Una De Cada

Han estrenado serie nueva de Marvel así que tendremos que hablar de ella. Brillantemente traído el título al español desde WandaVision original a Bruja Escarlata y Visión, que logra dos cosas: cambiar el nombre de ella por uno con el que jamás se le llama y obviar que el de él tendría que llevar LA delante. Mucho mejor BrujiVisión, dónde va parar.

¿Y de qué va la cosa? Pues en teoría van a hablarnos de sus protagonistas principales mientras les hacen ir de década en década por diferentes tipos de telecomedia y blablabla. Vamos, algo que es rupturista porque antes no se había hecho. Más que en películas:

Vamos, eso de insertar a alguien en la ficción televisiva y tal no es como si fuera algo típico de los noventa.

Ni, desde luego, se ha seguido haciendo en años posteriores con todo tipo de temáticas y tecnologías (hasta YouTubers, vamos). Vamos, ningún actor de Marvel lo hubiera reconocido.

Por supuesto esto no significa más que no son los primeros en hacer algo. Si lo fueran en TV Tropes no habrían tenido tiempo a crear un tropo llamado Atrapados en TV Land. Pero seguro que no ser los primeros no les importa. Porque lo importante es hacer un trabajo continuado.

Aunque normalmente da solo para una película o un capítulo, claro. Es decir, es cierto que se supone que están preparando una adaptación a TV de Permanezcan en sintonía, pero cuando le toca el turno a Supernatural, Raven, Grace (sin Will) o Earl no suelen darle mucho recorrido.

Lo que significa que es toda una oportunidad para hacer las cosas bien.

Perdón, que era una oportunidad para hacer las cosas bien.

Porque esa idea de ‘cada capítulo equivale a una década‘ queda muy bien… si conoces cómo funcionan las décadas. Por ejemplo, que la década de los ’50s tiene que hacer referencias a, digamos, series de los años ’50. Por supuesto la sitcom de pareja más famosa de la década es I Love Lucy. De la que toman… ahm… ¿algo del aspecto visual? Porque el resto parece muy claramente sacado de The Dick Van Dyke Show o Embrujada. Que tienen el problema de ser de los años ’60.

Es aquello de los pequeños detalles en los que se notan las cosas. Por ejemplo, Lucy era 6 años mayor que su pareja en pantalla (y marido en la vida real durante varias décadas) mientras que en Bewitched eran 5 los años menos que Elizabeth Montgomery se llevaba con el primer Dick (York) y solo 3 con el segundo (Sargent), mientras en The Dick Van Dyke Show él se llevaba 11 años con Mary Tyler Moore y como todo evoluciona aquí el actor principal es 18 años mayor que su interés romántico. Un tema tan poco problemático que no tiene sentido ni mencionarlo. Eh, si consideramos que Su Electrodoméstico Favorito se creó no hace tanto tiempo en realidad él tiene solo como… diez años o así. Mucho más tranquilizador. Circulen, circulen, no hay nada que ver.

También está en que el estilo de comedia de Lucille Ball no dejaba de ser una mezcla de slasptick y fuerza de la naturaleza. Así que es una lástima que no recordaran momentos como:

Pero probablemente la elección de The Dick Van Dyke Show era más lógico porque no dejaba de ser una serie meta, muy conocida y con dos estrellas en sus personajes principales. Por eso – si suponemos que podemos fiarnos de que un actor sepa lo que han decidido los guionistas. Que es mucho suponer, casi al nivel de que un youtuber de cómics sepa sobre cómics. – eligieron para representar los años ’50 una serie que se emitió de 1961 a 1965. Es el famoso Cuidado por los Detalles que tanto nos están vendiendo los periodistas culturales que dicen las notas de prensa de la productora.

Lógicamente no iban a referencias series famosas y populares en aquellos años como Make Room For Daddy, Ethel and Albert o Life with Elizabeth, que tenían no solo la estructura de sitcom, también esa vida familiar/ de pareja en su centro. Quiero decir, no vamos a pedir que use The Phil Silvers Show/ Sergeant Bilko, suficiente con que no se hernien.

Pero bueno, igual que en los ’70s decidieron que la mejor representación de los ’50s era la de Leave It To Beaver (que no había sido una serie especialmente exitosa ni había tenido éxito con la crítica, pero cuyas reposiciones eran muy baratas para el sistema de sindicación americano) y a partir de ahí podían modelar ese pasado creado por falsos recuerdos en, por ejemplo, Happy Days en 1974. Algo que, por supuesto, no hemos visto pasar nunca con, digamos, los años ’80. *cof*

Pero los años ’60s tienen más sentido porque una de las tendencias que hubo durante esa década fue la del personaje con poderes especiales que tenía que esconderlo del resto. Fundamentalmente un marciano, un robot, una bruja y una genio.

Por orden de aparición:

My Favorite Martian (1963-66),

Considerada habitualmente la primera de estas fantasy sitcoms de coprotagonista inusual con extraños poderes que deben de ser escondidos, la creación de John L. Greene fue desarrollada por el productor Jack Chertok, que rápidamente sería dado de lado por la emisora, que se traería a Sherwood Schwartz (Creador de La isla de Gilligan y La tribu de los Brady) para sacarle más provecho. Y vaya si lo hizo. La primera intención – un joven periodista se encuentra con un marciano de aspecto moderadamente humano- pasó a centrarse más en el marciano, un Ray Walston encantadísimo, antes que en las idas y venidas del joven interpretado por Bill Bixby (sí, el mismísimo Dr. Banner. a ver si os creéis que las series de supes son un invento nuevo), porque sus poderes e inventos eran más interesantes que las historias del ‘normal’, sea un marciano o un gato cósmico. El invento duraría lo justo -aunque tendría serie de animación (¿qué somos? ¿bárbaros?) una década después y en la Filmation, con algunos de los guiones previstos para la cuarta temporada- porque la cadena se dio cuenta de que mejor que un señor mayor la persona especial podría ser una señorita.

My Living Doll (1964-65),

James T. Aubrey, el presidente de la CBS (la cadena de la serie anterior, vaya) le pidió a Chertok una serie nueva con un formato similar pero no exactamente. No podemos saber si le pidió directamente que la protagonista fuera un robot-señorita pero poco me extrañaría. Hasta el punto de que la excusa del mito de Pigmalión y Galatea -con un cambio en que no es el creador del roboz porque, claro, entonces sería una circunstancia extraña, mucho más lógico que haya tensión con un señor diferente, porque la parte de cosificar a las señoritas y zumbarse a los electrodomésticos es mucho más normal. Lamentablemente la serie tuvo un pequeño problema con su actor principal que según la época de las declaraciones sobre lo sucedido fueron: Desacuerdos, Celos del papel predominante de la señorita, Adicción a la metanfetamina. Como sospecho que todo se va sumando lo mismo en otros veinte años descubrimos qué le causó esa adicción. En cualquier caso tuvo éxito (sobre todo una expresión que se inventaron: «No computa«) pero no tanto, lo suficiente como para que uno de los productores creara década y pico más tarde Small Wonder, no tanto como para renovarla por una segunda temporada. Lo que permitió a la actriz que interpretaba al robot coger otro papel en una serie de tv de supes. Sí, claro. Que, además, la serie era Batman y la actriz Julie Newmar.

Bewitched (1964-72) y

Por supuesto el éxito acabaría llegando. Como llegan todas las cosas, adaptando éxitos. Perdón, no era una adaptación, era un homenaje. Un homenaje a Me casé con una bruja (1942) y a Me enamoré de una bruja (1958) -que a su vez adaptaban un libro y una obra de teatro- porque la cultura es circular y al final todo queda en casa, que para eso la productora detrás de las tres era al Columbia. Y es que si las dos anteriores eran CBS esta era ABC. Como era televisión en lugar de Veronica Lake o Kim Novak estaba Elizabeth Montgomery, y como su marido tuvo dos Dicks, York y Sargent (Sí, cambiar de actores también pasaba antes) aunque probablemente la que más partido le sacó fue Agnes Moorhead, una actriz memorable con una extensa carrera que incluía seriales radiofónicos como Terry y los Piratas (1937) , en la que interpretó a la Dama Dragón, o Las Aventuras de Superman (1940) -sí, claro que tan antiguo había supes- en la que interpretó a la madre de Superman. No, Lara. Tanto da, porque aunque las primeras tres temporadas fueran bastante accidentadas -el creador no llegó ni a filmar el piloto, el productor original fue despedido antes de que terminara la primera temporada porque la productora quería más magia y más comedia, acabaron teniendo cuatro productores en las cuatro primeras temporadas, se murieron un par de actores, lo típico… – pronto se convirtió en un éxito. Semana tras semana bien por algún hechizo que saliera mal, que saliera demasiado bien o porque alguien iba a descubrirles, Samantha y Dick tenían una aventura. Además, como Dick trabajaba en una agencia de publicidad a nadie le extrañaba que Samantha estuviera todo el rato agitando la nariz. Y, claro, si tienes éxito lo que quieres de inmediato es una copia.

I Dream of Jeannie (1965-1970).

Pues claro que la NBC también quiso tener su serie dentro de esta tendencia y por supuesto que fue al última en tenerla, ¡es la NBC! Si hasta tiene de creador a Sidney Sheldon. Más allá del éxito de inspirar ¡Ala… Dina! lo que se puede contar es cómo logra entender totalmente al revés Embrujada. Si en aquella es una poderosa bruja que, por su amor, acepta una posición de igualdad con un mortal aquí una poderosa genio se empeña en estar al servicio de un astronauta, pese a que él la liberara en el piloto, porque dos mil año sin salir de la botella tienen estas cosas y porque ella siempre querría estar A su servicio. Luego ya la idea de que la primera temporada fuera en blanco y negro funcionó regular porque en 1965 solo quedaba otra serie de prime time en B/N. La NBC se quería ahorrar unos duros pero para 1966 tuvieron que pasarla a color porque ya no quedaba ninguna en blanco y negro, así que la excusa puesta a Sheldon -No creemos que dure más de una temporada, que es algo aparentemente poco profesional que decir excepto si eres la NBC– y pasaría a color hasta su quinta y última temporada. Luego tuvo un par de telefilmes de reencuentro -aunque sin su protagonista principal, Larry Hagman, que tenía negocios en Dallas- pero por suerte con Barbara Eden, que para algo era la protagonista. Aunque cuando Hanna -Barbera decidió producir en 1973 una serie de animación (por supuesto que tuvo serie de animación) no pudieron pagar a los actores originales para mantener las voces. Y sin Sheldon por medio produciendo se inventan a un estudiante, surfero y deportista llamado Corey que sería el co-protagonista e interés romántico de esta versión de la genio. Incluso encontraron a un jovencito sin mucha carrera para hacer de actor de voz e, incluso, cantar el tema de los créditos. Un tal Mark Hamill.

Claro que este tipo de serie se siguió haciendo, como Mork & Mindy. E incluso con supes. Que parte de la premisa de Mi Doble Identidad no dejaba de ser esta. Claro que si hoy en día se busca algo más cercano a sitcom + supes (una vez olvidemos todos Powerless) es más fácil irnos a Los Thundermans o Henry Danger y su spin-off.

Por supuesto está muy bien que hagan homenajes al color de Pleasantville, al fin y al cabo es una película en la que el pasado que muestra es también falso. Al fin y al cabo Irna Phillips estaba por ahí con sus Guiding Light y As the World Turns. Así que reconstruir un pasado sin problemas ni tensiones obviando incluso los productos culturales del momento es lo que acaba llevando a ese Great Again inexistente. Que está bien en una serie en la que se han creado unas memorias falsas reconfortantes, al menos hasta que recuerdas que este borrado es el que hace que algunos piensen que hasta que no llegó Benetton a inventarlas todo esto era pura raza blanca.

De ahí la sorpresa de ver en blanco y negro los fragmentos de los ’60 muy claramente inspirados en Embrujada. Bueno, en lo que alguien que nunca hubiera visto Embrujada pero sí leído sobre ella podría pensar que va. Un poco como pasó con la película adaptándola. Claro que ahí estaba Nicole Kidman para hacer el papel protagonista, y a nadie se le ocurriría ponerla en un papel más cercano al de, digamos, Lucille Ball. De ahí, decía, que hubieran decidido tomar decisiones técnicas como rodar en exteriores o mostrarla en blanco y negro que son como mínimo discutibles. Primero, porque refuerza esa idea de que en los ’60s la tele era en B/N y, sobre todo, porque olvida que la propia Embrujada fue emitida mayoritariamente en color. ¿Cómo de mayoritariamente? Pues 6 de sus 8 temporadas.

Supongo que esto, como lo de las fechas de lo de Van Dyke, entran en la famosa Cuidada reconstrucción con atención a los detalles.

Que viene a ser también la fidelidad a los tebeos. Al fin y al cabo el personaje debutó en 1964 (en teoría en marzo) y Embrujada en septiembre de ese mismo año. Así que ambas comparten un rasgo distintivo que se ve reflejada en la serie de televisión: Nadie tiene ni puñetera idea de qué hacen, para qué sirven o cómo funcionan sus poderes. El guion necesita que hagas algo, lo haces; al guion le viene mal, eso los poderes no pueden hacerlo. Todo lo que pedimos a las series de TV y los cómics. Una conexión clara.

Y es que, al final, citando al clásico:

AVIV BÖR!

Una comparativa bastante verde (IV)

Parece que lo narrado en (entre otros) los números 228-229, 237 y 251 de Savage Dragon no ha sentado bien a cierto sector de los lectores, y por eso el 256 empieza con Malcolm Dragon en el hospital diciéndole a su mujer en una conversación muy metatextual que en este número no habrá mandanga, cosa con la que ella no está muy de acuerdo

Y como era de esperar Maxine es la que gana la discusión. Ella y Erik Larsen, que demuestra que la serie es suya y seguirá haciendo lo que le dé la gana

(Sí, he borrado algunos bocadillos y viñetas. Tampoco quiero destripar de más)

La Fuerza de su Mirada

Como ya hemos glosado en este blog, esta semana nos ha dejado la simpar Julie Strain. Otros cronistas más duchos en la materia podrán hablar de su carrera como Playmate – Reina del Grito durante los últimos años de gloria del cine de videoclub noventero. Un opus que abarca desde el terror con tetas y culos (de señora) de serie z de Jim Wynorski a las películas de balasera con tetas y culos (de señora) de los Sidaris. Pero todas esas necrológicas ignorarán un detalle crucial.

Que ROB! está en el Centro de Todas las Cosas.

Y, como las tramas principilales de series que se estiran durante cinco temporadas, todo comienza de la manera más inocente posible. Con un pequeño tebeo independiente en blanco y negro publicado en 1984 por dos frikis pirados del que quizá alguno hayais oido hablar.

Las Tortugas Ninja Mutantes Adolescentes.

Cuando la Tortugomania explotó definitivamente en 1987 gracias a la serie de animación impulsada por Playmates para promocionar su linea de muñequitos Figuras de Acción Eastman y Laird se vieron poseedores de repentinas riquezas cual directivos vendiendo en 2008 las acciones de sus empresa a punto de quebrar. Poco se sabe de la vida posterior de Laird pero Kevin Eastman invirtió bien su dinero.

Comprar la cabecera Heavy Metal en 1992. Una revista nacida como encarnación angloparlante de la Metal Hurlant francesa, importadora de esa especial sensibilidad europea para crear tebeos adultos.

O sea, con tetas y culos (de señora).

Su segundo hito vital fué contraer matrimonio en 1995 con nuestra homenajeada Julie Strain.

Y no, para ello no tuvo que divorciarse de una mujer con la que hubiera estado casado hasta entonces y sin la cual no hubiera podido sacar adelante la obra que le encumbró a la fama. Demostrando una vez más que, a diferencia de la gente del cine, los frikis de los tebeos no tienen ni idea de cómo hay que hacer las cosas en la vida real.

Igual que las serias y adultas historias de Heavy Metal, el Magacine, habían revolucionado el pueblerino panorama comiquero norteamericano acostumbrado a tebeos orientados al mercado infantil, Heavy Metal, la Película, revolucionó el panorama de la animación occidental acostumbrada a películas orientadas al mercado infantil.

Gracias a generosas cantidades de tetas, culos y penes.

Ah no, perdón, nada de penes. Que no habia tecnología para animarlos y habría que esperar 39 años a que se desarrollara para el Cyberpunk 2077.

Y oye, de qué te sirve ser el dueño de Heavy Metal, el Magazine, y estar casado con una estrella del cine de subgénero si no puedes coger una novela gráfica que has escrito y hacer una adaptación animada con tu señora como modelo y voz de la protagonista y colándola como secuela del film anterior.

Y aquí es donde entra el tercer actor de nuestra historia. Un chaval muy prometedor llegado de tierras británicas que había dibujado la mencionada novela gráfica. Un tal Simon Bisley.

Simon (no el Tonto) habia trabajado con algunos personajes de cierta fama que los expertos en el mundillo de la época quizá reconozcan.

Un policia futurista llamado Juez Dredd…

…y un cazarrecompensas espacial que responde al nombre de Lobo. Sí, exacto, como el animal.

Eastman. Strain. Bisley. Un alineamiento celestial.

No me malinterpreteis, Heavy Metal 2000 ya de por sí cumple todos los requisitos para ser un evento histórico por derecho propio. Es una remake/secuela/precuela (táchese lo que no proceda) inesperada de una película con dos décadas de antiguedad que hoy en dia nadie recuerda y venía de serie con todos los extras de una película evento de su época.

Muñequitos Figuras de Acción.

Videojuego.

Y hasta set de cromos con raras coleccionables metalizadas heredado del cómic original.

Pero lo que hace de Heavy Metal 2000 una película verdaderamente GENIAL! son las ilustraciones para diseño de producción y promoción que realizó Bisley tomando como modelo a Julie Strain.

Un verdadero festival de PISTOLONES que hasta a Muertopiscina le costaria levantar.

De HOMBRERACAS que incluso a Cable le haría falta esforzarse para poder lucir.

Y sí, digámoslo abiertamente.

De gloriosas TETAS que causarian complejo de inferioridad al mismísimo Capitán América.

Sí, amigos, la Voz de ROB! Habla en Todas las Cosas. Y si alguna vez el Verbo se hizo Carne (de señora) fue en las de Julie Strain.

Asi que deseándole que allá donde esté no haga frio despidámosla con un sonoro…

AVÏV EÎLÙJ!

AVÏV RÔB!

Silencio en el museo

Bueno, pues que parece que cierra el Museo ABC del Cómic de Madrid. Ahora viene cuando os enlazo el comunicado de la Sectorial del Cómic sobre el suceso y el vacío que deja en la siempre prometedora, pero también incipiente, presencia museística de la Historieta:

Sí, bueno, el caso es que no hay comunicado. Por no tener no tienen ni redes sociales. Si entras en su web (en construcción), hay iconos para acceder a sus redes sociales pero de momento están… inoperativos. De modo que he ido a buscar en Twitter al presidente de la Sectorial, Alejandro Casasola y lo que sí encuentro es que comparte el comunicado de APIM. ¿Quiénes son APIM? La Asociación de Profesionales de la Ilustración de Madrid, y los que han denunciado el cierre encubierto del museo. Bueno, un RT con cita ya es suficiente, que parece que siempre estamos hablando de Madrid, el museo en Madrid, la nieve en Madrid… ¿y qué hay del Museo del Cómic de Benavente?

Vale, pero entonces, ¿qué pasa con el Museo ABC? Pues si entras en su web lo primero con lo que te topas es con que “volveremos muy pronto”.

En sus redes sociales informan de que “las circunstancias actuales” no les permiten abrir. ¿La nieve? ¿La pandemia? ¿El gobierno social-comunista?

La organización del Museo no suelta prenda, y el diario que da nombre al museo ha preferido siquiera dar la noticia respecto al cierre. Otros medios que no tienen ni museos ni microondas han señalado que el fin del museo deriva del ERTE y el cierre desde marzo de las instalaciones, que mantendrán una única sala dedicada al cómic.

Por su parte, El Periódico aseguraba tener declaraciones de la directora del museo sobre una próxima reapertura que será anunciada en breve. E incluso alguno se preguntaba si no sería la oportunidad para abrir otro museo del cómic en otras ciudades. ¡Siempre es de agradecer para este blog la presencia de nuevos proyectos de Museo del Cómic!

¿Y qué opina la Delegada de Cultura de Madrid, Andrea Levy? De momento no se ha pronunciado. Han sido unos días muy agitados. Ya nos dirá algo. Uno pensaría que un museo en Madrid siempre es una buena noticia para la Cultura. Sobre todo si es colaboración público-privada con un grupo afín, que no por nada la presidenta del museo es Soledad Luca de Tena ¡Y el edificio es cedido por el ayuntamiento! Pero parece que ni por esas.

De modo que tenemos un museo privado (patrocinadores, un banco pequeñito, una caja con Obra Social, una conocida marca de asustaviejas y alarmas y el dinero público de los madrileños, entre otros). Dirigido por un diario que no habla del tema. En una ciudad cuya Delegada de Cultura tampoco ha dicho ni pío. Y sobre el que parece que la mayor parte del gremio tampoco ha querido decir demasiado. ¿Y la prensa especializada? Esta pregunta es un chiste. Que luego dicen que mis artículos no tienen chiste. Ahí lo tenéis.

El color del cristal de la mira telescópica

Se ha dicho y escrito mucho sobre él a lo largo de su dilatada trayectoria. Y si bien en sus comienzos todo eran parabienes hacia su valentía y actitud, tras esto comenzaron a arreciar las críticas hacia un aspecto de su comportamiento que venía siendo una constante en su andadura. Se decía que desde su posición privilegiada de macho alfa solía tratar al sexo opuesto con un deje de machismo, abusando de su poder. Se hacía referencia a una cierta conducta inapropiada, en la que cosificaba a las mujeres con las que se relacionaba hasta rayar en la misoginia. Se hablaba de un personaje abusivo y manipulador.

Pero estamos escuchando únicamente a una parte. Y en una época como la presente en la que lo que no falta es precisamente información, y tan necesaria es la empatía para comprendernos ¿no tendríamos que ser equidistantes y tratar de escuchar y comprender cómo lo ve la otra parte? igual el relato se ve de otra manera.

James Bond. Visto por Warren Ellis.

Instagrameos de un otoño triste

Entre la pandemia y el frío, qué mejor que quedarse en casa leyendo tebeos. Y eso hice

De Capital Importancia

Si la malidición árabe/hebrea/gitana/¿klingon? «que te condenen a vivir tiempos interesantes» es cierta alguien la ha usado sobre todo el planeta. Lo de Trump, Agente de P.U.T.I.N. Lo de el Comité Central de Beijing dictándol guiones a Hollywood. Lo del creador de una de las más conocidas empresas tecnológicas de la historia muriendo por negarse a tratar científicamente su cáncer. Si viajáramos al lejano pasado de los set los och DE PRINCIPIOS DE SIGLO a contarles a nuestros yos adolescentes todos estos hechos nos tomarían por locos.

Pero hay una cosa que no nos soprendería en absoluto porque ya entonces era previsible.

El asalto al Capitolio de Washington.

Porque han sido años y años de ficción preparándonos para ello.

Largos años.

Tantos que hasta han dado pié a ficciones en las que no participaba Kiefer Sutherland.

Quizá Charlie Sheen.

Porque si algo llevamos mucho tiempo teniendo claro…

…es que dejan entrar a cualquiera en el Capitolio. No importa lo friqui que sea.

Y claro, en cuanto una manzana podrida logra colarse…

…antes de que te des cuenta se te ha llenado el Congreso de bichitos asquerosos.

Cosa que, como ya os habreis imaginado a estas alturas…

…ya habían predicho Los Simpsons.

Diversidad en bloque

Hoy día de Reyes vamos a hablar de juguetes. Concretamente, vamos a hablar de Lego. La compañía danesa ha hecho una gran inversión en publicidad este año para colocarse como una de las reinas de las compras de Navidad este año, y ha potenciado sus productos con licencias Disney, especialmente Star Wars pero también los superhéroes de Marvel o DC. La historia de Lego con los superhéroes viene de lejos, y ya en los primeros 2000 se encargaron de dar vida a las escenas de las películas de Raimi en bloques.

Igual que las películas de superhéroes entonces, la cosa de los Legos licenciados era una cosa que andaba un poco en pañales todavía. Algo anecdótico que sin embargo, fue cambiando gracias al éxito, por una parte, de sus sets de Star Wars o Harry Potter, y por otra parte de los videojuegos de Lego basados en esas mismas licencias, empezando por las cosas todavía en manos de Lucas: Star Wars e Indiana Jones.

LEGO Star Wars: The Video Game | Star Wars Wiki | Fandom

Sería en 2008, fecha clave en la normalización de los superhéroes y sus adaptaciones al audiovisual, cuando vería la luz Lego Batman: The Videogame, adelantándose un año al lanzamiento de Batman: Arkham Asylum y convirtiéndose así en el juego oficial de la película de El Caballero Oscuro de Nolan. La popularidad del juego le llevó a una secuela en 2012, otra más en 2014 y a la mejor película de Batman jamás estrenada en cines en 2017, sobre la que también se haría un videojuego que ya entra en la categoría de adaptaciones sucesivas de High School Musical: La Serie: El Musical.

Al mismo tiempo Lego lanza en 2013 Lego Marvel Super Heroes, intentando replicar el éxito de la franquicia de juegos adaptando a la Distinguida Competencia y ya un poco antes comienza a lanzar nuevos productos licenciados de Marvel bajo su propia “familia” de productos, con el mismo nombre del videojuego. Estos primeros sets no se pliegan a la novedad cinematográfica sino que adaptan directamente material de los tebeos, por lo que no es de extrañar que de sus primeros lanzamientos fuera Wolverine’s Chopper Showdown, incluyendo una figura del personaje creado por ROB! más querido del mundo.

Y por supuesto, con DC se hace lo propio, lanzándose un DC Universe que en 2012 era igual que lo que publica ECC ahora: solo Batman.

Incluso en estos primeros sets podemos encontrar personajes femeninos como Harley Quinn o a Lois Lane (en el set de 2013 Superman Black Zero Escape sacado a rebufo de la visionaria Man of Steel). Por su parte, la primera hornada de Legos de Marvel de 2012 adaptando la película de Vengadores se las apañó para incluir dos sets con Ojo de Halcón (Loki’s Cosmic Cube Scape y Hulk’s Hellcarrier Breakout) pero ninguno con la Viuda Negra. Cosas que pasan. Que el segundo adapte una escena en la que es Natasha la que se enfrenta a Hulk, y no Clint, no puedo impedir que, por lo que fuera, el personaje de Scarlett Johansson no gozase de minifigura.

Con propósito de enmienda, en 2013 sale Iron Man’s Malibu Mansion Attack, adaptando los sucesos de Iron Man 3 e incluyendo una figura de Pepper Potts lista para ser rescatada del Mandarín y sus secuaces. Incluye también al robot con extintor, recurrente en la trilogía del cabeza de lata y con más o menos el mismo desarrollo de personaje en 3 películas que el de Gwyneth Paltrow.

En 2014 la colección Lego Super Heroes lanza su primera figura de una superheroína. Curiosamente, a pesar del papel de la Viuda Negra en El Soldado de Invierno, estrenada ese año, la elegida es Tormenta, adaptada en un set de los X-Men por el que todavía lloran mis ojos cuando piensan que no me lo compré antes de que entrase en el mercado especulativo.

¡Pero hay heroínas en el MCU! Gamora y Nebula sí harían aparición, cada una en uno de los dos sets dedicados a Guardianes de la Galaxia. Así, Marvel pasaba a contar de pronto con 3 minifiguras de heroínas en su colección de Lego. Por su parte, DC sacó en 2012 un set en el que incluía a Wonder Woman y Superman luchando contra Lex Luthor, y seguía sacando villanas de Batman como Catwoman o Hiedra Venenosa. ¡Para que luego digan que no hay igualdad!

Por fin y en 2015, con la llegada de La Era de Ultrón, Lego y Marvel logran colar a Natasha no solo en uno, sino en dos sets diferentes. Y no solo eso, también la Bruja Escarlata logra su aparición, aún como villana en este momento, en el set The Hulk Buster Smash. Y hasta ponen una figura de Maria Hill en su set más grande de superhéroes hasta esa fecha, el Hell Carrier de SHIELD. Por todo esto es algo extraño que en ese mismo año, con el estreno de la película de Ant-man, tengan el descuido de no incluir a Hope Pym en el set, pero sí incluir a un Hank Pym con uniforme al que no llegamos a ver en la película en acción. Quizá fuera por prevenir spoilers. Mejor dos Ant-MAN, pensaron. Eso es lo que quiere nuestro público.

Después de esto es cierto que Lego no tuvo muchos más traspiés importantes. Incluyeron al menos una figura de cada personaje femenino presente en Civil War, incluso a una Agente 13 (ya sabes, la nieta de la exnovia del Capitán América con la que les pareció interesante meter un beso en la película) para que nadie se quedase sin su muñeco. En el sector de DC, sacaron una set de Wonder Woman en el que, muy amablemente, tuvieron el placer de incluir a la amazona, que también estaba presente en el set preparatorio de Justice League (en este, curiosamente, decidieron dejar fuera a Flash, quizá planeando sacar su figura en primicia cuando se estrenase su propia película. Ya sabéis. La película de Flash).

En 2018 nos asomamos a lo que será un gran hito para los productos licenciados de Lego: el primer set paritario. Si no contamos la pequeña pieza que representa al Baby Grogu Groot, el set The Milano Vs The Abilisk incluye 4 figuras, dos de ellas de personajes femeninos.

Y solo un año después, en 2019, la cosa iría a más con la creación del set Captain Marvel and the Asis, que solo incluía dos figuras, Carol Danvers y Monica Rambeau, siendo el primer set sin personajes masculinos presentes en toda la colección de Lego Super Heros. El diseño era una cosa promocional que no llegó a pisar las tiendas, pero cabría esperar que el set oficial para tiendas de la película de Capitana Marvel tomaría un patrón similar, ¿no?

Bueno, pues no exactamente, pero, si lo miras bien, es el primer set que no incluye a ni un solo varón blanco de Lego desde 2012 a 2019. Ni tan mal. ¿Qué pasó en 2020? Bueno, a Lego se le torcieron las cosa con su política de lanzar el set de una película un par de meses antes del estreno de la misma. Por eso en marzo lanzaba Black Widow’s Helicopter Chase, un visionario set de Lego por ser el primero en llegar a tiendas con más personajes femeninos que masculinos. Y en Abril repetía esa condición con Wonder Woman vs. Cheetah, ambos lanzamientos en víspera del estreno de ambas películas. Wonder Woman 1984 al final se ha estrenado 8 meses después del lanzamiento del set, cuando ya empezaba a escasear en los lineales de juguetes. La película de Black Widow ya veremos.

Otro día, si os parece, pasamos por el tema de los personajes racializados, que en este post he querido tocar de puntillas porque, hombre, no nos vamos a meter en tantos fregados a la vez. No estamos locos. Feliz Día de Reyes y feliz 2021, lectores de ADLO!

Lo esperable

Es cierto que los principios de años suelen llenarse de buenos propósitos porque todo lo abstracto es fácilmente apilable, pero también es el momento perfecto para mirar hacia detrás y hacía delante. Un poco como lo de cruzar pero en una de esas pantallas en las que te empujan hacia delante. Que uno no puede evitar seguir en 2021 aunque esté claro que preferiría los ’90.

Total, que como algo hay que hacer y no vamos a llamar a nuestro experto en visiones porque la última vez no pudo ni parar a TRUMP! de hacerse con la presidencia pues en algo habrá que emplear la tarde.

Y allá vamos, a mirar lo que nos va a venir en… pongamos… películas de superhéroes que dicen que se van a estrenar en 2021. Que luego ya sabemos que es todo un Ya veremos y que Disney tiene que repetir el truco de + con otro servicio nuevo y a ver cuántas veces son capaces de engañar a la gente con el mismo truco como si fueran Nolan o Moffat.

Así que, con todos vosotros, las películas de supes que ADLO! espera ver estrenadas en 2021.

Samaritan

A ver, no tenemos ni cartel y el protagonista es población de riesgo, pero sale con una pareja varios años menor así que por lo menos sabemos que es de corte clásico.

Steel- Man

Pero POR SUPUESTO que lo que nos apetece ver este año es una película de un superhéroe ‘real‘ enfrentándose a Zombies durante tres horas y media. ¡Desaturad ya esos colores!

Sri Asih

El Bumilangit Cinemática Universe sigue adelante después de Gundala con una de las principales superheroínas de su industria comiquera. A ver si hacen justicia al personaje.

The Almighty Street Team

Pues este está claro: Based on the hit Comic book series. Del creador de Lazarus, que pudísteis ver el año pasado.

Down Squad

Sé que será algo inesperado, sin duda, pero es completamente cierto. Esta película es holandesa.

Virgo and the Sparklings

Pues sí, sé que esto os va a sorprender porque no es solo otra película dentro del Bumilangit Cinematic Universe, además adapta el famoso Webtoon, nada menos.

Como veis, muchos estrenos interesantes con las mismas posibilidades de estrenarse en cines que el resto de películas.