a revivirlo porque todo el mundo sabía en 1992 que los cómics se compraban a pares.
El único problema era que, no sé si lo he mencionado, era 1992. Así que el directivo de la editorial quiere que ese personaje sea un violento justiciero, todo grim ‘n’ gritty. Mientras que Bob quiere que siga siendo lo mismo que en los ’50s, un personaje gentil y ocurrente con su side-kick menor de edad y sus inventos y… Ya, supongo que veis por dónde va el asunto.
En realidad en la serie los cómics importaban poco. Tan poco que cuando vieron que a los críticos le gustaba la serie pero a la audiencia los directivos de la cadena -la CBS– decidieron renovarla pero pidiendo cambios. Los cambios fueron los esperables: La temporada terminaba con la noticia de que los canadienses vendían la editorial y los nuevos jefes querían cancelar la serie. Así que en la siguiente Bob dejaba los cómics y volvía a sus tarjetas. Y, de paso, metían a Betty White en la serie como la nueva jefa. Sí, la serie tiene un tiempo. Con deciros que Jere Burns hacía de hijo del personaje de White que quería el puesto de Bob. Tanto dio, cancelaron la serie igual.
ero bueno, los cómics. Resulta que Mark Evanier era uno de los guionistas -algún día tendremos que hacer un posteo a ver qué no ha guionizado Evanier– así que aunque daba un poco lo mismo en el piloto lograron meter a Jack Kirby, Jim Lee, Marc Silvestre, Art Thibert y -por supuesto- Sergio Aragonés, entre otros. E, ncluso, a gente del mundo del cómic aunque no dibujara. Como Bob Kane.
La lógica indicaba que alguien intentaría sacar tajada, y en 1992 ese alguien iba a ser Marvel, claro. Que tenía, además, una IDEAZA.
Montaron un ‘flip-book’ en el que por un lado estaba la versión de Bob -de Ty Templeton… quiero decir, de Bob con la ayuda de Templeton– y en el otro la versión de la editorial -de Evan Dorkin y Gordon Purcell–
Por supuesto la serie no duró demasiado. Ni la de televisión ni la de cómic. Pero es no significa que no lo intentaran.
Por supuesto este no sería el único Mad-Dog de Marvel. Y con el estilo habitual tenemos a un ex-novio de Patsy Walker, de su época de cómics de modelos. Reconvertido en algo así como supervillano. Había varios más, por supuesto. Pero este es el más importante. Y con eso y todo no fueron capaces de darle una serie mensual como aquí.
Mucho menos una con dos portadas en cada número. Mucho menos como estas.
04) Major X (2019)
ROB! Su más reciente creación. En la que ha acabado siendo su oportunidad para acabar saliendo él mismo. Por supuesto este cómic no se merece un pequeño texto aquí, pero como ya hemos dedicado algunos posteos lo más lógico es que el único texto de acompañamiento sea…
AVIV BÖR!
05) Man from Atlantis (1978)
Sep, otra serie de televisión. Pero lo meto igual porque no deja de tener gracia que Marvel tenga un cómic llamado Man from Atlantis. Siete números duró. Antes incluso de que cerraran la serie -que solo duró media temporada, aunque es cierto que antes de eso habían sacado cuatro telefilmes-, pero eso no significa que no puedan reclamar el título para cualquier otro cómic. Si la NBC les deja.
06) Man-Thing (1974–1975) (1979–1981) (1997–1998) (2004) (2017) / Giant-Size Man-Thing (1974–1975) / X-Men: Curse of the Man-Thing (2021)
¿Os acordáis de cuando os decía que Medusa no ha tenido nunca una serie propia y Sue Storm solo una pero que siempre hay personajes a los que se les da la oportunidad una y otra vez. Pues bienvenidos a esta historia.
Trataré de hacerlo lo más corto posible. (Risas).
1971, se estrena el cómic Savage Tales y con ello
llega Man-Thing. (Creado por Roy Thomas y Gerry Conway a los guiones y Gray Morrow como dibujante. Aunque lo mismo tendríamos que buscar quién era el editor para añadirlo). Podríamos haber dicho que recordaba a The Heap, que vio regresar el personaje otra vez ese año, el mismo ene l que se publicó la versión de Swamp Thing (Alex Olsen, no Alec Holland) en House of Secrets. Pero entonces habría un posteo que no podríamos organizar en el futuro. Además de que dije que iba a tratar de ir rápido.
Bueno, en cualquier caso de allí volvió a Astonishing Tales y a Fear, hasta que le dieron su propio cómic. O, mejor, dos cómics. Uno el de la serie regular, y el otro… Bueno, es normal que le miraran a la cara y se preguntaran cómo era su… Man-Thing.
Siempre un paso por delante.
Steve Gerber y Val Mayerik se encargaban de la regular, y Gerber de nuevo, pero esta vez con un grupo variado de dibujantes (incluyendo a Mike Ploog, John Buscema o Alfredo Alcalá) de la otra. Mayerik se iría de la serie tras el cuarto número, dejando paso a Ploog hasta el once, y a partir de ahí de nuevo baile -repitiendo de los del otro lado- y ya Jim Mooney se ocuparía del diecisiete al veintidós.
En fin. Que nuestro protagonista iría saliendo aquí y allí, en sitios más normales como Daredevil o el Monsters Unleashed, y en sitios… no tan normales. Como el Mighty Marvel Calendar for 1975.
Un chico de calendario, que os puedo decir. (Sí, quizá de estos calendarios también deberíamos plantearnos hacer posteos. ¡Si es que la actualidad deja de atropellarnos!)
En cualquier caso, sus especiales y su serie regular terminaría ese mismo 1975. En mayo y julio, concretamente. (Aunque ya sabéis, la fecha impresa es posterior) Tanto da, siguió apareciendo aquí y allá hasta que cuatro años más tarde llegó el siguiente intento.
Jim Mooney volvía a los dibujos pero esta vez Michael Fleisher guionizaba, al menos los primeros tres números. A partir del cuarto -y salvo por un fill-in de Dickie McKenzie y Larry Hama– metieron a Chris Claremont con Don Perlin. Aunque para el 11 cerró, aún con Claremont pero cambiando a Perlin por Val Mayerik de nuevo.
Una serie de apariciones más tardes aquí y allá y en 1988 pasó a Marvel Comics Presents con pequeñas historias durante doce números. Más apariciones sueltas y participaciones en cosas como Daydreamershasta que en 1997 le toca serie nueva.
Efectivamente, con J.M. DeMatteis como guionista y Liam Sharp como dibujante. Ocho noventerísimos (sección Vértigo) números duraría. No tenéis más que mirar las portadas.
Teniendo en cuenta que en el último indican que en el siguiente número aparecerá Silver Surfer… No tiene pinta de que estuviera planeado, no.
Por supuesto en otros ocho años decidieron darle una nueva oportunidad, pero esta vez con un par de cambios. Para empezar ahora estaba dentro de Marvel Knights…
y también era una nueva persona…. cosa… persona-cosa… En fin, que no era Ted Sallis sino Nathan Mehr. Al fin y al cabo lo guionizaba Hans Rodionoff. El guionista de la película.
¿Cómo que qué película? La que se estrenó en 2005.
Imaginad cómo será de buena que el único servicio que la tiene es Filmin.
En cualquier caso fueron tres números solo, peor porque eran una especie de precuela de la película y porque querían dejar a la gente con ganas de más. Claro. Inexplicable saber por qué no funcionó.
En cualquier caso y tras ese pequeño tropiezo volvimos a Ted Sallis y de ahí otro rato de hacer de secundario hasta acabar en… suspiro…
… los Thunderbolts.
Fueron unos años, pero claro. Todo llega a su final. Cierto es que para entonces habían pasado dos años, era 2012 y se llamaba Dark Avengers.
Así que la cosa tenía que ir a mejor.
Bueno… antes de eso…
Pasaron cosas.
Bueno, fueron seis números. Pero fueron. Y para el año siguiente…
Una nueva colección con R.L. Stine guionizando. Su quinta colección ya. Y dado que habíamos pasado por la primera con 22 números, la segunda con 11, la tercera con 8 y la cuarta con 3… esta no podía tener menos números. ¿No? Bueno, tuvo 5 que es una mejora con respecto a la cuarta, aunque sean menos que las tres anteriores. Que al final de la historia quedara atrapado en una realidad alternativa no significa que cuatro meses más tarde no pudiera volver a aparecer haciendo una aparición en su situación habitual y sin explicar nada que tuviera que ver con lo sucedido.
De hecho en 2021 hubo uno de esos ‘eventos especiales’ que no es ninguna de las dos cosas sino una serie de one-shots más o menos temáticos…
Y tan recientemente como ahora mismo -comenzando el año pasado, de hecho- le tenemos de coprotagonista de otra serie de cómics.
Qué puedo decir, hay gente a la que no encuentran el momento de darle serie propia y otros, sin embargo, no dejan de tener oportunidades. Debe de ser parte del Método Marvel.
07) Mantra (1993–1995) (1995–1996)
El caso de Mantra es particular. Comienza su publicación en Malibú. Malibú Cómics, una editorial independiente cuyo mayor logro fue que logró hacerle el sorpaso a DC en las ventas de Diamond. Por supuesto esto se resolvió de la manera tradicional: Marvel la compró y desguazó. Perdón… La integró en su universo.
Por supuesto la compra tuvo lugar en noviembre de 1994 pero la edición de Mantra lo hizo en julio de 1993 (fecha de portada) así que podemos decir que el primer año y medio no tuvo mucho que ver con ellos. Lo que explica el asunto: Mike W. Barr y Terry Dodson cuentan la historia de un guerrero legendario cuya alma acaba en el cuerpo de una mujer. A partir de ahí tiene que aprender a convivir con ello mientras aspira a volver a ser hombre. Por supuesto con muchos enemigos y amigos e historias y acción y blablabla. -Y con el diseño original de los personajes acreditado a Adam Hughes– Pero para cuando llega Marvel hay un parón en la serie y para cuando regresa… Digamos que algunas cosas habían cambiado.
A veces pasan estas cosas. Barr seguía guionizando pero el puesto de dibujante (que primero ocupó Dodson -con algún fill-in sobre todo de Robb Phipps – y tras su salida en el 12 se venían repartiendo Jason Armstrong y Mark Heike) pasaba a un grupo de dibujantes podríamos decir que rotatorio. Duraría solo seis números antes de intentar un relanzamiento
con un nuevo cuerpo después de que el anterior ‘pereciera’ en una lucha contra su hijo poseído. Ya, bueno, cosas que pasan.
El caso es que la colección siguió adelante aunque, como veis, con un cambio particular porque…
Por lo visto a donde iban no necesitaban guionista.
En el segundo aparece un guionista / creador, que repite en el tercero.
Pero para el cuarto…
Vuelve a haber un hueco donde el guionista debería de estar. Supongo que en algún momento sabremos qué pasaba, y si había algún problema entre Barr y Marvel, lo que está claro es que para el quinto aparece como guionista Jerald DeVictoria, el editor de Malibú. La serie no remontaría y solo dos números detrás cerraría, ambos escritos por Tom Mason. Que parecía tener muy clara su posición.
Lamentablemente ni luego y ni en ningún momento encontrarían un hueco en Marvel para aprovechar o recuperar los personajes. Para que luego digan que solo sabe copiar a DC. Claramente hay cosas que no sabe cómo copiarlas.
Pero bueno, lo mismo en algún momento se animan a recordar el dinero que pagaron por esto -o por CrossGen– y el nulo uso que le dieron.
08) Many Loves of the Amazing Spider-Man (2010)
¿Hubo en algún momento un simulador de citas de Spidey? En contra de lo que parece esa portada lo cierto es que no. También es verdad que en 2010 hacer una referencia a The Many Loves of Dobie Gillis es mucho confiar en el público, pero vaya. La historia más extensa es una de Spidey y Gata Negra, luego hay dos cortas, una de Gwen y Carlie Cooper -a quien seguro que recordáis, *cof*– cunado eran jóvenes, antes de Spidey; y una última de MJ en la que Spidey es poco menos que un eco del pasado, presente pero en otro plano.
09) Marauders (2019–2022) (2022–2023)
Riquezas, fama, poder: todo lo tuvo la mujer que se proclamó Gatasombra, Kitty Pryde. Pero en Marvel alguien pensó que podía montar una de piratas -algo así- durante la etapa de Krakoa y ahí estuvo, en teoría a rescatar los mutantes de países que no reconocían Krakoa. O algo así. Creo que era una metáfora.
Tanto da, la primera serie duró 27 números. Que a estas alturas supongo que no está mal, y mejor aún porque decidieron seguirla de casi-inmediato con, eso sí, una nueva tripulación.
Y esta vez acabaron teniendo hasta un ‘mapa del tesoro’. Y duraron una docena de números. Qué puedo decir, está claro que hay ‘conceptos’ más exitosos que otros.
10) Mark Hazzard: Merc (1986–1987)
Con todo aquello del lanzamiento del New Universe hubo reparto para todos y a Peter David -a quien podéis ayudar con sus facturas médicas aquí mientras recordáis eso de que USA es la tierra de la libertad- se le ocurrió una de un mercenario separado de su familia y todo eso. Así que según el día es más ‘drama social’ que ‘acción con trasfondo’, la verdad, acababa estando casi más cerca del psicodrama. Lo mismo va a ver a su hijo al baseball y acaba matando a gente que trabaja en un asunto y acaba en poco menos que bombardeo. Cierto es que algunas viñetas se leen hoy de otra manera…
Pero no lo es menos que hay otras que podrían haber sido de El Castigador. Aunque no sé cuál de sus versiones.
Aparentemente en el número 11 el protagonista moría. En el 12, sin el nombre, se nos contaba otra historia -en Afganistán… contra los malvados Rusos. Como digo, hay viñetas que cambian de significado- y como no hemos tenido más no podemos saber más… Aunque…
En realidad sí que ha habido otra pequeña aparición, mínima,
una historia corta y casi lateral que no parece interesada en contar si sobrevive o no al psicodrama familiar del número 11 o si es una historia alternativa o qué. Pero es que el Nuevo Universo en demasiados casos fue así: Misterioso.
11) Marty Stuart: Marty Party in Space (1995)
En un momento determinado de su historia (los años noventa, claro) en Marvel pensaron que lo que tenían que hacer para sacar pasta era crear MARVEL MUSIC, un sello centrado en… músicos, o algo así. Gente famosa. Como Marty Stuart. ¿Quién no recuerda The Whiskey Ain’t Workin’? que, como coincidencia, es lo mismo que decían en la reunión de Marvel en la que se decidieron estos lanzamientos.
Claro que otra de las elecciones del sello fueron Billy Ray Cyrus, Onyx y, por supuesto, Kiss. Kiss Classics, de hecho. No es lo único que sacarían, pero da una buena idea de por qué el sello duraría un año. Y ya me parece mucho. Así que ya sabéis, siempre podéis aspirar a crear un sello que dure más que el Cop Rock del cómic.
12) Marvel Adventures (1997–1998)
En los noventa Marvel montó Adventures of Spider-Man y Adventures of the X-Men para tirar adelante con las series animadas que habían creado. Ambas se cancelaron en el ’97, poco antes de que llegara esta nueva colección que servía de contenedor de historias de distintos personajes y también de secuela no oficial de estas. Aunque el empezar con un número diciendo All-New Titanic Tales in the Animated Style! en la portada debería hacernos pensar menos en DiCaprio y más en el barco. Lo cierto es que hubo una cierta rotación con Hulk, Spidey, los X-Men, Silver Surfer y los Cuatro Fantásticos. Duraría 18 números, en el último de los cuales tendríamos la primera aventura del Capitán América. No digo que haya una relación directa, pero está claro que no todo el mundo está listo para su primer plano.
13) Marvel Apes (2008–2009)
El multiverso tiene estas cosas. El Gibbon, un viejo enemigo -bueno, o algo- de Spidey acaba viajando a un universo paralelo de simios. Junto con una científica humana. Lo raro es que no fueran patos. En cualquier caso esto les sirve para una mini en la que sale un universo nuevo, varios especiales y luego la otra miniserie.
Así que podemos resumir el asunto en que en los ’00s se intentó a ver si lo de poner un mono en portada se vendía. El resultado es evidente.
14) Marvel Boy (1950–1951) (2000–2001) / Marvel Boy: The Uranian (2010)
Espero que estéis preparados para el dolor de cabeza que se viene.
En 1950 Marvel Cómics decidió intentarlo con los superhéroes, así que puso a uno de sus dibujantes (Russ Heath) a trabajar con uno de sus guionistas (Stan Lee) para crear la historia de… Bueno, es más fácil mostrarlo:
Por supuesto todo muy original. Desde lo de montarse en un cohete para ir a otro mundo a una sociedad que, así entre nosotros, parece que solo tiene hombres y se oculta en URANUS.
Es posible que alguno crea que estas son cosas de niños, al fin y al cabo. En cuyo caso… creo que tenemos que hablar de los problemas de la juventud en los años ’50 según los anuncios en sus cómics.
Pero, por extraño que suene, la cosa no funcionó demasiado.
Paar el número tres el cómic cambió su nombre a…
Astonishing, o Astonishing Tales of Science Fiction!, que mantuvo a Marvel Boy en la portada… un rato. Hasta el número 5 apareció allí, para el 6 ya no estaba en la portada…
y para el 7 no estaba ya ni en el cómic.
Por supuesto la cosa se podía haber quedado ahí. Pero ya sabemos cómo son los escritores de fanfics.
El reputado autor de fanfics e inmatriculador Roy Thomas se trajo en Los 4 Fantásticos de 1975 a un personaje llamado Crusader que se supone que podría haber sido Marvel Boy. Igual que luego decidieron tomar parte de las ideas -y de su equipación- para Quasar.
Y en 1989
en un número de The Mighty Thor se presentaron a los New Warriors. Incluyendo a un Marvel Boy que llevaba años dando vueltas, primero como un joven con relación con los Guardianes de la Galaxia (los de los cómics de antes de las películas), luego como sidekick de La Cosa, y al final… Vance Astrovik era Marvel Boy. Al menos un rato. Hasta el 43 de New Warriors.
Por supuesto no íbamos a terminar con ello. En el año 2000 dentro de los Marvel Knights decidieron dejar que Grant Morrison y J.G. Jones trajeran a
un nuevo Marvel Boy. Esta vez es un kree llamado Noh-Varr… de una realidad alternativa… que acaba atrapado en la nuestra. Una idea popular, la verdad. De nuevo me sorprende que no haya patos. La historia acababa con Noh-Varr clamando venganza, asegurando que crearía un nuevo Imperio Kree en la Tierra y de rebote terminaríamos la mini con…
El anuncio de una continuación que -sorprendente, seguro- nunca llegaría a publicarse.
El personaje, eso sí, seguiría adelante. Reaparecería en Civil War: Young Avengers and Runaways, controlado por los Illuminati o algo igual de estúpido, y a las órdenes de SHIELD para cazar jóvenes superhéroes. Le sacarían en algún otro evento hasta que con los Dark Avengers aprovecharon para que se ocupara del puesto de Capitán Marvel. Y para el Annual de la colección, ya fuera del equipo, pasaría a llamarse Protector.
¿Qué si puede haber un motivo concreto para este cambio de nombre? Bueno… resulta que entre el final de la mini y la reaparición en la Civil War, ese mismo 2006, pasó otra cosa. Unos meses antes de esa fecha llegó una serie con personajes ‘antiguos’…
Y en ella, por supuesto,
volvía Marvel Boy. Que, todo sea dicho, intentaba explicar lo de Crusader. Dos series de Atlas y unos cuantos especiales después debieron de pensar que se podía intentar dar de nuevo una serie propia al personaje. Y hacerlo a la vez que salía Avengers vs. Atlas. Al fin y al cabo el guionista, Jeff Parker, sería el mismo. El nombre para esta ocasión sería, sin embargo… no muy afortunado.
El logo podría haber sido peor, eso sí.
En cualquier caso, los tres números reunían una historia en la que se rellenaba ese momento entre la serie original -cuyas historias aparecían como complemento. Historias seleccionadas, os diría, pero ya sabéis que solo salieron seis- y su reaparición en Atlas. Explicando, por supuesto, todo el follón de Crusader, lo que significaba tanto explicar quién era – Thelius-, de dónde salía -en realidad Bob Grayson no se había encontrado con Uranianos sino con Eternos que habían acabado en Urano y que usaban la banda mental que le dieron para traspasar sus memorias a otra persona después de haber asesinado a su padre, con idea de convertirlo en su propio Marvel Boy– como qué había pasado -los Uranianos descubrieron el pastel y fueron a por los Eternos de Urano, eso es lo que causó que Thelius se despertara, se fuera del planeta y al volver se encontrara el pifostio montado y etc…- parar poder moverlo de nuevo en Atlas. Con el nombre de The Uranian en lugar de Marvel Boy. Que es el que ha salido usando hasta su última aparición en Atlas junto al resto de héroes, como Protector… que no es el Protector que fue Marvel Boy sino…
En fin, mejor lo dejamos en eso. Hemos tenido tres series de Marvel Boy, y un mínimo de tres personas que se han hecho llamar así…
Y ahora mismo no se llama así nadie. (Hasta que haya que renovar los derechos de la marca)
Supongo que hay alguna enseñanza en todo esto, pero ahora mismo solo necesito tomarme algo para la cabeza y tumbarme un rato.
15) Marvel Chillers (1975–1976)
En algún momento de los setenta -1975 en concreto- en Marvel decidieron que podían tener una colección llamada Marvel Chillers para servir de plataforma a otro mago místico… o algo así… llamado Modred the Mystic. Para el tercer número ya habían decidido que mejor volver a lo de siempre y dárselo a Tigra.
Que venía de The Cat y un par de apariciones sueltas en un par de los títulos de terror de la compañía. Ya. Decisiones.
Modred pasaría a quedarse como secundario que aparece para liarla. En su siguiente aparición la lio con Spider-Woman, luego la liaría con Chthon y con el Darkhold -fundamentalmente- a la Bruja Escarlata y casi quien pasara por ahí. También estuvo por medio del follón de Blade y Switchblade pero mejor no hablar para eso, ya habrá posts para recordarlo.
Ah, sí, la serie de cómics… Bueno, el paso a Tigra tampoco hizo mucho por ello y para el siete cerraría. Y ella pasaría a Los Cuatro Fantásticos. Así que supongo que nadie perdería.
Salvo Marvel Chillers, claro. Esa cabecera seguiría cerrada.
Por extraño que parezca existió un Marvel Cómics antes que Marvel Cómics. Aunque no duró mucho, la verdad. Quiero decir, sí, presentaba una serie de supers como La Antorcha Humana -original-, El Angel -original-, Submariner -vamos, Namor-, Masked Raider -no es la serie, aunque podría-, y Ka-Zar – David Rand, no había Plunders por medio aún-, así que podríamos decir que había mucho de lo que Marvel luego… reciclaría para su éxito.
Y menos mal, porque para el segundo número ya le habían cambiado el nombre.
Durante los siguiente diez años sería esta Marvel Mystery Comics, que mezclaría material nuevo y reposiciones y todo eso… hasta que la llegada de los años cincuenta hizo que cambiara otra vez, a partir del número 93, a…
Sí, Marvel Tales. Que tendría incluso más reposiciones y que acabaría en el número 159 en 1957. Lo que podría parecer un buen final para el asunto. Excepto porque…
En 1964 alguien pensó que se podrían recuperar. Fundamentalmente para hacer reediciones de historias destacadas y todo eso. Por algún motivo duraron 10 números probando historias de distintos personajes y a partir del 11 pasó a ser reediciones de Spider-Man. A veces solo, a veces acompañado. Un número cada dos meses y así logró llegar hasta 1994 291 números más tarde. Que no está mal para una colección de reediciones más o menos salteadas de Spidey. Supongo.
Por supuesto esto no logró que la historia acabara aquí, porque en 2019 hubo un nuevo…
Marvel Tales. O Marvel Tales 2019. No sabemos por que no el título a secas, será que un tercer volumen era demasiado. En cualquier caso en esta ocasión volvíamos a las reediciones, pero esta vez temáticas por personajes variados. Y no solo personajes, también hubo uno centrado en Ravencroft, por ejemplo. En total 44 números que llegaron hasta 2023 y hasta… veamos… Rom and the X-Men.
Me sorprende que no lo pusieran a 80 €.
Pero hay una enseñanza real. Porque esto significa que de alguna manera ese cómic original llegó hasta 2023. Aunque sea con etapas que daban saltos, reciclando personajes, reimprimiendo y reciclando historias y, en general, cambiando de nombre o sacando números uno nuevos cada vez que era necesario.
Así que podemos decir que ese primer número inspiró todo lo que Marvel es como editorial. Sin duda.
17) Marvel Classics Comics (1976-1978)
No siempre la culpa de todo es de Marvel. Por ejemplo esto de Marvel Classics Comics, que no dejan de ser adaptaciones al cómics de clásicos de la literatura asterisco.
La culpa fue del cierre de Classics Illustrated, la serie de adaptaciones al cómic que llevaba creándose desde 1941. Primero en Elliot, luego en Gilberton y, finalmente en Frawley. En 1969 sacaron la última novedad, en 1971 dejaron incluso de sacar reediciones y cerraron también los Classics Illustrated Junior -que habían empezado en 1953 y duraron un poco más-. Así que eso abrió la clásica ‘ventana de oportunidad’. Y ya sabemos que si en Marvel ven una ventana abierta saltan por ella.
Comenzaron con Dr. Jekyll & Mr. Hyde y tiraron para delante con obras que fueran más o menos juveniles, más o menos clásicas, más o menos de aventuras y fantasía, nada muy estridente, nada muy exótico, total su versión de La Odisea no iba a ser peor que la de Nolan.
Aunque lo cierto es que había algunas adaptaciones en las que cabía la duda de si habían leído el libro más allá del título.
Total, que 36 números más tarde, tres años, y una buena cantidad de libros adaptados incluyendo DOS escritos por mujeres (Black Beauty y Frankenstein, claro) pegaron el cerrojazo.
Ah, no os preocupéis. La empresa original volvería a ponerse a sus cosas en varios otro momentos y distintas maneras. Ya le dedicaremos un posteo en algún momento porque varias de ellas – First, Acclaim– fueron en los noventa.
¿Y Marvel? Pues en los ochenta llegó a un acuerdo para darle una vuelta de nuevo a media docena de los suyos… y no debió funcionar mucho mejor, la verdad. Y, como todo vuelve, en 2007 estrenaron Marvel Illustrated. 10 títulos en 3 años sacaron. En formato miniserie, normalmente. Y nada más. Quizá porque esta vez el aspecto era más… dosmilero…
Pero estando libres de derechos ya habrá tiempo para que lo retomen. Sospecho.
18) Marvel Divas (2009)
Cuando en Marvel deciden ser feministas siempre les pasan cosas. Por ejemplo, en 2009 decidieron sacar este Marvel Divas y, os vais a quedar de piedra, hubo quejas. Y mira que en la sinopsis explicaban claro de lo que iba esto:
*Diva (dee-vah), noun: An unusually glamorous and powerful woman. See: Patsy «Hellcat» Walker; Felicia «Black Cat» Hardy; Angelica «Firestar» Jones; and Monica «Photon» Rambeau. What happens when you take four of the Marvel Universe’s most fabulous single girls and throw them together, adding liberal amounts of suds and drama? You get the sassiest, sexiest, soapiest series to come out of the House of Ideas since Millie the Model! Romance, action, ex-boyfriends, and a last page that changes everything! Let your inner divas out with this one, fellas, you won’t regret it!
Ah, perdón, que a lo mejor lo preferís altavisteado:
*Diva (dee-vah), sustantivo: Una mujer inusualmente glamurosa y poderosa. Véase: Patsy «Hellcat» Walker; Felicia «Black Cat» Hardy; Angelica «Firestar» Jones; y Monica «Photon» Rambeau. ¿Qué pasa cuando juntas a cuatro de las chicas solteras más fabulosas del Universo Marvel, añadiéndoles una generosa dosis de drama y humor? ¡Obtienes la serie más atrevida, sexy y culebronera de la Casa de las Ideas desde Millie la Modelo! ¡Romance, acción, exnovios y una última página que lo cambia todo! ¡Despierten la diva que llevan dentro con esta, chicos, no se arrepentirán!
Vamos, que era gente conocida, no iban a poner una diva sin nombre un montón de ilusión. Mucho mejor que sea valiente, poderosa, sencilla como un simple mortal, no pisa a nadie para brillar. En fin, que estas Marvel Divas buscan hacer lo mejor posible con el feminismo…
…así que es normal que esté lleno de hombres. Porque todo el mundo sabe que no hay nadie más feminista que un hombre.
O algo.
Por algún motivo solo salieron cuatro números. Pero, vaya, si algún día Aguirre-Sacasa vuelve a los cómics SEGURO que sabemos más de las divas.
19) Marvel Fanfare (1982–1991) (1996–1997)
Durante 60 números, a razón de un número cada dos meses, y con Al Milgrom como editor, la idea de Marvel Fanfare era intentar sacar historias sueltas que recuperaban personajes, y servían para probar el interés en creadores establecidos o en novatos. Todo esto con una creación de una historia principal que podía llegar a llevar una segundo e incluso una tercera -normalmente un portafolio- en ocasiones.
La llegada de los noventa los cortó… por un rato. Porque en 1996 sacaron una segunda serie, 6 números que le duraron un año que fueron…
…ciertamente noventeros.
Pero mucho.
20) Marvel Feature (1971–1973) (1975–1976)
Por supuesto los Fanfare no eran los primeros intentos de antología de Marvel. En los setenta estuvieron los Marvel Feature que servían para presentar series y probar a ver. Que no era el único, claro, porque para eso estaban Marvel Premiere y Marvel Spotlight que sacó también la editorial.
Total, que sacaron 3 de Defensores que luego pasaron a serie, después 7 de Ant-Man que no llevaron a nada -o sí, porque como no consiguió serie propia le volvieron a meter en Los Vengadores con todo el follón de Yellowjacket… ¡la falta de compradores fue responsable de que maltratara a su mujer!-, y los 2 últimos números con La Cosa y otro héroe llevaron a la creación de los Two-in-One. 12 números que se saldaron con dos 2 y un asalto. Luego ya alguien debió de darse cuenta de que tener series que servían para lo mismo no tenía demasiado sentido. Al menos un rato porque a los dos años volvieron a la carga. De aquella manera.
En esta ocasión solo se publicarían siete números de Red Sonja que acabarían ganándole su propia colección. Y, una vez logrado esto, desapareció de nuevo.
¿En qué cabeza de editor tenía algo de sentido esto? Pues supondremos que en la de uno de Marvel que no se atrevió a sacar el título directamente. Y es que al final estos cómics estaban para meter el dedo en el agua. Total, si se metían más lo mismo acababan mojándose… en demasía.
21) The Marvel Fumetti Book (1984)
Debí sospechar que algo pasaría cuando al mirar la sinopsis de este cómic lo que ponía era…
What’s a Fumetti? It’s not an Italian pastry – it’s not a sports car – it’s a comic strip made up of captioned photographs! Just like the ones in Ka-zar! It’s a laugh-a-minute romp through the Bullpen, starring your favorite comic book creators in some priceless predicaments!
Perdón, el altavisteo:
¿Qué es un Fumetti? No es un pastel italiano, ni un coche deportivo, ¡es una tira cómica hecha con fotos con subtítulos! ¡Igual que las de Ka-zar! Es una divertida travesura por el bullpen, protagonizada por tus creadores de cómics favoritos en situaciones inolvidables.
Por supuesto lo primero que uno piensa es que un fumetti no es eso y que ya están los estadounidenses con sus cosas. Pero, claro, el interior hace que esto sea solo una parte del asunto porque… lo que uno se puede encontrar dentro…
Ahm… son toda una seri de decisiones tomadas que…
vamos a asumir que son con intenciones humorísticas casi tanto como de alentar los lazos parasociales de los lectores de Marvel. Un intentó de que la gente…
no tengo muy claro la gente ‘qué’. Pero voy a asumir que buscan que la gente ‘algo’. Lo que pasa es, claro, que las decisiones ejecutivas eran…
Vamos a decir que particulares.
Que entiendo que todo lo del Bullpen y lo de Stan«The Man» y demás iba en la misma dirección. Pero al menos quedó claro que esto no tenía muchas más vueltas que darle.
Casi, casi me extraña que no sacaran más números.
22) Marvel Girl (2011)
No es que tenga yo la intención de señalar que solo hay un cómic – un one shot, además- con este título. Pero, mira, si no me toca explicar un follón como el de Marvel yo me conformo. Y aunque el estilo de dibujo y todo lo demás deje esto en muy ’10s -incluyendo una historia central sobre crecer y perder o algo así- supongo que un buen rato estarán cubiertos los derechos del título.
23) Marvel Graphic Novel (1982–1989)
Con un punto de partida que podemos imaginar -en Marvel buscaban vender tomos autocontenidos que se pudieran vender como regalo y que emularan a los lanzamientos europeos, de ahí que las 20 primeras tuvieran un número en el lateral y hasta el 38 hubiera una lista de todas ellas. Al final saldrían unas 75. Dependiendo de si contamos o no las seis de Marvel UK. Sí, Marvel UK tuvo novelas gráficas. O las de Epic. En teoría la última fue Daredevil & Black Widow: Abattoir, en la que iban al mágico mundo de Pandora… supongo.
Lo cierto es que en su interior hubo un poco de cada, algunos menos contenidos, otros… bueno. Un poco de todo. Quiero decir:
Pero bueno, que tampoco tengo mucho que contaros, porque seguro que en Panini están pensando en reeditarlas.
24) Marvel Illustrated: The Swimsuit Issue (1991) / Marvel Swimsuit Special (1992–1995)
Quizá no lo sepáis, pero en un momento determinado Marvel decidió publicar Swimsuits. Primero lo hizo dentro de este cómic llamado Marvel Illustrated: The Swimsuit Issue. Y luego ya, fuera los complejos y Marvel Swimsuit Special para todos.
Del año ’91 al ’95 estuvimos con ellos por medio y aún vemos cómo algunos han decidido considerar la posibilidad de que quizá habría que repetirlos o algo… Inexplicablemente -para mí- en Marvel no han estado tan por la labor de replicarlos y no se me ocurre por qué. Total, ¿qué es lo peor que podría pasar?
Pues eso ya ha pasado, hombre. Ya puede Marvel traerlos de vuelta. A ver cómo supera esto.
Cuando a Joe Quesada le dieron la línea Marvel Knights parecía claro que una de las cosas que hacía falta era un grupo de superhéroes. No me preguntéis por qué. Así que para allá que tiraron, con Chuck Dixon como guionista. Claro que la idea fue un poco ir añadiendo personajes de aquí y allá -en teoría Urban Warriors pero como es Dixon seguro que notáis algo en los colores-, que entraban o salían y no tanto preocuparse por algún tipo de construcción.
Y casi mejor, porque cuando decidía dedicar un número a los personajes, y mejor aún si fuera a las mujeres, lo que acababa pasando es que…
…se iban de compras, claro.
La serie duraría hasta el 15, y ahí que aguantaron Dixon y Barreto. En cualquier caso Daredevil decidía que mejor trabajar solo y ahí se acababa el asunto.
Excepto, claro, que nada termina nunca.
Así que al año siguiente lo intentaron de nuevo, pero esta vez con John Figueroa y Alberto Ponticelli. Menos elementos fantásticos aún, unos hermanos europeos o algo así como villanos, y 6 números de duración que uno no sabe si son muchos o pocos.
Unos años más tarde probaron a sacar una serie de especiales 2099 de personajes de Marvel Knights-algo así- y llamaron al TPB Marvel Knights 2099 porque la vergüenza en Marvel es algo que ni saben ni conocen.
La cosa podría haber quedado ahí, pero es que en 2019 decidieron sacar el especial 20 aniversario.
Seis números a cargo de Donny Cates y Travel Foreman en el que se nos presenta un mundo en el que los héroes están ‘dormidos’ dentro de una versión extraña de nuestro mundo y, claro, hay que despertarlos. Una trama de misterio con guiños a…
Bueno, con guiños. Toda la historia es lo suficientemente Elseworlds como para que no tengamos claro qué están celebrando, o por qué. Más aún cuando la mayoría de los Marvel Knights originales no aparecen. Pero, por supuesto, ¿qué necesidad tenemos de intentar comprender las decisiones editoriales?
Con saber que en algún momento volveremos a ver algo llamado Marvel Knights es suficiente.
26) Marvel Mangaverse (2002) New Mangaverse (2006)
Los intentos de Marvel de poner en marcha un Mangaverse han sido más extensos y sostenidos de los que uno -yo- podría pensar. De hecho, sus tradicionales lazos con Japón darían para varios posts, algunos de los cuales, por suerte, ya hemos escrito. Una historia larga que podríamos comenzar en los ’70s.
Pero que vamos a intentar no extendernos. Así que podemos centrarnos en este momento concreto, a principios de los ’00s. Desde su inicio en New Dawn
a la serie regular, y la de cierre. Además, por supuesto, de los tie-ins.
¿Por qué en estos cómics veíamos nombres occidentales como los de Adam Warren, C.B. Cebulski, Peter David, Lea Hernández, J. Torres, Kaare Andrews o… Chuck Austen en lugar de un mayor número de creadores japoneses como Akira Yoshida?
Supongo que porque los estadounidenses -y sus amigos- conocen mejor lo que el público pide, o alguna tontería similar de gestor editorial. Tanto da. Porque si esto ocurría en 2002 para 2006 había un nuevo intento llamado, claro, New Mangaverse.
Esta vez una única historia dentro del anterior mangaverse en cinco números y por cuenta del consultor de la anterior hornada, C.B. Cebulski, y el dibujante Tommy Ohtsuka que ofrecieron…
bueno, ofrecieron lo que creían que tenían que ofrecer en este turning japanese de Marvel.
La mini acababa, eso sí, con una especie de ‘no saben lo que se les viene encima’ que, efectivamente, nunca llegaron a saber porque no ha habido continuación de esto… De momento.
Vamos a tratar de explicar esto. Sé que lo digo mucho pero es que está siendo una letra llena de ideas GENIALES!
Allá por 2020 la editorial japonesa Shogakukan publicó Marvel Meow, un recopilatorio de los cómics que -fundamentalmente para instagram pero no solo- había estado realizando el dibujante (y todo lo demás) Nao Fuji. El cómic sería publicado en USA por VIZ en 2021. Pero, claro, en Marvel vieron abierto el filón.
Así que les faltó tiempo para sacar lo que podemos llamar una adaptación que luego se publicaría en papel. Más aún, en digital decidieron que podían estirarlo un poco más y en 2023 sacaron también: Marvel Meow and Pizza Dog.
Y, ya puestos, sacaron también uno de perros que -me temo- era más cómic americano que tira cómica.
Que, por supuesto, se publicaron en papel.
Lo cierto es que Marvel Meow logró tener su propia serie de portadas alternativas. Pero no vamos a extendernos más.
Simplemente nos limitaremos a recordar que años antes de todo esto, en 2009, ya hubo alguien que pensó que había que dedicar un Handbook a los…
Marvel Pets.
Así que, la verdad, mucho tardaron. Mucho.
28) Marvel Milk Maniacs: Race for Destruction (2000)
Me repito, lo sé. Pero a ver si puedo explicar esto.
Los años dosmiles fueron muy malo. Sobre todo si eras las torres gemelas. Pero no solo. También si estabas intentando hacer algo así como webcómic. Y Marvel lo estaba intentando. A tope. Una cosa llamada…
CYBERCOMIC.
La idea era hacer una mezcla de webcómic con algún otro recurso web y… bueno. Lo cierto es que empezaron en 1996 pero es en los ’00s cuando llegó al tope. Fundamentalmente porque alguien en Marvel decidió tirar del enchufe y ahora mismo la mayoría están perdidos. Más o menos. Es decir, hay autores que conservan los originales. De los guiones. De los dibujos. Pero no del resto de cosas. Y, claro, no de todo ello junto y tratado. En fin, un follón.
¿Cómo podría ser más follón aún el asunto? Pues con los Marvel Milk Maniacs.
Una iniciativa de Marvel dentro del programa Got Milk…? para que la juventú bebiera más leche. Por supuesto esto es el tipo de iniciativa que da para mucha bronca por unos, otros los de más allá. Que si era el lobby ganadero, que si por qué leche de vaca y no alternativas vegetales, que si la leche es veneno. Lo típico de estas cosas. (Internete. Estas cosas es Internete. No solo, pero fundamentalmente)
Y Marvel participaba, claro.
Hasta el punto de decidir mezclar dos cosas. Los Marvel Cybercomic y los Marvel Milk Maniacs.
¿Qué podría salir mal?
Bueno, ahora mismo es una especie de crater en internete. Podría considerarse incluso una leyenda urbana o algo así, porque hay gente que asegura haberlo visto -y leído y… eso- y que Race for Destruction salen Hulk, Capitán América y Spider-Man bebiéndose la leche…
Supongo que hay cosas que en internete nunca cambian.
29) The Marvel No-Prize Book (1983)
Por fin un cómic normal… Más o menos.
En realidad esta es una recopilación de esos ‘fallos’ de continuidad o pifias generales o lo que sea… todo lo que lleva a que los lectores, esos chacales, lo señalaran y reclamaran su ‘no-premio’.
Por supuesto habría un pequeño cómic humorístico al principio y al final. Pero lo importante es el repaso a las pifias con un cierto humor. Sencillo, agradable, fácil de convertir en posteos…
¡Un cómic ideal, vaya!
30) Marvels Channel: Monsters, Myths, and Marvels (2008)
De alguna manera en Marvel pensaron que era buena idea crear un programa estilo Friker en el que veíamos el espanto que es la telerrealidad en el universo Marvel. La idea era contar distintas historias pero al final el asunto se quedó más o menos aquí, aunque, eso sí, salió también en papel:
Qué puedo decir… Solo porque sean de cómic los periodistas no son mejores que los de la realidad.
Hasta aquí por hoy. Pero ya sabéis que seguimos teniendo mucho abecedario por delante. Y más con solo media letra. Habrá que ver cómo responde DC el mes próximo, y si logramos terminar su M, pero espero que volvamos a Marvel dentro de dos meses. Y es que con lo que tenemos por delante en lo que queda de la M vamos a tener que ir a…
Da igual que seas de Marvel o de DC, de La Cúpula o de Astiberri, de copias de prensa o de pagarte tus cómics. Lo importante de verdad es que sepas transmitir valores a tus hijos que a hagan mejores personas a tus hijos:
1937-1938. Nuestro país se encontraba enfrascado en una Cívil War, y las tensiones en el resto del Viejo continente ya hacían entrever el próximo Gran Evento. Meses antes de la aparición del mítico primer número de Action Comics, la historieta mainstream se publicaba en los periódicos, que por aquel entonces se publicaban en papel y traían noticias. Y como siempre ha sido, el material más popular se originaba en América. Allí Floyd Gottfredson llevaba siete años realizando las tiras de Mickey Mouse firmadas por Walt Disney, tiempo suficiente como para que su arte y narrativa estuvieran lo bastante maduras como para embarcarse en la aventura más larga y por ende más ambiciosa en la continuidad de la tira diaria del ratón, una historia que abarcó seis meses y que en posteriores recopilaciones fue titulada como «Monarch of Medioka«. No ha sido nunca publicada en castellano, pero de hacerse su título más probable sería «Princeso por Sorpreso«. Un Princeso Disney, por supuesto
Todo comienza cuando un alto cargo del lejano Reino de Medioka se entrevista con Mickey Mouse para contarle cómo a su país no le cuadran las cuentas por causa de que su Rey es un manirroto. Eso causa desconfianza en los mercados y por tanto su prima de riesgo se está disparando
(Antes de continuar, quisiera disculparme por la baja calidad de algunas imágenes. Debe tenerse en cuenta de que es un material que tiene casi ochenta años, y que las fotos han sido tomadas con un móvil que tiene casi tres)
Los embajadores Mediokanos proponen a Mickey hacerse pasar por el Monarca, dado su extraordinario parecido físico, por lo que sólo habría que trabajar un poco el acento. Es sabido que todos tenemos un doble exacto en algún lugar, y que en los tebeos casi siempre terminan encontrándose
La lógica es aplastante: cualquiera podría hacerlo mejor que el Rey Michael, así que prefieren colocar en el trono al primer sosias que le encuentren. Eso sí, se tratará siempre de un ajuste de carácter temporal, por supuesto. Todo por el bien común
Y si os estáis preguntando cómo se tomaba el monarca el golpe de estado, pues digamos que el hombre estaba algo quemado con el trono, pues con los pocos impuestos que podía recaudar apenas le daba para fastos y juergas
De manera que al retirarse del país por una temporadita, igual podía estirar la jugosa pensioncita que se le quedaría para irse de despiporre por ahí. Que una cosa es financiar las fiestas de toda la Corte, y otra mantener a apenas una docena de amigotes. Todo son ventajas
De manera que Mickey Mouse se queda al cargo con la difícil tarea por delante de hacer cuadrar el balance de cuentas economico de toda una nación. A la vista expectante de los cientes de miles o incluso millones de lectores de la prensa de la época. Lo dicho, que eran otros tiempos
Los ingresos por vía de impuestos no son suficientes como para sostener el estado del bienestar. De manera que cuando un quince de Mayo la turba populachera se manifiesta ante el balcón de palacio, el fingido monarca anuncia la medida a seguir
Bajar impuestos
Es de cajón, de todos es sabido que se trata de una medida que impulsa la economía porque favorece el consumo, la creación de empleo, la actividad economica, y dejando que el mercado se regule sólo todo termina funcionando mucho mejor. Apenas un año después de la publicación de la Teoría general del empleo, el interés y el dinero de Keynes, Mickey Mouse ya iba viralizando la revolución Keynesana a niños y mayores en la prensa diaria. Un hecho así sería suficiente para que Princeso por Sorpreso mereciese ser comentado por aquí, pero dado que con esto el texto no se ha terminado, el agudo lector sabrá deducir que hay más
Y es que cuando la carga fiscal es pesada, prométele a un autónomo una rebaja de la cuota el primer año y se sentirá millonario incluso antes de emprender
Pero sigamos con numeros, ya que Mickey pretender equilibrar la balanza bajando ingresos ¿cual debe ser la medida complementaria para que todo cuadre?
Evidentemente, con recortes. Fuera gastos
Y lo primero a recortar, lo que más a mano se tenga, es decir, el sueldo de los funcionarios del Estado
Y ante el primer atisbo de protesta, recurrir a la carta del Patriotismo es algo que suele funcionar
Y a los escalafones más bajos, recuérdales que no se trata de acomodarse en un trabajo facilón para toda la vida ¿quién desearía eso? un verdadero emprendedor debe crecerse ante los desafios, sacar lo mejor de uno mismo y triunfar sobre los demás. Si eres uno de esos selectos elegidos, en unos pocos años casi llegarás a mileurista
Pero nada es tan sencillo, de tal manera que en Medioka hay disensiones internas causadas por el primo del Rey Michael, que también tiene Sangre Real y por tanto aspiraciones a llevar las riendas del Reino si al regente le sucede algún desafortunado suceso
Es en esta parte cuando la publicación de esta historia fue censurdiscontinuada en el Reino de Yugoslavia. En el entonces emergente país balcánico gobernaba el Príncipe Regente Pablo de manera interina, ya que esta responsabilidad correspondía por herencia a su sobrino Pedro II, que todavía era menor de edad. La cosa es que Pablo estaba aliado con los NazAlemanes mientras que el inexperto e imberbe Pedro se alineaba con el bloque occidental. Esto, claro, dividía a la población, de manera que los custodios de las Buenas Costumbres de la prensa yugoslava decidieron que no era necesario enmerdar más la cosa con una trama de revoluciones monárquicas en los dibujos del ratoncito
Fuera de Yugoslavía la aventura continuó, y pudimos ser testigos de las privaciones del exiliado monarca en Estoril
Y el que Minnie fuera desconocedora de la ocupación de su compañero comenzaba complicar la trama
Y seguro que esta imagen ha salido desenfocada para que no se lea bien la palabra ORGY. Sabía yo que no tenía que pillar un modelo de teléfono que incluyera las letras ZN…
Eh, ya había dicho que la cosa se complicaba bastante. Pero como se trata al fin y al cabo de un tebeo de Disney, la cosa termina bien, el Rey vuelve y es aclamado por sus súbditos a causa de las nuevas políticas instauradas, que por lo visto le permiten seguir manteniendo su tren de vida (Keynes rules!), se queda con la gatita y recompensa a Mickey con la mayor de las recompensas posibles
Con un título nobiliario. Bonito, apañao y barato
Teoría económica, tensiones fraticidas internacionales, publicación bloqueada…podría decirse que esta aventura tiene de todo. Casi
Pero le faltaba una cosa. Taquiones
Y los tiene, por supuesto. Basta comprobar la influencia que tuvo esta aventura sobre Fernando Galindo
«¿Sobre quién?» preguntaréis algunos. Los que no conocéis, claro, el arte de ese autor español que dibujó algunas páginas en el penúltimo arco de la serie semanal Batman Eternal de la DC Comics. Seguro que algunos ya vais haciendo memoria, aunque no le ubiqueis el estilo. Cosa normal, claro, pues fueron tantos dibujantes, y con esos entintados se parecian todos tanto…
Pues no, no se trata de ningún dibujante. Pues despues de haberme hecho pasar a lo largo del texto por Isaac y por Emilio, voy a hacer un poco de Sark y a hablar de cosa audiovisual. Concretamente de Atraco a las 3
Con uno de los mejores planteles actorales posibles, Atraco a las 3 ha sido considerada por la AEAC como la mejor comedia española del siglo XX, que no es poco. Se estrenó en 1962, 25 años después de la aventura de Mickey en Medioka, aunque al igual que en Yogoslavia esta historieta nunca ha sido publicada en nuestro páis. Y huelga decir que los guionistas de la película (Rafael J. Salvia, Pedro Masó, Vicente Coello) eran leales patriotas y que por tanto no podían haber tenido acceso a este material por vía de ninguna peligrosa e incendiario publicación extranjera
Siendo así, la única manera en que puede explicarse la fantabulosa e inolvidable combinación de palabrería del gran José Luís López Vázquez aka Fernado Galindo…
es con los taquiones
Y es que los Grandes tebeos dejan huella en el espacio y en el tiempo, aunque no siempre en el sentido esperado. RecordAdlo!
